De la misma forma, el videojuego nos ha enseñado que la violencia es la voluntad de rebasar los límites físicos, éticos, económicos y psicológicos, de tolerancia, respeto y derechos de otros seres humanos (y otras especies vivas) contra su voluntad. Es lamentablemente un síntoma generalizado en el malestar civilizatorio actual.

El videojuego ha retratado de forma múltiple la violencia. A veces como odas a la guerra o sobrevalorando la acción como sinónimo de una propuesta interactiva donde pasan muchas cosas. La acción en el videojuego con relativa frecuencia sustituye la reflexión. Sin embargo, este también ha denunciado la violencia en lo intrafamiliar, lo ambiental y lo institucional. La violencia es reflejo de lo deshumano y de la pérdida de la dignidad de la persona, de la imposición de fuerza sobre la naturaleza o el prójimo.

Y juegos como The Zebra-Man!, de Zerouno Games y Thunder Zebra, se amparan en esta máxima, ofreciendo una aventura de acción en tercera persona con vista cenital totalmente irreverente, sucia y a la vez disfrutable. Una aventura que rinde homenaje a los juegos clásicos de acción cenital con pixel art, y a las películas de Grindhouse con una historia intrigante y viajes en el tiempo.

Las formas de la violencia

Hablemos de la dialéctica de violencia/belleza. The Zebra-Man! habla de la ultraviolencia como un arte, como acción comparable a la música de Beethoven. Está dentro de un paradigma moral, retorcido, pero suyo. No es violencia por violencia, sino ultraviolencia con propósito. El júbilo al escuchar la Novena sinfonía se equipara al placer de generar caos. Por supuesto, The Zebra-Man! deshumaniza y se distancia de las víctimas. Ha suprimido al sujeto, le ha quitado valor y espíritu, y así, le sustrae toda dignidad. 

El planteamiento tampoco está libre de mala leche: somos un cualquiera que está sufriendo toda clase de cosas desagradables a manos de unos científicos locos, hasta que el más inesperado de los aliados accede a rescatarnos a cambio de venganza. La primera vez uno tiene la sensación de que va engañado, de que se ha encontrado con un montón de gente chunga tratando de matarle antes de preguntar.

Luego ya es evidente: la manipulación mental de un tío especialmente volátil es tan sencilla como invitarle a otro chute de muerte, a otra matanza sin sentido pero con justicia (sean quienes sean los malos, algo malo traman), hasta que ya no hay vuelta atrás. La espiral de violencia es tan brutal que ya parece algo natural ir a un sitio y matar a todo el mundo.

Porque ¿acaso se necesita una razón para patearles el trasero?

La autorreferencialidad del lenguaje

Se habla de autorreferencia, o de metaficción, metacine, metapintura… cuando, por medio de diferentes artificios técnicos, una obra se reconoce a sí misma y origina una paradójica estructura de recurrencia que comprende un antinatural bucle o efecto de rebote. Al reconocerse y nombrarse a sí misma, la obra interrumpe, con un determinado fin, la lógica establecida.

The Zebra-Man! también es uno de los casos más recientes de la autorreferencia, pues no solo destaca por sus hilarantes chistes macabros o por su curioso aspecto gráfico, sino por la cantidad de situaciones que salen dentro de él. Y aun cuando sin un jugador conocedor de tales recursos, reflejado en ellos, estos carecen de sentido, convirtiéndose en una piruleta sino están justificados por determinados contextos culturales o idiosincrasias autorales, no deja de ser una obra que puede ser disfrutada en su faceta más experimental.

Una obra que termina funcionando como una suerte de meta-parábola, imperfecta y cruda, pero siempre necesaria, como las preguntas y conceptos que violentamente inserta en la mente de su público.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Steam facilitada por Zerouno Games.

Y aunque dichas limitaciones técnicas han dejado de ser un factor decisivo para realizar estas propuestas, no son pocas las desarrolladoras que han reivindicado su interés para que el jugador viva una experiencia específica y controlada. A este respecto, Green Phoenix nos sostiene de la mano en todo momento para contarnos una historia protagonizada por la IA de una nave espacial que emprende un viaje al espacio de la ciencia ficción. Un espacio cargado de imaginería que aunque no invita del todo a la contemplación, ofrece un discurso visual basado en la capacidad de contarnos una historia a través de los escenarios por los que pasamos rápidamente.

Mecanización tecnológica

El futuro del mundo pasa por viajar hacia la sostenibilidad y la eficiencia, y esto solo se consigue por medio del uso de la tecnología. Se pretende, al fin y al cabo, culminar un proceso de artificialización y ortopedización de toda la naturaleza en cuyo despliegue, a partir de cierto momento, todo lo que conocemos no tendría ningún papel relevante. En otras palabras, nos enfrentamos a una realidad que ha puesto de manifiesto que la estructura del planeta y la globalización que lo modela se desarrolla con la ayuda de la tecnología.

Mientras sobrevolamos sus escenarios, Green Phoenix nos muestra la deshumanización del arte, el empleo de máquinas para realizar tareas que antaño llevaban a cabo los humanos. Y aunque la obra que nos ocupa quiere contarnos una historia de venganza, que lo es, muchos de sus esfuerzos están enfocados a mostrarnos las consecuencias de esta mecanización, la soledad del individuo y el concepto de una sociedad donde el autoritarismo abusa de su autoridad y se impone al poder sin un consenso.

Buen concepto, ejecución mejorable

Para muchos es sabido que el tiempo de reacción, los reflejos y la habilidad juegan un papel fundamental en esto de los shoot’em up. Son juegos que requieren reacciones rápidas, y para avanzar a menudo es necesario memorizar los niveles y los patrones de aparición de los enemigos. Se ha definido Green Phoenix como una experiencia dirigida a comprender la forma en que se construye la narrativa, pero desde el fondo de su corazón, es un shooter sobre raíles que presenta cantidades aceptables de obstáculos y enemigos.

Imaginad esto como una sólida cadena que necesita la cohesión de todos sus eslabones. Cualquier aspecto de esta cadena principal de acción que sea alterado, provoca una distracción, por lo que el relato corre el riesgo de perder fuerza. Green Phoenix elabora un concepto interesante, puesto que quiere contarnos una historia a través de sus escenarios y las palabras de una IA, pero son tantos los obstáculos contra los que tenemos que lidiar que al final nos perdemos en la inmensidad del espacio y no alcanzamos la libertad que tanto deseamos. 

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PC facilitada por Zerouno Games.

Su éxito es indiscutible y durante más de 20 años se ha convertido en el espejo donde todos quieren verse reflejado. Por supuesto, Hell of Men: Blood Brothers también es una extensión de este reflejo, dado que es una obra que irrumpe en el tumultuoso mundo del belicismo. Uno que nos invita a sobrevivir en enormes entornos hostiles.

Vivimos en tiempos belicosos

Aunque el principio es el mismo, pues en ambas propuestas jugamos con facciones que tienen características diferenciadas en función de su historia, en Hell of Men: Blood Brothers no vamos a jugar con civilizaciones repartidas en épocas mesopotámicas ni grecolatinas, así como un largo etcétera, sino en un entorno contemporáneo dinámico y competitivo. Sí, el conflicto es inherente a la humanidad, pero a través de un puñado de campañas que ofrecen distintos puntos de vista, se nos irán encomendando misiones consistentes en la destrucción de cuarteles y la expulsión de enemigos varios.

Ahora bien, la importancia del título que nos ocupa reside sobre todo en la recolección de recursos que se necesitan para crear unidades de infantería y técnicos, al igual que la construcción de bases militares, entre otras cosas. Tanto es así que la base del éxito en cada misión viene auspiciada por la gestión. Desde un punto de vista estricto, es decir, aquel en el que se considera una guerra a un enfrentamiento bélico continuado entre dos bandos, es justo decir esta que puede durar muchos años y que es algo más que un relato hecho de batallas decisivas. Es como una partida a fondo en la que no basta con fijarse en el resultado, sino en el proceso.

En otras palabras, Hell of Men: Blood Brothers es la máxima expresión de desgaste por medio de un número de tropas y suministros constantes, ya que pasaremos mucho tiempo llevando a cabo las gestiones pertinentes antes de hacernos finalmente a las armas. Reivindica la solidez estratégica, la resolución y la necesidad de afianzar posiciones mientras allanamos el terreno.

Ejército de un solo soldado

Desarrollar un videojuego es una tarea bastante costosa y nada desdeñable. Tal es así que muchos de nosotros estamos acostumbrados a ver grandes obras en las que hay muchas personas involucradas y cuyas pantallas de créditos interminables ponen de manifiesto todo lo que hay involucrado en un desarrollo. Empero, hemos visto que en varias ocasiones se ha conseguido la hazaña de ver juegos creados por una sola persona. Es algo que, a simple vista, parece inconcebible, dado que se necesita tener muchos conocimientos de programación, diseño de niveles, arte…

Son un sinfín de tareas que Whacky Squad Studio en Hell of Men: Blood Brothers ha sabido portar con soltura en el campo de batalla. Y aunque si bien es cierto que en algunas ocasiones tenemos que enfrentarnos a un popurrí de limitaciones, desde problemas técnicos que se reflejan con explosiones y acción por doquier, hasta una interfaz sumamente caduca, es una experiencia disfrutable, que puede llevar muchas horas completar y que hace resonar los tambores de guerra de tiempos pasados.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital en PC facilitada por Zerouno Games.