Y durante ciertos tramos, esa intención funciona como un eco reconfortante. Vera Farmiga y Patrick Wilson siguen aportando una humanidad desarmante a sus personajes; la devoción y la complicidad que proyectan continúan siendo el único corazón latiendo dentro de una maquinaria de sustos que, de otro modo, se sentiría completamente inerte. 

El último rito intenta tomarse su tiempo, construyendo una atmósfera donde la amenaza parece flotar en la cotidianidad de las sombras antes de manifestarse. Se siente el deseo de volver a aquel terror artesanal que en su momento nos hizo mirar dos veces las esquinas oscuras de nuestra propia habitación.

El peso del tiempo sobre una fórmula agotada

Sin embargo, querer no siempre es poder, y el paso del tiempo pasa una factura inevitable. La brillantez de antaño, aquella capacidad casi prodigiosa para manipular la tensión, para reinventar el espacio de una habitación o para sostener una mirada fija hasta que el pulso se aceleraba, brilla aquí por su ausencia. La dirección intenta replicar aquellos mecanismos, pero la ejecución se siente cansada, como el gesto automático de alguien que ejecuta una rutina mil veces ensayada.

Las pausas ya no generan expectación, sino anticipación predecible; los silencios ya no hielan la sangre, simplemente anuncian el golpe de efecto que sabemos que vendrá a continuación. Es la manifestación tangible de un formato que ha quemado sus naves y que ha exprimido su propia mitología hasta dejarla exhausta, convirtiendo la añoranza del clásico en un mero ejercicio de repetición.

Un cierre precipitado y repleto de ausencias

Lo más doloroso de El último rito no es su falta de frescura, sino la sensación de desencanto que deja su tramo final. Una historia que ha acompañado al público durante más de un decenio merecía una despedida a la altura del mito que construyó. En lugar de ofrecer un cierre valiente, que asuma riesgos emocionales o narrativos y que dé un sentido pleno al periplo de sus protagonistas, el clímax tropieza torpemente.

Se precipita, intenta atar cabos a toda prisa y acaba resolviendo conflictos centrales con atajos poco convincentes, dejando por el camino bastantes hilos deshilachados y una molesta sensación de inconclusión. Es un desenlace repleto de deberes pendientes, de «debes» con el espectador que esperaba una traca final memorable y se encuentra, en cambio, con una salida atropellada y excesivamente complaciente.

El eco de una casa vacía

Al final, queda la imagen de una saga que intenta despedirse con dignidad buscando la sombra del hogar donde fue feliz, pero que termina revelando que la casa lleva mucho tiempo vacía. Es un ejercicio de nostalgia comprensible y no del todo desprovisto de cariño, pero incapaz de ocultar la evidencia de que la chispa se apagó hace tiempo.

Esta reseña ha sido realizada gracias a una suscripción adquirida a través de HBO Max.

Porque si Barbarian, estrenada allá por el año 2022, jugaba con la claustrofobia de los espacios y la desconfianza interpersonal, Weapons (2025) trasciende esa escala para convertirse en un relato mucho más amplio, oscuro y maduro sobre la culpa colectiva y el peso de las expectativas en la Norteamérica profunda.

Niños usados como armas de guerra

Para explorar esta pesadilla, la película recurre a una narración fragmentada y coral, un enfoque que se aleja por completo de la linealidad previsible. De esta forma, Cregger construye la historia como un rompecabezas caleidoscópico donde cada personaje ofrece una pieza incompleta, a menudo teñida de sus propios sesgos y mentiras.

Este tipo de narración no es meramente un recurso estético para generar misterio; es una herramienta psicológica. Nos obliga a viajar a través de los puntos de vista de unos y otros, demostrando cómo una misma tragedia se deforma, se justifica y se maquilla según la conveniencia de quien la cuenta. El espectador se convierte así en una especie de juez incómodo que asiste a un desfile de coartadas morales, viendo cómo la verdad se pierde en el laberinto del egoísmo individual.

Y es precisamente ahí donde reside el núcleo más lúcido y amargo de la película: la radiografía de la doble vara de medir de los adultos y su compulsivo afán por eludir responsabilidades. Weapons funciona como una sátira implacable sobre cómo las figuras de autoridad gestionan el caos. Es decir, viven atrapados en una fachada de control, orden y perfección institucional; sin embargo, cuando las consecuencias de sus propias negligencias, silencios o faltas de empatía explotan, su primera reacción es buscar un chivo expiatorio antes que asumir su cuota de culpa.

La negligencia de los adultos

La gran moraleja que nos deja la película es profundamente desoladora: el verdadero peligro no se esconde en amenazas sobrenaturales o en monstruos abstractos, sino en la cobardía moral de una generación mayor que prefiere mirar hacia otro lado. Nos muestra cómo los adultos están dispuestos a sacrificar el bienestar, la verdad y el futuro de los más jóvenes con tal de proteger su propia comodidad, su reputación y sus pequeñas parcelas de poder.

Al final, Weapons nos deja con un espejo incómodo, recordándonos que el horror más escalofriante es la facilidad con la que somos capaces de lavarnos las manos ante el desastre que nosotros mismos hemos contribuido a sembrar.

Esta reseña ha sido realizada gracias a una suscripción adquirida a través de HBO Max.

Nos podríamos preguntar qué hay detrás de esa persecución enfermiza para procurar el mismo mal que nos han provocado –u otro aún peor–. ¿Había un odio desmesurado previamente? ¿El enfado y la rabia nos han nublado el juicio? ¿Se ha destapado alguna especie de trauma personal que nos ha desestabilizado? Sin duda, la gestión de un acontecimiento de estas proporciones no es algo fácil de digerir y, mucho menos, de lograr superar por nuestra cuenta.

Todo esto es lo que Mamoru Hosoda intenta enseñarnos en Scarlet, su obra más reciente en la que nos muestra una princesa medieval cegada por la venganza para intentar ofrecer una posible justificación ante el camino elegido ante una situación de ajuste de cuentas.

Un árido desierto por el que caminar

Un potente inicio visual que nos presenta a la propia Scarlet rodeada de sufrimiento deja paso a una contextualización del conflicto en la que resulta más que evidente la inspiración en la obra de Shakespeare Hamlet. Sin embargo, esto sirve únicamente de excusa para encender la llama del argumento y ofrecer el hilo conductor de la obra, justificando la motivación de la princesa guerrera y por qué esa fijación desmedida. Porque si hay algo en lo que Scarlet no se anda con sutilezas es en preguntarnos qué es lo que nos mueve como humanos, cuál es el motor de nuestras acciones y lo que posibilita que sigamos avanzando.

Así, el Otro Mundo se convierte en el caldo de cultivo perfecto para adentrarnos en lo más profundo de nuestro ser y valorar cómo vamos a comportarnos en un ambiente hostil. El páramo que es este escenario supone un catalizador para seguir avanzando sin mirar atrás ni contemplar otras alternativas.

Pero entre tanta amplitud, Scarlet es capaz de bailar alrededor de conceptos como la muerte, el conflicto y el altruismo, precisamente, porque pone su foco en los personajes y su idiosincrasia. De este modo, la cinta de Hosoda pone en una balanza conceptos como el individualismo o el bien inmediato y los compara con la búsqueda del bienestar social y de las futuras generaciones, usando todos estos elementos para lanzar un claro mensaje antibelicista.

Víctimas de la corriente vital

Para plantear todas estas cuestiones, Scarlet hace gala de un apartado artístico que puede no ser tan espectacular como las cintas de Makoto Shinkai, pero que destaca por la alta expresividad de los personajes y unos diseños que, de una forma u otra, logra captar la esencia y personalidad de los principales vehículos de la acción. En esta línea, observamos un dúo protagonista totalmente dispar, fruto del marco temporal del que provienen, y que difieren, a su vez, en la forma de ver el mundo. Una diferencia que a lo largo de la obra establece un diálogo constante sobre qué es realmente indispensable para nosotros.

Asimismo, y completando el apartado audiovisual, a la banda sonora ambiental y situacional de la obra se suma un llamativo tema vocal que conduce hacia el punto de inflexión argumental, que también implica una convergencia entre Scarlet y el espectador –además de una clara reminiscencia a La La Land–. En este sentido, logramos comprender que hay variables vitales que no se pueden cambiar y que hemos de aprender a jugar con las cartas que nos han tocado, intentando no resignarnos ante el cruel destino.

Muéstrame, por favor, el amor en todas sus formas

Mamoru Hosoda nos brinda una obra en la que va poniendo sus propias piezas poco a poco, hasta acabar formando un puzle cargado de crecimiento y perdón. Quizá tarde un poco en empezar a definirse, pero Scarlet es un camino lleno de migas de pan que, nos gusten más o nos gusten menos, acaban tomando forma.

Desde el momento en el que vivimos en sociedad, es inevitable que el resto de personas nos influya de infinidad de modos que ni imaginamos. No sabemos si toda unión hace la fuerza, pero, desde luego, abandonarse al desdén no trae nada bueno para nadie. Aun con todo, tal y como somos testigos en Scarlet, la vida se cuenta por etapas, algunas de las cuales no se recuerdan positivamente, pero mediante las cuales podemos fortalecer nuestro escudo y, por qué no, nuestro afecto.

Esta reseña ha sido realizada después de haber acudido a los cines CINESA SALERA el pasado 27 de febrero.

Y obras como la saga Scream y esta séptima entrega, se amparan en esta máxima, mostrándonos a una Sidney Prescott que tendrá que confrontar nuevamente su pasado y poner fin a la violencia que parece nunca terminar. Y que está visto que no lo va a hacer aquí, a tenor del rendimiento inicial de esta Scream 7. Porque más allá de que todas sus iteraciones sean consideradas como cine meta (meta-terror o metaficción) y es, de hecho, uno de los ejemplos más icónicos y exitosos de este estilo, muchas de las entregas siempre se han caracterizado por «jugar con el pasado», utilizando la nostalgia y el legado como motores narrativos, especialmente en sus entregas más recientes.

Porque al final, Scream 7 es eso. Apela a la complicidad con el espectador y lanza preguntas sorprendentemente filosóficas para una película de terror: ¿quién es responsable de nuestros actos (en este caso, del asesinato)? ¿Hasta qué punto son culpables de un acto las personas que no están implicadas? La idea de que las personas son responsables de sus actos no es nada novedosa. Sin embargo, es una idea que hoy en día está pasando de moda, ya que la gente busca cada vez más culpar a las fuerzas externas de sus circunstancias.

¿Te gustan las películas de terror?

Si bien, también es una de cal y otra de arena en este sentido: por más que todas las bromas autorreferenciales de turno aligeren el tono de la cinta y casen con el espíritu de lo que se espera de ella (hay conversaciones sobre el propio cine de terror y una buena dosis de humor meta), se cargan también los crescendos narrativos y, peor aún, la trama no llega a un final tan satisfactorio como el de las entregas inmediatamente más anteriores. 

Dicho de otra manera, si Scream 6 consiguió solidificar el mito de Ghostface con una película que sigue la buena racha de la saga sin grandes sorpresas, añadiendo nuevos elementos típicamente neoyorquinos como callejones, pisos enanos, universidades y transporte público para dar la sensación de cambiarlo todo, Scream 7 abraza un límite continuista quizá excesivo.

Después de todo, son muchos flecos en una cinta que, aunque resulta entretenida y aborda temas interesantes como la ética de la inteligencia artificial, lleva del dejà vu a la decepción a pesar de sus encomiables esfuerzos por mantenerse fiel a los principios de Craven, algo que se queda en intento… y es que no es fácil medirse con alguien que manejaba el lenguaje cinematográfico como pocos y logró modernizar los códigos del género.

Esta reseña ha sido realizada después de haber acudido a los cines CINESA SALERA el pasado 27 de febrero.

Zombies Party (Shaun of the Dead)

Aunque Resident Evil y House of the Dead ciertamente impulsaron el género zombi, no fue hasta hace un par de décadas que Hollywood puso su mirada en el género Zombi, un (sub)género dentro del Terror, cobrando así una popularidad que ha ido mucho más allá que la alcanzada entre los años 60 y 70 del siglo XX.

Tanto es así que, en la segunda década de este siglo, con producciones como The Walking Dead, a los no-muertos les ha pasado lo mismo que a los videojuegos: convertirse en algo mainstream, en tendencia, en cultura popular socialmente aceptable, abrazable e imitable. Una tendencia que también ha sido capaz de reinventarse, a pesar de seguir siendo fiel a las estructuras establecidas dentro del género.

Como los propios responsables admiten, la película Zombies Party no es, en ningún momento, un «spoof» del género de muertos vivientes, sino una comedia que los utiliza como trasfondo para apuntalar un metraje que rinde homenaje a los arquetipos de este tipo de cine —como luego harán con Arma fatal (Hot fuzz, Edgar Wright, 2007) y las buddy movies— al tiempo que reflexiona sobre el carácter de la sociedad actual, insinuando que en realidad los zombis son humanos que se han dejado llevar por la apatía y el borreguismo y que, al hacerlo, pierden todo aquello que los hacen únicos.

La vida de Brian (Monty Python’s Life of Brian)

El fanatismo, esa tenacidad desmedida en defender creencias u opiniones, que no da cabida al diálogo y tiende a la coacción y las actitudes violentas, es un mal social secular. En la actualidad, con la diversificación y globalización de las religiones, el culto a los deportes, a las modas, la política, entre otros temas que generan apasionados intereses, el espectro temático del fanático ha alcanzado variados derroteros.

Debido a todo esto, los integrantes de Monty Python querían dejar en evidencia la sacralidad del cristianismo a través de la parodia, razón por la cual desplazaron la solemnidad de la figura mítica de Jesús de Nazaret a un entorno sencillo y cotidiano. Pero la propuesta de marras va mucho más allá de todo esto.

A través de un humor casi absurdo, La vida de Brian consigue ser tan irreverente como lúcida, ofreciéndonos un retrato sobre personajes sórdidos y desconocidos al margen de la historia de Jesús, que hace hincapié en esos rasgos tan humanos asociados con el seguimiento ciego a lo que sea. La lucidez de la parodia, su riqueza erudita y conocimiento de las causas que se ponen en tela de juicio, y la visión pasiva que deja como reflexión final es parte de una ideología grupal que está bien alejada de cualquier fanatismo. La brocha gorda de los Python nunca fue tan afilada como aquí.

Disponible en Filmin y Netflix.

¡Shazam!

DC y Warner Bros han conseguido algo realmente difícil: hacer de la improvisación un arte. En estas líneas, podríamos hablar acerca de la deriva del Universo DC cinematográfico, pero sobre este asunto ya han corrido ríos de tinta. El caso es que el DCEU no existe por mucho que algunos se empeñen en considerar como tal cosa un puñado de películas dispersas a lo largo de los años, películas con mayor o menor fortuna, desde Aquaman hasta Flash. Por suerte, también encontramos propuestas que han demostrado ser inclusiones maravillosas a esta lista de películas de DC, sin necesidad de alimentar un monstruo de arena que se puede venir abajo en cuanto un ejecutivo entra en cortocircuito en una decisión.

De hecho, eso es lo que nos encontramos en ¡Shazam!. Puede que no sea una cinta de grandeza solemne, tampoco es la película más espectacular de superhéroes que se haya hecho, no es la más irreverente, ni la más graciosa, vaya, no tiene, ni siquiera, un argumento particularmente original. Pero lo impresionante aquí es que no necesita nada de eso. La obra de David F. Sandberg sabe que no tiene nada más que ofrecer más allá de su transparente sentido de diversión familiar. Y eso basta para hacernos sentir la emoción que buscábamos en el cine de superhéroes y que, por fuerza de costumbre, habíamos perdido.

En resumidas cuentas, es una película honesta, sencilla y que no tiene ningún reparo en mostrar un superhéroe que se divierte con sus poderes.

Disponible en HBOMax y Tivify.

Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot)

Los protagonistas de esta cinta, al igual que todo el mundo después de las vacaciones, también tienen ganas de huir de su ciudad, a pesar de que los motivos que les empujan a ello sean harto dispares. Aunque vivamos momentos difíciles, el bienestar pasa por intentar ver los obstáculos como nuevas oportunidades, algo a lo que se ven abocados los personajes de Jack Lemmon y de Tony Curtis.

Sumados a Marilyn Monroe, el trío protagonista derrocha carisma en cada línea de diálogo y en cada interacción que se da en pantalla, lo cual no hace sino incrementar el interés del espectador. Quien haya visto algún largometraje de Billy Wilder ya sabe la magia que se puede encontrar, y esta no es ninguna excepción. Con infinidad de situaciones disparatadas e individuos que no son lo que parecen, Con faldas y a lo loco ha conseguido trascender y seguir ganando adeptos más de seis décadas después de su estreno.

Entre otras cosas, porque dicen que el humor es la mejor medicina, y la película que nos ocupa hace el mejor uso que se pueda imaginar de ello. Pese a que podría resultar arriesgado mezclar a un par de hombres con una orquesta exclusivamente de mujeres, lo cierto es que los estereotipos no tienen cabida en la cinta, una que pone por completo el foco en las personas y en las circunstancias que les han llevado a estar donde están.

Disponible en Filmin y MGM Amazon Channel.

La momia (The Mummy)

Si hay algo que nos despierta más interés que el saber qué pasará mañana es, sin duda, investigar el pasado. Entender de dónde vienen determinadas tradiciones resulta fundamental para comprender antiguas civilizaciones y, por qué no, para evitar errores que pudieron cometer nuestros antepasados. Es más que probable mostrarse reticente a estudiarlo a partir de los libros de texto, pero en formato audiovisual la cosa cambia.

En este sentido, La momia –la buena, la de 1999– nos acerca, con algunas libertades, al antiguo Egipto para mostrar algunos males endémicos que persisten en la humanidad desde tiempos inmemoriales, como la avaricia y el egoísmo. Pero lo hace buscando un equilibrio entre adrenalina y exploración, logrando que esta producción capte nuestra atención desde el primer momento y la mantenga gracias a la química que existe entre los protagonistas.

Con tantos peligros como ganas de superarse, Stephen Sommers conduce una aventura revitalizadora. En resumidas cuentas, La momia conforma una experiencia en la que no es necesario poner en marcha todos nuestros recursos cognitivos para entenderla, sino que pretende ofrecernos una historia para nada cotidiana de un modo distendido y entrañable.

Mamma Mia! La película

¿Qué mejor para levantar los ánimos que un musical? Por eso, para acabar esta entrada tan esperanzadora, apostamos por una cinta que nos meta el ritmo en el cuerpo, de las que hacen que las horas pasen más rápido porque nuestra cabeza tiene una banda sonora de fondo. Y no se nos ocurre mejor opción que bailotear al son de ABBA con Mamma Mia! La película. 

A pesar de que su hilo conductor esté relacionado con el amor, este no se limita solo a su vertiente romántica, sino sobre todo al aspecto más familiar del sentimiento, al puro altruismo. Con un argumento que no deja de ser una excusa para encadenar canción tras canción, el peso de la diversión dirigida por Phyllida Lloyd recae en la potencia de un célebre elenco que no pasa desapercibido y que consigue cargar por completo el ambiente de una atmósfera positiva.

Puede que la playa y la montaña hayan dejado paso al más duro asfalto; aun así, cualquier escenario es bueno para bailar. De ahí que Mamma Mia! La película brinde un pequeño oasis gracias a unas canciones que siguen en tu cabeza y en tus pies durante varios días, alegrando un poco los desafíos que van surgiendo sobre la marcha. Así es su esencia, transmitiendo fuerza y energía a partes iguales.

Disponible en Amazon Prime Video, Movistar+, Netflix y SkyShowtime.

Sabemos que el fin de las vacaciones es duro, pero esperamos que este listado os ayude a sobrellevar mejor las obligaciones adultas.

Sí, por muchos es sabido que no todos los hombres son machistas ni todas las mujeres feministas, pero la sociedad construye roles de poder y primacías que aun no hemos roto, ni los unos ni los otros.

Escrita y dirigida por Alex Garland, MEN es una de esas películas que nos pueden ayudar a concienciar colectivamente sobre un mal sistemático que debe ser reconocido y eliminado. No siempre es fácil mostrarlo en la pantalla y muchas muestran diferentes formas, buenas y no tan buenas, de abordarlo.

Si bien, la cinta producida por la gente de A24 ofrece esa capacidad reveladora que no todas poseen, ayudando a muchos a ver con más claridad, a buscar menos excusas y justificaciones, y actuando contra todos los tipos de violencia. Concretamente, mediante una historia en la que nuestra protagonista, Harper, se retira al campo para estar sola tras una tragedia, pero su malestar ante hombres extrañamente parecidos entre sí convierte todo este escenario en una pesadilla en toda regla.

Todos los hombres son iguales

En una mezcla de miedos terrenales y angustias escatológicas, MEN tiene un fondo interpretativo fecundo: es una cinta llena de intertextos y posibles lecturas que nos acerca a un aterrador relato en un marco de luz y naturaleza en el que la realidad y la paranoia configuran la peor de las pesadillas. Una cinta utilizada como un vehículo de denuncia cuya trama comunica una incomodidad poderosa en un mundo que cuestiona cada vez menos su comodidad.

De la misma manera, la obra que protagoniza estas líneas nos acerca en muchos momentos al terror diurno, en el que la oscuridad no destaca tanto (salvando los últimos compases) y aun así genera en nosotros una sensación de extrañeza. Esta sensación se ve acentuada por la deformación alucinógena de la realidad. Alex Garland utiliza planos largos, amplía el campo de visión enormemente y nos pone en la piel de la protagonista al percibir una realidad que en ocasiones se ve alterada.

Esta puesta en escena se combina con lo bucólico y la música acompaña en todo momento las emociones de Harper.

Un terror emocional y terrenal

Sin dejar nunca de ser una película de terror con un mensaje en alza, MEN es una obra verdaderamente interesante desde una perspectiva antropológica en el que el horror se encuentra en un lugar totalmente idílico. El filtro de lo horrible, en realidad, depende de los ojos con los que se mire. Así, la campiña inglesa en la que se desarrolla la historia, una suerte de purgatorio, se convierte en una catarsis, en un lugar en el que el personaje interpretado por Jessie Buckley se deja llevar por los fantasmas de su pasado.

Esta reseña ha sido realizada alquilando la película a través de Amazon Prime Video.

Por ejemplo, dentro de nuestra naturaleza, la naturaleza humana, late un conflicto eterno entre el interés propio más estricto (egoísmo) y la preocupación por los demás (altruismo). Por desgracia, muchos alimentan y potencian su egoísmo, la primacía de su interés personal en las situaciones competitivas y su marcada preferencia por la superioridad frente a la inferioridad.

Karma, la justicia infalible

Y películas como Saw representan la venganza o el escarmiento de un justiciero despiadado que hace que algunos seres humanos desciendan a lo más bajo de sí mismos para poder salvarse y a través de pruebas sufran una catarsis que a su vez sirva de confesión. Descubrir las miserias y muertes de los personajes ha sido siempre el morbo de los espectadores enganchados a esta producción que inició en su día James Wan, y cuya acogida fue tan abrumadora que dio paso a seis secuelas que se fueron sucediendo año tras año. Una tradición de Halloween que hacía las delicias de los aficionados al mundo del celuloide con más estómago.

Las intenciones de Jigsaw siempre han respondido al karma y ha ajusticiado en todas las películas sin arbitrariedad. Eso sigue siendo así en Spiral: Saw, una obra que intenta dar un giro de 180 grados acercándose a Seven, un thriller de culto, un retrato oscuro y con tintes reflexivos sobre los pecados capitales. Una obra que trata de entretejer una amenaza silente que cierne no únicamente a individuos que ejemplifican algunos de los elementos más oscuros de la naturaleza humana. También muestra una intercalación de puntos de vista e ideales existencialistas en sus protagonistas y carreras policiales.

A este respecto, por medio de un escenario que tiene lugar tras de los sucesos acaecidos en la primera entrega y con un mundo que se encuentra perfectamente al corriente de los asesinatos que tuvieron lugar en el pasado.

Un intento por reinventar la saga de Saw

Por desgracia, el relato que nos ocupa no resulta ser un thriller igual de preciso que el título antes nombrado, pese a sus intentos de confrontar una reflexión sobre la maldad, la naturaleza humana del pecado y las visiones sobre el mundo y su proceder determinadas por el desencanto existencial.

Dicho de otra manera, estamos ante una entrega más de Saw que, pese a sus intentos por dotar de vida a la historia introduciendo el tema de la corrupción policial como telón de fondo, funciona como una película sin alma. Una película que únicamente brilla cuando honra la tradición del gore, combinando tres elementos clave: la casquería tradicional, integrada en juegos perversos, el misterio y el afán de supervivencia. Esa elección entre una muerte espantosa y una ordalía insoportable es el eje alrededor del que giran las principales secuencias de Spiral: Saw.

Esta reseña ha sido realizada gracias a una suscripción de Prime Video.

No obstante, son muchos los que prefieren quedarse en casa rodeados de los suyos para disfrutar de una buena película que genere una atmósfera terrorífica. Por ello, en este artículo os hemos apuntado cuatro películas de miedo que hemos visto durante el mes de octubre y que recomendamos para este Halloween 2022.

Train to Busan

No es ningún secreto que la industria cinematográfica en Corea del Sur está en su mejor momento. ¿Pero de dónde viene todo esto? ¿Cuál es el origen del cine coreano?

Si bien, para hablar del cine de Corea del Sur tendríamos que remontarnos mucho tiempo atrás, concretamente, tras la Guerra de Corea y el armisticio de 1953, cuando se cancelaron los impuestos que giraban en torno a este tipo de cultura. Gracias a este impulso, la industria cinematográfica fue capaz de producir más películas y de mejor calidad como la que protagoniza estas líneas.

Porque Train to Busan es mucho más que una película de zombies con su gusto por la violencia. Al fin y al cabo, estos han sido explotados por la industria cinematográfica, son ahora víctimas devoradas por las grandes masas y la cinta que nos ocupa contempla ese detalle para llevarlo a su terreno. Concretamente, por medio de una obra sumamente encarrilada y con una escala vertiginosa que se enfoca tanto en el individuo como en la zombificación del grupo, la decadencia de los valores morales.

Todos los días vemos muertos en vida y Train to Busan nos recuerda esto constantemente.

Swallow

La tolerancia vista como actitud, capacidad o valor es un concepto que comporta muchos matices. Para algunos es un acto de sumisión y para otros se trata de respeto, pero ¿hasta qué punto debemos ser tolerantes? ¿Existe un límite sano entre lo que debemos aceptar sin entrar en conflicto y lo que debemos resistir de manera activa?

La palabra «tolerancia» deriva del vocablo latín tolerantia que significa soportar o tragar, por lo que, en su origen, venía a significar que, aunque algo no nos encaje mental o emocionalmente, no hay otra solución más que admitirlo y aceptarlo.

Y películas como Swallow son como un juego de ajedrez mental que no llega a producirse, porque parece que al tolerar no le pedimos al otro que mueva su pieza, nos rendimos. De una u otra manera asociamos la tolerancia a perder y la protagonista de la película que nos ocupa es la personificación de la sumisión como el acto de mostrar acuerdo con el origen de la influencia por miedo al rechazo o el castigo. Es alguien que traga con todo.

Y aunque la máxima de la cinta es la de llevar a cabo un ensayo sobre el consumo persistente de sustancias no nutritivas, de forma inadecuada evolutivamente, un trastorno de la alimentación poco reconocido, Swallow es sobre todo un retrato de la mujer en la sociedad, que en muchos casos todavía sigue relegada a una función secundaria, pasiva y/o sexualizada.

El retorno de las brujas (Hocus Pocus)

Pocas cosas hay más típicas de estas fechas que los sombreros de brujas y los gatos negros. Con origen en los juicios por brujería allá por la época moderna, su popularidad ha proliferado más allá de la literatura y ha extendido el rol de las brujas en un amplio espectro de matices.

Antes de Sabrina, cosas de bruja, Embrujadas o La bruja existieron un trío de hermanas naturales de Salem con un libro como familiar. Sacrificadas por el bien de un pueblo primitivo, juraron volver para vengarse si se daban una serie de requisitos que, por supuesto, antes o después iban a coincidir.

Y el resultado de ello es la película El regreso de las brujas (Hocus Pocus), una aventura a cargo de unos adolescentes y una niña que deben acabar con las malvadas brujas Sanderson de nuevo. Entre tantas idas y venidas hay sitio para el temor a envejecer, el ingenio desmedido y el amor incondicional entre hermanas. Todo ello aderezado de gran dosis de carisma a causa del humor que se gastan las tres antagonistas.

No obstante, Winnie, Sarah y Mary Sanderson son huesos duros de roer, puesto que durante este mes de octubre se ha estrenado su segunda parte, El retorno de las brujas 2, con más magia y nuevos entresijos.

Pesadilla en Elm Street

Uno de los villanos más conocidos en el mundo cinematográfico es Freddie Krueger. Evitado y temido a partes iguales, este villano es desgarrador en sus muertes gracias a su guante de cuchillas. Y peor aún, un entorno natural hecho de sueños provoca que la precisión de sus ataques esté por encima de la media.

Incomprensible por quienes no han sufrido nunca sus envites, al afectar a varias personas en el mismo período de tiempo, se crea una imagen de paranoia colectiva que entorpece tomar cartas en el asunto. Además, sin ningún nexo en común aparente, lo único que define a sus víctimas es un vago rango de edad, sin ni siquiera compartir una localización geográfica concreta.

Con un misterio resuelto en la primera película, Pesadilla en Elm Street es uno de esos casos convertidos en saga. Aun contando con el mismo antagonista icónico, la segunda entrega de la franquicia –La venganza de Freddie– deja mucho que desear, especialmente en cuanto a argumento, un hecho que se palia con Los guerreros del sueño. Esta tercera cinta sigue la estela de la primera y retoma un argumento sólido muy bien implantado en el universo de Elm Street.

Llegados a este punto, esperamos que esta noche no soñéis con cuchillas ni jerséis a rayas. El terror abarca infinidad de obras, escenarios y villanos, unas veces más alejados y otras más cercanos a la realidad; pero de lo que no cabe duda es de que su sensación no es algo que podamos evitar.

Si bien, nadie nace malo. Al fin y al cabo, es absurdo atribuir la categoría de malo a alguien que ni tan siquiera tiene consciencia de ser. Al final, todos somos capaces de hacer el bien y el mal. Nos gusta pensar que finalmente el bien vencerá. Hacer el mal. Consentir el mal. Provocar el mal sin quererlo. Hacer el bien sin quererlo no tiene mérito alguno. Hacer el mal sin quererlo no conlleva responsabilidad. No hacer nada cuando somos testigos de un mal es actuar. Consentir el mal es otra forma de hacer el mal. El mal que puede ser hecho no conoce límites…

Los anillos del poder: donde anida el mal

Lo mismo ocurre en la ficción y en obras como “El Señor de los Anillos” que es, entre otras cosas, una profunda reflexión acerca de lo que significa ser realmente humano en un mundo imbuido de maldad y oscuridad perennes. Además, nos enseña que la balanza está siempre ante nosotros y nuestra labor es juzgar qué consideramos más conveniente, aunque el resultado sea igual de perjudicial para quien lo sufre.

El Señor de los Anillos: los Anillos de Poder, el mayor evento audiovisual de los últimos tiempos con su estreno en Prime Video, que no cinematográfico, sigue en cierto modo la estela de como el símbolo del bien frente al mal pende de un hilo. A este respecto, en un escenario que se desarrolla miles de años antes de los eventos acaecidos en “El Hobbit” y “El Señor de los Anillos”, y que nos lleva a una era ambientada en la Segunda Edad de la Tierra Media.

Una Edad que representa la calma en medio de una tormenta en ciernes y auspiciada por Sauron, el antagonista y villano principal de la franquicia en su acepción de embaucador.

Un reparto coral y una ambientación totalmente inmersiva

Es magnífico que el espectador se sienta invitado a vivir, no tan solo los espacio, sino lo que se mueve en el espacio. Excepto si el tema lo pide. Porque cualquier obra que se precie empieza realmente no cuando se explica, sino cuando se narra. Es evidente que se debe enmarcar o ambientar la acción, pero ofrecer una minuciosidad que sea estimulante no está al alcance de todos.

En este sentido, este primer episodio de “El Señor de los Anillos: los Anillos de Poder dedica todos sus esfuerzos para que conozcamos el objetivo del contenido que quiere contarnos: la oscuridad al descubierto. Después de todo, es esencial saber hacia dónde nos dirigimos y para qué, y a lo largo de 66 minutos conocemos a diferentes personajes con distintas aspiraciones, desde una joven Galadriel obsesionada con vengar la muerte de su hermano hasta Nori Brandipie, un ser con una curiosidad insaciable.

Es un elenco coral en los que sus personajes principales tienen asignados aproximadamente la misma relevancia y apariciones dentro de la producción. Una producción con un envoltorio espectacular, que va desde las profundidades más oscuras de las Montañas Brumosas, pasando por los majestuosos bosques de Lindon, y que tiene todavía mucho camino por delante.

Esta reseña ha sido realizada gracias a una suscripción de Prime Video.

Hace ya veinte años de la llegada del “niño que sobrevivió” a nuestras vida, y aún así, nuestro protagonista favorito y el universo creado por su autora todavía siguen generando contenidos, nuevos lanzamientos literarios y estrenos cinematográficos que han hecho que Potter y sus amigos en Hogwarts permanezcan siempre, ya no solo en nuestra memoria, sino también en muchas librerías y carteleras, contando con millones de seguidores de todas las edades.

“Harry Potter 20 aniversario: Regreso a Hogwarts”, un homenaje conmemorativo en formato película-documental pone de manifiesto las diferentes etapas en las que estos personajes nos han acompañado en nuestras vidas, y a través de sus historias, hemos aprendido a crecer como espectadores y como personajes, conociendo la importancia de la amistad, la necesidad de no rendirse jamás, y lecciones tan valiosas como superar nuestros propios miedos, pues es algo imprescindible para crecer.

Las características de las etapas de la vida

Porque en eso consiste el documental que nos ocupa, en que parte de los actores que han sido partícipes en las películas se reúnan otra vez, concretamente, diez años después del estreno de la última película de la saga, en pos de rememorar el paso de la infancia a la adolescencia, tanto para Harry como para la saga en sí. A este respecto, ofreciendo una atracción turística para los seguidores más acérrimos, con varios sets y el atrezzo de todas las entregas cinematográficas. De la misma manera, están aderezadas con situaciones corrientes desde una perspectiva emocional. 

Pero quizá, lo más importante es que este documental de casi 100 minutos de duración, el cual está dividido en varios capítulos con el fin de abarcar todas las películas, es ilustrar las anécdotas y recuerdos que atesoran Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint, entre otras estrellas invitadas que son todo un desfile de grandes actores y directores. Dicho de otra manera, varios de estos pasajes están pensados para revivir aquellas emociones únicas que la saga de marras generó en millones de personas. Son momentos enternecedores en los que unos aprendieron de otros y viceversa, y que nos muestran la gran familia que se ha formado de un tiempo a esta parte.

No es sorprendente, pues, que “Harry Potter 20 aniversario: Regreso a Hogwarts” evoque un sentido conmovedor, aunque no es oro todo lo que reluce.

El lado oscuro de tus películas favoritas

Casi siempre admiramos las películas por el director que está detrás del proyecto, sin embargo, nunca nos percatamos de lo que realmente sucede tras bambalinas. Como en cualquier lugar de trabajo, las tensiones y conflictos son inevitables en los sets de rodaje de las películas, incluso cuando los que trabajan en él son las estrellas más destacadas de Hollywood. Y en la saga de Harry Potter, han habido muchas historias que involucran a actores comportándose de manera cuestionable durante su trabajo, trascendiendo los entretelones y llegando al público, para que sepamos que hasta los más distinguidos y admirados sufren estas experiencias mundanas.

Por desgracia, “Harry Potter 20 aniversario: Regreso a Hogwarts” olvida parte de este pasado tan oscuro (incluso la autora, envuelta en varios escándalos con el pasar de los años, aparece y desaparecer de manera forzada) y dedica todos sus esfuerzos a ofrecer lo que la mayoría de seguidores buscan: una reunión llena de dicha y nostalgia. Una cápsula del tiempo sumamente edulcorada que si bien funciona, oculta la oscuridad tras un velo de silencio que no termina de desaparecer. 

Sea como fuere, se trata de una bonita carta de amor, por lo que no faltan las lágrimas, sobre todo durante los compases finales, y una muestra de que Harry Potter es el centro de buena parte de nuestras vidas.

Esta reseña ha sido realizada gracias a una suscripción de HBO Max.