Del mismo modo en el que el Universo Cinematográfico de Marvel se inspira en cómics y eventos concretos, cada videojuego original pertenece a un universo propio que retiene una cantidad variable de elementos originales y otros que necesariamente debe tomar prestados.

A veces, aquello que se toma prestado son tramas argumentales, otras son escenarios o misiones que suponen un ansiado fanservice y, en múltiples ocasiones, se opta por incluir aspectos o eventos inspirados en otros multiversos. Y si no, que se lo digan a obras como Marvel Cosmic Invasion, un cúmulo de lecciones aprendidas, pero también un viaje a la auténtica esencia del beat’em up. Un viaje que rinde homenaje a los clásicos arcades de los 90, permitiendo controlar a los superhéroes más famosos de Marvel en su lucha contra Annihilus y su Ola de Aniquilación.

Excelencia nostálgica

Así pues, nos encontramos ante un beat ‘em up de los de toda la vida en el que nuestro único objetivo es avanzar por una serie de niveles lineales mientras nos damos de tortas con todos los enemigos que vayan saliendo a nuestro paso.

Si hay algo que llama la atención de Marvel Cosmic Invasion es lo mucho que intenta emular a los clásicos de antaño, por lo que podéis esperar un buen puñado de situaciones parecidas y una propuesta jugable similar, con unos controles sencillos y un desarrollo marcado por unos combates ágiles, frenéticos y multitudinarios. Lo mejor es que esto no ha impedido que el estudio haya aprovechado la posibilidad de modernizar y pulir la fórmula para darle un toque de frescura a los mandos y recordarnos que, a pesar de toda la nostalgia que nos transmite, esto es un juego actual.

De esta manera, volveremos a contar con un único botón para atacar y realizar combos básicos (esta vez también podremos mantenerlo pulsado para cargar un buen guantazo), algo a lo que ahora debemos sumarle nuevas maniobras como la posibilidad de esquivar y deslizarnos por el suelo, una técnica definitiva su correspondiente medidor y hasta mecánicas de asistencia entre personajes. 

Además, al jugar en cooperativo podremos hacer ataques conjuntos o la posibilidad de intercambiar vidas. Como veis, sigue siendo un sistema de control muy sencillo y accesible, pero con más opciones, tanto ofensivas como defensivas, que benefician y mucho al desarrollo de la acción.

Quizá la única pega de Marvel Cosmic Invasion en este sentido sea lo poco diferenciados que están los personajes a los mandos, ya que todos se controlan exactamente de la misma forma y pueden hacer lo mismo. Sí, las animaciones son completamente distintas y captan muy bien las personalidades de cada uno de ellos, y los valores de fuerza, alcance y agilidad varían de unos a otros, pero a la hora de la verdad no se notan grandes cambios entre controlar a Spider-Man o She-Hulk.

El universo de Marvel de Tribute Games

Después del buen hacer con Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder’s Revenge, era de esperar que la gente de Tribute Games llevase a buen puerto este Marvel Cosmic Invasion. Un juego que desprende amor por el material original, pero que sabe aprovechar las posibilidades que brindan las tecnologías de hoy en día para actualizar una fórmula clásica y maravillarnos con un espectacular apartado gráfico. Y todo ello mientras nos lo hace pasar en grande con una jugabilidad a prueba de bombas y un diseño de niveles impecable.

Es un título que tiene todo lo que podríamos pedirle tanto como fans de Marvel en particular como de los beat ‘em up en general, demostrando una vez más que cuando las cosas se hacen con cariño y mimo, todo ese buen hacer se acaba reflejando en el producto final. No dudéis en darle una oportunidad.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC a través de Steam facilitada por Cosmocover.

Desde la perspectiva de la ciencia ficción «dura», se descuidaba la construcción de un microcosmos lógico y coherente, y se desafiaba la suspensión de la credibilidad; eran las catarsis emocionales, y no las cadenas de causas y consecuencias, las que dominaban el argumento. Si me hablaran de una serie espacial plagada con estos defectos, y no la hubiera visto, pensaría que son insalvables. Si hay algo que la ciencia ficción espacial suele requerir es una buena dosis de lógica. 

Y aun así, Battlestar Galactica suele estar, y merece estar, entre los primeros puestos de las listas de mejores series de ciencia ficción de la historia de la televisión. Después de todo, es un pilar fundamental de la ciencia ficción televisiva que revolucionó el género al abandonar las utopías espaciales para ofrecer un drama oscuro y realista sobre el terrorismo, la supervivencia y la moralidad. 

Y es que precisamente la tridimensionalidad de sus personajes, el que todos tengan muchas cosas por las que responder y el que todos vayan más allá de los estereotipos, pese a partir de figuras arquetípicas de la ciencia ficción, tornan a Battlestar Galactica en una serie de personajes en la que las reacciones y la evolución de los mismos son tanto o más relevantes que los combates estelares, la huida de la cylon o el desenmascaramiento de los mismos, construyendo una serie cargada de matices.

La frontera interestelar y la guerra absoluta

Una máxima que también se aplica en Battlestar Galactica: Scattered Hopes, un juego roguelite de supervivencia y gestión de flotas con un diseño narrativo procedimental y batallas espaciales en tiempo real. Un juego en el que su verdadera máxima no es la victoria, sino la supervivencia a toda costa. Al fin y al cabo, la humanidad lucha desesperadamente por huir de una derrota inminente, por lo que cada salto espacial y decisión táctica que tomemos exige sacrificios constantes.

El eje central de la experiencia gira en torno a una idea clara: resistir mientras todo colapsa. No se trata simplemente de avanzar, sino de sostener una estructura frágil bajo presión constante. La amenaza no proviene solo del enemigo externo, sino también de los conflictos internos que surgen dentro de la propia flota.

La gestión simultánea de múltiples problemas construye el ritmo del juego. Reparaciones urgentes, decisiones estratégicas y exploración compiten por recursos limitados, generando una tensión sostenida que no da respiro. Cada elección se acumula, y sus efectos pueden aparecer cuando ya no hay margen de maniobra. Ahora bien, cuando el enfrentamiento es inevitable, el juego introduce un sistema que combina acción en tiempo real con una capa estratégica profunda. No basta con reaccionar rápido; es fundamental anticipar movimientos, distribuir recursos y entender el rol de cada unidad en el campo de batalla.

La gracia y la condición humana

Más allá de sus mecánicas, el juego logra capturar el espíritu de la franquicia sin caer en la simple repetición. La narrativa se construye a partir de situaciones dinámicas, donde no existen respuestas correctas universales. Cada decisión define el rumbo de la historia, reforzando la sensación de responsabilidad.

En conjunto, Battlestar Galactica: Scattered Hopes se posiciona como una propuesta que no busca ser accesible, sino desafiante. Su enfoque en la tensión constante, la gestión estratégica y las consecuencias reales lo convierten en una experiencia donde avanzar no siempre significa ganar, sino simplemente sobrevivir un poco más.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

En esa lucha por el hiperrealismo para meternos de lleno en la historia, destaca Neva: Prologue, por ser precisamente todo lo contrario. Una obra, que al igual que el juego base, trata sobre nuestros propios sentimientos más que un mero entretenimiento. Y si no eres capaz de entrar en su juego es lógico que no te logre atrapar y lo que presencies sea un juego precioso, pero simple y que no te reta.

La clave de la expansión que protagoniza estas líneas, ya está disponible en PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series X|S y Nintendo Switch por 2,99 €., está en conseguir convertirse en toda una experiencia en el plano estético, con escenarios bellísimos que cambian a nuestro paso y consiguen la matrícula de honor casi al final del juego, con una caja que se abre (literalmente) revelando distintos paraderos de un mismo nivel.

La luz en la oscuridad

Es lógico que tras leer esto, y si no has jugado al juego original, te preguntes: «Sí, veo que es precioso y está cargado de sentimientos, ¿pero cómo se desarrolla el juego?»

Hablar de Neva: Prologue en términos jugables es complicado. No porque su jugabilidad lo sea, de hecho su esquema es tremendamente simple. Es, al fin y al cabo, una aventura de plataformas con sencillos puzles que apenas nos supondrán un reto, lo que puede espantar a aquellos que quieran afrontarlo como un reto personal. Y a esto ayuda su duración, 60 minutos que, lejos de parecer escasos es una de sus mayores virtudes.

Su jugabilidad obedece a una narrativa concreta, planteándonos un duro y precioso viaje plagado de pruebas que superar, con los gráciles movimientos de nuestra protagonista en un mundo que poco a poco va volviéndose más desafiante y vibrante. Un viaje en el que tendremos que ganarnos la confianza de Neva y guiar a ambas partes a través de los humedales marchitos y las fuerzas oscuras que los acechan.

Al final, la auténtica dificultad de Neva: Prologue reside sobre todo en aceptar nuestra afinidad con su historia. En abrirnos a ese silencio sepulcral entre la obra y el jugador, cuyo desenlace ofrece una luz y un motivo a cada salto, puzle o caída del camino, sin necesidad de que haya demasiados enemigos que entorpezcan nuestro camino. 

Porque incluso en esa simpleza puede verse parte del mensaje. Como tener que mantener el botón pulsado para enfrentarnos a la tormenta y sentir en nuestro dedo la tensión de plantar cara a la naturaleza.

Este texto ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties supone la contestación a tales interrogantes mediante una experiencia con sabor a un nuevo comienzo. Una experiencia que abre la veda a nuevas experiencias centradas en la saga de Kazuma Kiryu y la de otros personajes que también son queridos. Porque después de los hechos acaecidos en la segunda iteración de la serie, nos encontramos ante un Kiryu que se muestra ávido por ayudar a los niños más desfavorecidos, hastiado por todos los conflictos en los que ha estado metido (los años no pasan en balde), y con cierta predisposición a la familia, por hacer la vida agradable a los que tiene a su alrededor.

¿Qué define a una familia? ¿Qué significa para nosotros? ¿Es aquello que guardamos para cuidar y proteger? Las relaciones fuertes, la unión de los lazos familiares, son importantes en el título de marras. Uno que abandona el reparto coral que tuvieron en su haber anteriores entregas en pos de apostar por una historia más personal e intimista, centrada fundamentalmente en la expresión de los sentimientos y de las emociones más fuertes, aunque también explora hasta qué punto se puede escapar del pasado.

Okinawa, la prefectura más calurosa de Japón

La saga Yakuza siempre ha estado respaldada por la densidad y la complejidad que irradia los diferentes distritos que exploramos. De hecho, uno de sus grandes valores reside en la vida, y no tanto el tamaño, que presenta frente a otros mundos abiertos. Cada calle que recorremos parece normal, casi mundana, pero detrás de cada rincón se esconde una historia y cada esquina, un momento especial, desde calles iluminadas de neón que apuestan por los excesos, hasta callejones que ofrecen una apariencia mucho más decadente.

Sin embargo, el uso del Dragon Engine frente al Kenzan Engine que usó la entrega original, ha influido de forma positiva en algunos aspectos de esta aventura (otros, en cambio, no tanto). Para empezar, la mejora en el texturizado, las expresiones faciales y las animaciones de los personajes con respecto a pasadas entregas de la serie se nota a primera vista. Además, la eliminación de las pantallas de carga dentro del juego ofrece un desarrollo más orgánico que afecta a su jugabilidad, potenciando la continuidad. En otras palabras, su contundencia y espectacularidad se extienden más allá de los puños que se reparten a lo largo de la aventura, que no son pocos.

Una contundencia que también se extiende a su apartado sonoro, pues la banda sonora abarca múltiples géneros musicales que abrazan la música electrónica y el jazz. A eso hay que añadir el estupendo elenco de actores que prestan su voz para dar vida a las estrellas de Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties, adaptando el timbre del drama a la comedia de un momento a otro. Porque sí, estamos ante otra entrega sumamente versátil que mezcla elementos tan disonantes como los ya nombrados.

Partiendo la pana

Los videojuegos de «Yo contra el barrio» (en inglés Beat ‘em up) se convirtieron en uno de los géneros de moda y uno de los reyes de los salones recreativos. Y pese a que hubo una época en la que estuvieron abocados al ostracismo, quedando en un segundo plano, numerosos relanzamientos y la hegemonía de las plataformas digitales han terminado propiciando un segundo resurgir en los hogares de todo el mundo. Las innovaciones que nos han presentado muchas de sus sagas está fuera de toda duda y los mejores juegos de la saga Yakuza siempre han tenido cierta predisposición para repartir mamporros a diestro y siniestro.

Pero a lo largo de nuestra vida, evolucionamos, nos adaptamos y mutamos en formas que a veces, ni siquiera comprendemos. Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties comprende las protestas violentas y promete contundencia a raudales a través de un desarrollo tipo Brawler. No ofrece la rimbombante variedad de estilos de lucha que podemos emplear en Yakuza 0, pero sí disponemos de hasta dos formas de combate en las que lidiar con los enemigos, así como la ya habitual recogida de objetos que tenemos a nuestro alrededor para usarlos como armas. Por supuesto, los golpes críticos o movimientos Heat que activan una serie de movimientos a cada cual más vistoso no faltan a la cita.

Ahora bien, el progreso de Kiryu sí que es un poco más parecido a lo que podemos ver en un juego de rol, ya que disponemos de varias estadísticas y habilidades que podremos ir mejorando en base al dinero que obtenemos luchando o cumpliendo otras tareas no tan dependientes de los puños.

Socializando, que es gerundio

Aun así, ¿por qué solucionar todo en la vida a base de golpes? Vivimos en el siglo XXI y Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties afronta ciertos aspectos socioculturales como la posibilidad de cuidar a los niños del orfanato por medio de tareas, minijuegos y eventos familiares, y que depende de nosotros resolver, o no. Asimismo, cocinar, cultivar un pequeño huerto o pescar son algunas de las otras tareas que también nos permitirán estrechar vínculos con los niños y mejorar nosotros como padres.

El resto de minijuegos sí que son clientes habituales de la saga, algo a lo que ya nos tienen acostumbrados, ya que podremos lastimar nuestras cuerdas vocales en el karaoke, invertir todos nuestros ahorros en las máquinas recreativas o cazando insectos por doquier. Es complicado hacer cuenta de todo ello, pero como diría el refranero, en la variedad está el gusto.

El vínculo afectivo es un lazo de amor y empatía

Única en su especie y atesorando la verdadera esencia de lo japonés, la saga a cargo de Ryu Ga Gotoku Studio siempre nos ha entregado una potencia de 200 CV para poner de manifiesto una experiencia de actitud empática. Una que ha estado amparada en la reputación, el honor y el paternalismo, entre otros valores. Una experiencia que en esta tercera entrega totalmente remozada se encuentra iluminada por una renovada Kamurocho y una Okinawa alejada del mundanal ruido que ponen el broche de oro a una presentación realmente majestuosa.

Si bien, este Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties también se entiende como una transición hacia una nueva etapa perseguida siempre por sus lazos afectivos y familiares. Una etapa que, de un tiempo a esta parte, recibe el nombre de Like a Dragon, que ya ha conquistado nuestros corazones, y que puede marcar el futuro para con este reflejo de la sociedad japonesa.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC a través de Steam que ha sido facilitada por Cosmocover.

Es verdad que la obra que nos ocupa es adictiva, y eso hace que su propuesta nos enganche enseguida; pero su verdadero secreto, en realidad, es la inteligencia con la que consigue convertir las cartas de toda la vida en una pieza móvil que podemos modificar a nuestro gusto. A este respecto, ofreciendo un RPG de construcción de mazos que combina una aventura cargada de  momentos hilarantes y batallas estratégicas que van in crescendo.

Si a algo podemos agarrarnos desde el principio es a que la estructura, eso sí, es relativamente convencional. Nada más empezar, podemos escoger entre diferentes personajes, cada uno con sus características específicas. Empezamos con un mazo con unas cartas predeterminadas y un mapa con diferentes caminos que podemos escoger, cada uno con sus enfrentamientos – más o menos difíciles – sus eventos, sus lugares de descanso y su jefe final. En un principio, el meollo del asunto son los combates: como en un RPG por turnos cualquiera, cada jugador dispone de varios espacios para colocar cartas en filas delanteras y traseras, mientras que el maná aumenta con cada turno que pase.

Agotados nuestros movimientos, descartamos las cartas sobrantes de nuestra mano, damos paso al enemigo para que haga lo propio, y volvemos a empezar.

Fácil de aprender, difícil de dominar

Hay muchas cosas en Cross Blitz que son magistrales, pero la que es verdaderamente heroica es su capacidad de transformar las barreras de entrada de todos los géneros de los que bebe en ínfimos obstáculos. Cada una de las posibles asperezas está limada al máximo para convertirse en algo más bonito, más tierno, más afable: la dificultad, los números, las estadísticas o las infinitas sinergias entre las diferentes cartas nunca juegan en detrimento sino a favor del jugador.

Tanto de aquel que se esté iniciando, que siempre tendrá algún nuevo elemento en el que fijarse y que aprender a explotar para llegar cada vez más lejos, como para el jugador veterano, que tiene siempre a mano un millón de posibilidades para intentar romper el juego, elaborar nuevas estrategias y exprimir al máximo todas las mecánicas.

A la pregunta «¿cómo conseguimos crear un juego que sea extremadamente complejo sin que esa complejidad entorpezca el proceso de aprendizaje?», Cross Blitz contesta: «siendo sinceros». Y es precisamente esta honestidad, el absoluto compromiso que tiene con no dejar ni un solo matiz encubierto, lo que nos lleva a asumir nuestros propios errores, aprender de cada intento, y pulsar el botón para iniciar una partida nueva cada vez que terminamos, con éxito o sin él.

En el combate, esto se traduce en un montón de datos sobre el transcurso del enfrentamiento que podremos consultar en todo momento. Sabemos si el enemigo va a atacarnos, o a defenderse; sabemos cuánto daño va a hacerle nuestra carta de ataque a un determinado oponente con solo ver sus estadísticas. Al principio, menos acostumbrados a las mecánicas, miraremos con lupa todos estos datos constantemente. 

Unas horas después, los entenderemos intuitivamente en casi todas las ocasiones, pero seguirán estando visibles en la pantalla, disponibles para que les echemos un ojo si lo necesitamos. El juego nunca, jamás, te lleva de la mano por sus distintas fases, pero tampoco te la suelta; se comunica constantemente con nosotros, como una persona muy transparente a la que le encanta hablar sobre sí misma, siempre dispuesta a que los demás comprendan lo que piensa o siente.

Un gran acabado artístico tanto para la vista como para nuestros oídos

Supongo que, al final, es esto lo verdaderamente revolucionario: encontrar un título que, en medio de las decenas y decenas de videojuegos con los que disfrutamos constantemente, permanezca junto a nosotros como si por él no pasase el tiempo, estático en cuanto a que es irrepetible, casi perfecto.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

Dicho poema, generalmente atribuido a la autora Katherine Craster y que tiene por nombre El dilema del ciempiés, relata brevemente la historia de un ciempiés que, al ser preguntado por el orden en que movía las patas para caminar, se derrumbó por no saber cómo continuar corriendo, pese a que hasta ese momento movía con naturalidad sus numerosas patas sin pensar en cómo lo hacía. Dicho concepto defiende que un razonamiento consciente sobre una tarea que ya tenemos automatizada puede afectar negativamente a su resultado, especialmente si tiene que ver con movimientos físicos.

En definitiva, muchas veces puede ser mejor no complicarse la vida y confiar en nuestras capacidades y en nuestra experiencia sin darle demasiadas vueltas, porque es importante sentirnos capaces de llevar a cabo las cosas que ya hemos demostrado que sabemos hacer. Eso sí, también es fundamental entender que siempre se puede aspirar a seguir aprendiendo, mejorando y reforzando nuestras metodologías, tanto desde los estímulos a los que nos exponemos como desde la búsqueda activa de nuevos conocimientos y habilidades.

De la misma manera, en la vida en general, en ocasiones tenemos tropezones y acabamos por los suelos, a eso le llamamos las famosas piedras de la vida, no importa equivocarse y fallar es algo inherente al ser humano, pero el tema principal aquí no es caernos, sino la actitud con la que nos levantamos.

¿Qué se entiende por walking simulator?

Y obras como Baby Steps se amparan en todos estos temas, abrazando una propuesta de lo más peculiar que nos lanza a un mundo abierto en el que tenemos que descifrar la mejor manera de encarar cada obstáculo o de encontrar una ruta nueva hacia arriba. 

Una propuesta que nos pone en la piel de Nate, un hombre sin rumbo que descubre, literalmente, cómo poner un pie delante del otro, y que a través de un humor sumamente irreverente, nos propone las siguientes preguntas: ¿Por qué caemos? Tenemos la solución en nuestras manos, ¿Seremos capaces de creérnoslo?, ¿Seremos capaces de levantar los ojos, mirar la realidad, respirar hondo y dar ‘ese’ paso tan deseado?, ¿Seremos capaces de cambiar lo que queremos, tomar las decisiones que necesitamos? 

Y para ello, hay que caminar para responder a todas estas preguntas, mediante mecánicas que transforman la concepción clásica de las mismas en una incesante búsqueda de expresividad e innovación.

Asimismo, Baby Steps nos enseña que ser torpe, es siempre empezar por imitar, intuir la ejecución de algo que aún no nos pertenece como habilidad, desde la referencia más cercana que tengamos de ese algo, incluso si viene de otro contexto. Esto es lo que genera frustración, el hecho de marcar un modelo aspiracional a reproducir y verte fuera de tu zona de confort al intentar igualarlo. Vamos a dejarlo pasar.

Sabemos que va a ser frustrante no saber, no poder, pero, al menos, podemos empezar a reconocer en ese momento de incomodidad y falta de capacidad de reacción cuando te ves torpe, un paso a otro nuevo horizonte de auto-aprendizaje: lo impropio, como aquello que aún no alcanzamos, pero que no tenemos que tener prisa por alcanzar.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PC a través de Steam facilitada por Cosmocover.

Esas personas que se consideran dueñas de nuestro tiempo, las que poseen grandes fortunas, que tienen influencia en la sociedad, que dominan y controlan la sociedad, los que tienen capacidad de decisión sobre millones de personas. A ese niño que estaba jugando en Alepo (Siria) y muere por la explosión de una bomba ¡esa maldita guerra por los gaseoductos! le han arrebatado su tiempo, un tiempo que nadie tenía derecho a quitarle. También hay un tiempo que te quitan, ese tiempo de tus sueños, de tus proyectos, de tus esperanzas.

El tiempo que nos queda

Una de las múltiples facetas destacables de Clair Obscur: Expedition 33 es la forma en la que los habitantes de un mundo de fantasía inspirado en la Francia de la Belle Époque toman poco a poco consciencia de su muerte cierta a medida que pasan los años, así como lo humano de su respuesta. ¿Cómo nos comportaríamos ante un final inevitable? Primero, con incredulidad ¿cómo es posible que nuestra esperanza de vida se reduzca por culpa de una entidad omnipotente? que tontería, son adultos y tienen «cosas importantes» que hacer. Pero cuando llega la fecha señalada y las personas con la edad que marca el monolito se desvanecen, llega el momento para cada uno de afrontar su destino. 

Unos tratan de escapar, otros se refugian en la última copa o usan el alcohol para hacer olvidar a sus seres queridos el pesar de lo que viene, hay quien llora por los rincones y también los que lamentan los errores de su vida. Siempre pensamos que tendremos tiempo de arreglar lo que hemos roto, de decir lo que no dijimos, o de pedir disculpas por lo que no debimos decir, pero llega un momento en el que encontramos que nuestro tiempo se ha agotado, debiendo llevarnos nuestro arrepentimiento con nosotros.

Son pequeños grandes detalles, pero que son capaces de emocionar con las historias de los habitantes de Lumiere a través de frases cortas con un impacto inolvidable. Clair Obscur: Expedition 33 es considerado, con buenos motivos, un juego sumamente oscuro. No es sólo la carrera contra el tiempo y una amenaza que parece demasiado enorme para ser detenida, sino el hecho de que todos los personajes que ayudamos tienen historias que lamentar, o cosas que les hubiera gustado hacer y no hicieron por uno u otro motivo. 

Hay quien considera que detrás de la supuesta profundidad de la obra que protagoniza estas líneas hay más literatura de los fans que una intención real por parte de sus creadores, pero no se puede negar la chispa de genio necesaria para crear un juego que de pie a tantas teorías y reflexiones frente a otros juegos que sí buscan esa profundidad y no la acaban de encontrar pese a toneladas de texto y diálogos.

Al final del todo, Clair Obscur: Expedition 33 es un juego que versa principalmente sobre la muerte, encontrar un propósito en la vida o simplemente el valor necesario para seguir adelante un día más, sobrellevar la pérdida de seres queridos, aceptar la muerte y un largo etcétera, algo que se aborda abiertamente tanto en la trama principal del título como en la exploración de sus diferentes mecánicas. 

Dicho de otra manera. La obra de Sandfall Interactive nos habla sobre el sentido de la vida, pues muchos de sus personajes nos enseñan que el secreto de la existencia humana no está en vivir, sino en saber para qué se vive, y eso es debido a que tenemos que vivir y no solo existir. Frente a las adversidades de la vida no cabe la pasividad ni la resignación pues, como la vida es inherentemente arriesgada y sólo hay un riesgo mayor que debemos evitar y es el riesgo de no hacer nada.

La lucha contra el destino

¿Qué es exactamente morirse? ¿Qué pasa cuando nos morimos? ¿Qué viene después? ¿Queda algo de nosotros en el mundo? Desde los albores de los tiempos, las preguntas sobre la muerte han sido una de las más inquietantes y difíciles de responder. Aunque muerte y vida son un binomio indisoluble, las dos caras de la misma moneda, tendemos a mirar solo una parte. La vida nos ocupa. La muerte ha estado siempre ahí, al final, pero lejos. El mundo actual nos ha sorprendido con acontecimientos que pensábamos propios de otros espacios y lugares. La moneda ha dado la vuelta.

Religiones, filosofías, ciencias e incluso la política han intentado dar con una respuesta que nos brinde consuela ante lo inevitable y nos permita la vida con menos angustias, lidiando de un modo más positivo con el vacío que nos produce saber que un día, inevitablemente, moriremos. Y es que el duelo es un proceso natural, que todas y todos vivimos cuando debemos afrontar una pérdida, y que nos permite reajustar y afrontar nuestra nueva realidad. El duelo aparece cuando muere un ser querido, pero también cuando vivimos una ruptura amorosa, cuando perdemos un trabajo… 

La muerte, así, es algo complicado de entender y más aún de comunicar. Quienes la han conocido personalmente no pueden volver a contarnos lo que ocurre, y quienes aún estamos vivos solo podemos presenciar la muerte de los demás. De modo que a lo largo del tiempo hemos construido nuestras propias respuestas.

En Clair Obscur: Expedition 33, tratan esta realidad tan dura a través de sus protagonistas y antagonistas, recordándonos que somos vulnerables y finitos. De la misma manera, nos enseña que el miedo a la muerte puede sacar a relucir muchos otros miedos como el miedo al dolor, a la oscuridad, a lo desconocido, al sufrimiento, a la nada… Es una obra que suma una dimensión humana al acto de representar la muerte, exhibiendo el dolor en los otros, la culpa, el arrepentimiento, el recuerdo.

Al final, es una obra que arroja un panorama rico en matices donde la tensión entre juego y narración se resuelve de diferentes maneras a través de configuraciones textuales originales que proponen nuevas formas de vínculo, nuevas formas de contacto discursivo.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

Su descripción resultó profética. Hoy en día, algunas personas tienen miedo de las máquinas, los robots y el futuro. Abogan por poner coto a ciertos usos, pero olvidan que si las máquinas están aquí con sus peligros, es porque los hombres las han creado y los cambios en la sociedad han favorecido su llegada.

Es la historia del huevo y la gallina. La gallina comparte su ADN con el huevo, y el huevo a su vez se convierte en gallina, que a su vez se convierte en huevo. La innovación nunca aparece ex-nihilo; es fruto de cambios más o menos profundos en la ciencia, pero sobre todo en nuestra sociedad. Y si están ahí es porque la gente está dispuesta a aceptarlos.

Todo es cuestión de conciencia y de los valores que la guían. El robot de ayer era metálico y sin conciencia, el robot de mañana se acercará a la textura humana en apariencia y habrá desarrollado una conciencia. Mañana, además, no serán sólo los robots que nos rodean los que tendrán conciencia. Es sólo un pequeño paso hasta la llegada de los seres humanos producidos y formateados en fábricas. Es sólo otro pequeño paso para poner en marcha la producción de quimeras, esos seres mitad humanos, mitad animales cuyos embriones se autorizó a cultivar hace unas semanas con el objetivo de producir órganos para trasplantes.

Apartadas estas suposiciones, lo cierto es que la filosofía es nuestra manifestación más clara de que queremos conocer, aprender y que tenemos curiosidad por el mundo que nos rodea. La filosofía es la sistematización de nuestra curiosidad, que busca pautas de análisis. Nos alejamos del mito y buscamos conocer la realidad desde sus mismas entrañas. Tampoco es raro pues ver como algunos videojuegos se usan como un observatorio de conceptos filosóficos y psicológicos y, por medio de nuestra experiencia como jugadores, reflexionar sobre ellos, sea en un contexto o fuera de él.

Filosofía y ciencia de la robótica

Videojuegos como The Talos Principle: Reawakened, una experiencia de juego mejorada y una presentación renovada en la que podremos emprender un viaje ampliado y mejorado por el mundo de la Simulación gracias a la narrativa de The Talos Principle. Una narrativa que nos enseña que un robot puede ser un ser humano. También puede serlo un bebé probeta, un alma, un androide o un dragón. Puede ser humano incluso un ser humano. Porque lo que entiende como humanidad no es un principio metafísico incomprensible, sino un principio ético: hacer de tu vida un acto virtuoso tal que desearías que volviera a ocurrir infinitas veces.

Algo tan bello y perfecto que no te arrepentirías nunca incluso si eso borrara tu existencia de la tierra. Eso es lo que nos dice la gente de Croteam que es «ser humano». No sólo ser una persona más, sino la mejor versión posible de ti mismo.

The Talos Principle: Reawakened es distinto a casi todo, sin dejar de recordarnos continuamente a distintos videojuegos, películas, libros y otras formas de ocio. Lo hace, en ocasiones, de soslayo, mientras que otras veces sus referencias resultan evidentes. De entrada, esta primera iteración que ha recibido una puesta al día se presenta como un juego de puzles y exploración en primera persona que rinde, en parte, homenaje a Myst. Simple y directo, dos mecánicas tan solo que tener en mente: descubrir y solucionar. ¿Suficiente para sostener un juego que dura más de 20 horas? Sí y no.

Por una parte, están los momentos de hartazgo al resolver decenas de puzles de laberintos que van añadiendo progresivamente nuevos elementos a la mezcla. Por otro, quiero volver a sentir ‘esa’ sensación al superarlos. Ese es uno de los secretos mejor guardados de la creación que protagoniza estas líneas, la sensación de realización al superar un rompecabezas que creías imposible. Cuando terminas un puzle te sientes casi todopoderoso, sobre todo cuando el juego te recompensa con multitud de secuencias de vídeo y tramos en los que avanza la historia.

¿Qué puede aportar un robot a la filosofía?

Dicho de otra manera. Nos sorprenderemos a nosotros mismos rememorando tal o cual prueba horas después de haber jugado y dando con la solución al día siguiente, y en algunas incluso recurriremos al siempre temido ensayo-error para dar con la solución… que algunas veces nos abrirá los ojos como si de una epifanía se tratara, y que en otras ocasiones incluso ni así nos permitirá descifrar el enigma.

Porque aunque sus mecánicas básicas aguantarían su peso un millón de veces jugando según las reglas, el verdadero golpe de genio está en buscar constantemente el puzle imposible, el reto que puede con todos nuestros intentos por fuerza bruta hasta que nos atrevemos a pensar de otra manera. A utilizar el entorno. A pensar que un elemento quizá implique contar con lo que hay más allá, o que el reflejo del sol sobre la textura de un panel vacío pueda contarnos cosas de quien estuvo allí antes. Y creo que son suficientes pistas por hoy.

Y puede que, una vez más, no sea perfecto, que no se ajuste al ritmo de vida de todos los compradores –es para echar muchísimas horas-, o que encontremos determinados rompecabezas pasados de la rosca en picos de dificultad, pero eso no impide que sea uno de los mejores lanzamientos del género de los últimos años. Al final, The Talos Principle: Reawakened consigue engancharnos con su propuesta gracias a la sensación de realización continua. El mundo de juego es grande e intrincado, y tardaremos mucho en descubrir todas sus zonas, pero más aún en desgranar los múltiples secretos que esconde.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

Abyssus, DoubleMoose Games, nos sumerge por completo en un estado de flujo. En resumidas cuentas, uno simplemente fluye cuando nos hacemos a los mandos de esta propuesta. Una propuesta en la que tendremos que abrirnos paso, ya sea en solitario o con varios amigos, luchando a través de niveles creados a mano en una aventura roguelite que pondrá a prueba tus habilidades tácticas.

El misterio de las profundidades

En un mundo movido por la salmuera, una sustancia inusual y poderosa que solo se encuentra en las profundidades del mar, somos reclutados para recuperar un gran depósito bajo las ruinas de una antigua civilización. Sin embargo, nuestra misión se convierte en una frenética batalla por la supervivencia cuando los habitantes corruptos de ese reino sumergido se alzan contra nosotros.

A través de una vista en primera persona y con un estilo brinepunk, el juego que nos ocupa nos ofrece un sistema de progreso en el que avanzamos y conseguimos cosas, desde una suerte de experiencia personal ganada a base de superar combates hasta el desbloqueo de nuevos poderes que nos permiten experimentar el juego de formas completamente nuevas. Pero que para que un sistema de progreso funcione, este debe resultar interesante. Afortunadamente, cada una de las habilidades que vamos aprendiendo es la solución óptima para eliminar a cierto tipo de enemigos.

Festival de sinergias

Alrededor de esto se organiza todo el juego. Cuando eliminamos un enemigo o un obstáculo, conseguimos unos fragmentos de alma cuyo propósito básico es servir de moneda con la que adquirir bonificaciones pasivas permanentes, permitiendo, por ejemplo, disponer de un mayor número de curaciones.

Asimismo, a medida que vayamos haciéndonos un nombre, nos obsequiarán con nuevas armas, cada una con un tipo de disparo y una habilidad. Por supuesto, como buen roguelite, cada partida varía también gracias a las habilidades, tres (o dos, o cuatro, en función de ciertas ciertas variables) que se nos ofrecen aleatoriamente, y que conseguimos cada vez que superamos una arena de combate. A grosso modo, son potenciadores de estadísticas que a su vez tienen una cualidad pasiva asociada a ellos. Por ejemplo, podemos usar munición incendiaria, que infringe daño por quemadura adicional.

Hay más, y en cómo se relacionan entre ellas y con nuestra manera de jugar está uno de los mayores triunfos de Abyssus. Otra habilidad hace que nuestras armas nos permitan invocar unos tentáculos que atacan a distancia, lo que nos da mayor capacidad ofensiva. Lo mismo con las armas que podemos portar, por ejemplo. Quizá tenemos un arma que nos va muy bien (la escopeta, por ejemplo; me gusta mucho) y nos encontramos un arma poco apropiada, pero tampoco tenemos nada que perder.

Es por esta ausencia de elementos superficiales que Abyssus funciona lo suficientemente bien. Todo encaja. Cada partida realmente parece esa experiencia mística que simboliza el descenso a lo más profundo. Es un juego que requiere concentración y habilidad; uno de esos que te aceleran el pulso y te obligan a pensar a una velocidad superior.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

Es un problema similar a lo que ocurre con la duración. Se suele justificar un precio de salida (80 euros) con duraciones de 100 horas o más, pero hay verdaderas joyas que puedes pasarte en 20 horas o menos.

Puede que no tengan un elevado presupuesto ni tampoco los mejores gráficos (aquí destacamos el techo técnico en cada sistema), pero la fórmula jugable o la creatividad de muchos juegos AA convence como muchos juegos AAA no consiguen. Y si no, que se lo digan a propuestas como Steel Seed, una aventura stealth-action ambientada en un mundo sci-fi oscuro al borde de la extinción.

Humanos, bestias y máquinas

Después de un evento catastrófico que hizo inhabitable la Tierra, las máquinas tomaron el control de los restos de la supervivencia humana. La instalación subterránea es una vasta estructura construida por y para las máquinas, no para los humanos. Bajo esta premisa, nos unimos a la protagonista Zoe y a su compañero dron volador, KOBY, mientras exploran las profundidades de una hostil instalación subterránea en busca de respuestas y la clave para la supervivencia de la humanidad.

Detrás de Steel Seed hay un mensaje, algo que decir. Y tiene al ser humano y su condición -tanto en lo bueno como en lo malo- como eje vertebrador. También tiene tiempo para cuestionarse el porqué nuestra especie tiende a echar mano de teóricos creadores formados por entes superiores y que supuestamente nos han diseñado a su imagen y semejanza. Todo ello disfrazado de una propuesta visceral que desata en el jugador sus instintos más primarios. Esencia misma de nuestra naturaleza.

El todo es más que la suma de sus partes

El diseño de Steel Seed se descubre, aparentemente, como algo sumamente cerrado, muy atado en corto. A menudo da la sensación de que los enemigos mecánicos que persiguen al dúo protagonista están colocados de manera que solo hay una solución, un orden adecuado en el que utilizar las herramientas que se nos ofrecen, una única ruta correcta por la que avanzar usando ese sigilo rutinario al que tanto nos hemos acostumbrado, aunque la posibilidad de hacernos a las armas también está presente. Un combate meramente funcional y que no termina de brillar.

Pero si todo quedase en el mero replanteamiento no estaríamos más que ante un truco de trilero, un mero traspapelamiento de premisas más o menos interesante, pero irrelevante en último término. El asunto aquí está en que la operación en realidad es la de suma, porque Steel Seed incorpora estos elementos sin renunciar a lo que inicialmente presenta. El resultado es un caso rotundo de lo mejor de los dos mundos, un juego que incorpora esta faceta de juego de plataformas sin renunciar a la acción, la narrativa y el guion cuidados.

Es en esta versatilidad mecánica, tonal y estética donde creo que mejor puede apreciarse ese mimbre. Al final, la herramienta más potente del arsenal con el que cuenta Steel Seed es precisamente su capacidad para elegir sus batallas con inteligencia y ganarlas casi todas; para encontrar el momento adecuado de tensar al jugador, pero también para dejar que se relaje; para llevar un poquito más lejos ideas ya presentadas y para introducir un giro de tuerca. El resultado es un juego enormemente disfrutable, con una capacidad asombrosa para ajustarse como un guante a las necesidades y expectativas del jugador, cuando no de subvertirlas, pero nunca alienándolo.

Porque aquí está el tema: Steel Seed no es perfecto, pero sí facilita que te olvides de todas sus imperfecciones. A nivel técnico no es el juego más puntero ni el mejor optimizado (aunque resulta evidente que está hecho con una fracción de los recursos con los que contaban aquellos con los que busca compararse); hay cierto desequilibrio en la economía de las habilidades que vamos adquiriendo que trivializa algunas situaciones; y la resolución argumental de algunas situaciones no es del todo satisfactoria.

Pero hay tanto buen hacer, tantas decisiones acertadas a tantos niveles a lo largo de todo el juego, que resulta dificilísimo no perdonar todos y cada uno de esos fallos.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.