Sin embargo, hay una vertiente del cyberpunk mucho más silenciosa y aterradora que no se combate con armas en un callejón, sino en la intimidad de la propia conciencia: el transhumanismo como condena. La gran pregunta del género nunca ha sido solo quién controla la tecnología, sino qué parte de nuestra humanidad entregamos a cambio de adaptarnos a un mundo acelerado. Cuando el silicio reemplaza al tejido biológico y la memoria se convierte en datos procesables, la frontera de lo que nos define como seres humanos empieza a desdibujarse de forma irreversible.

Es en esta grieta existencial donde Eden Genesis, de Aeternum Game Studios y Tesura Games, encuentra su fuerza narrativa. En lugar de proyectar el caos hacia la ciudad, el juego decide cerrar el plano y enfocar la distopía en el interior de Leah, su protagonista. Sus implantes cibernéticos —concebidos originalmente para potenciar la mente— se han transformado en una infección mortal que destruye sus neuronas paso a paso. La metrópolis de neón ya no es solo el paisaje que la rodea, sino una prisión interna; el virus digital no amenaza a una red informática corporativa, sino a la integridad de sus propios recuerdos.

Esa desesperada carrera contra la muerte física se traslada con maestría al propio lenguaje del videojuego. La jugabilidad de plataformas de precisión y el ritmo frenético a contrarreloj dejan de ser un mero desafío técnico para convertirse en la manifestación física del colapso neuronal de Leah. Cada salto milimétrico, cada impulso y cada caída reflejan el esfuerzo agónico de una mente que intenta limpiar sus propios archivos corruptos antes de que el último destello de su identidad sea borrado por completo.

En ese viaje virtual, Eden Genesis logra que el cyberpunk recupere su dimensión más trágica y humana: la lucha desesperada por no convertirse en una máquina más dentro del engranaje.

Mecánica y degradación: cuando el cronómetro es el latido de la mente

En la mayoría de los videojuegos de plataformas de precisión, la muerte y la repetición son simplemente reglas de diseño: cometes un error, caes al vacío, reapareces en el punto de control y vuelves a intentarlo hasta perfeccionar la secuencia. Sin embargo, en Eden Genesis, esta mecánica habitual se tiñe de una carga narrativa profunda. La enfermedad que carcome a Leah no es un simple recurso del guion expuesto en cinemáticas, sino la fuerza invisible que moldea cada segundo de control en las manos del jugador.

La degradación neuronal de la protagonista se traduce mecánicamente en una urgencia implacable. El juego adopta una estructura de speedrun donde el tiempo no es un marcador para presumir en una tabla de clasificación, sino la representación exacta de la esperanza de vida de Leah. Cada prueba virtual es una simulación de limpieza sináptica; si el jugador duda, se frena o ejecuta un movimiento con torpeza, no solo pierde segundos en el cronómetro, sino que permite que la corrupción digital gane terreno en el cerebro de la protagonista.

Esta constante búsqueda del flujo perfecto crea un paralelismo casi simbiótico entre la memoria del jugador y la memoria de Leah. Para superar las secciones más complejas del mapa, el jugador se ve obligado a recurrir a la memoria muscular: una ejecución instintiva, depurada y sin margen de duda donde la mano responde antes de que el pensamiento consciente procese el obstáculo. Irónicamente, mientras el jugador ejercita y perfecciona esa respuesta neural en el mando, Leah lucha desesperadamente en la ficción para que sus conexiones sinápticas no se desmoronen.

Las fallas de precisión, el ensayo y error frenético y la satisfacción de trazar una ruta impecable dejan de ser meras mecánicas de juego. Son el latido de un sistema nervioso en crisis, donde dominar el movimiento es la única forma de evitar que la mente de la protagonista se convierta en ruido blanco.

La distopía cyberpunk hecha juego en Eden Genesis

Eden Genesis logra alzarse como un testimonio de cómo la jugabilidad y el guion pueden fundirse en una sola voz. Al desnudarse de los artificios habituales del cyberpunk para concentrarse en la decadencia íntima de su protagonista, el juego transforma una distopía futurista en una historia sobre la memoria, la identidad y la fragilidad de nuestra propia mente.

Al final, su verdadera fuerza reside en convertir la exigencia del mando —el ritmo frenético, el ensayo y error, la memoria muscular— en el eco directo del colapso neuronal de Leah. El cronómetro deja de ser una cifra distante para volverse un latido desesperado, haciendo que cada salto preciso sea tanto una proeza del jugador como un acto de resistencia vital dentro de la ficción. En última instancia, la obra de Aeternum Game Studios nos recuerda que, incluso en un mundo eclipsado por el silicio y las luces de neón, la batalla más encarnizada y trascendental siempre se librará en nuestro interior.

Este contenido ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

En el caso de los videojuegos, encontramos un claro ejemplo en Detective Collection, el recopilatorio de k148 Game Studio que incluye los tres primeros títulos de la saga Detective, en el que encontramos los casos de Stella Porta, Minerva Case y The Motel.

Con una jugabilidad que emula los walking simulators, Detective Collection nos pone delante de numerosas escenas de crímenes, y se distribuye, por lo general, en fragmentos de investigación y recolección de pruebas con partes de revisión del caso y explicación de los hechos, todo en primera persona. Esta mecánica, dentro de cada juego, se repite tantas veces como casos hay, hasta dotar del suficiente contexto para ser conscientes del hilo conductor que relaciona todos los acontecimientos investigados.

Stella Porta: una ventana al más allá

El origen de la saga Detective y el encargado de presentarnos el procedimiento de la investigación en todas sus formas. Lejos de imaginarnos en una primera instancia el final al más puro estilo ciencia ficción que nos brinda, Stella Porta es capaz de coquetear con un sinfín de motivos por los que ha podido ocurrir cada crimen y no se anda con medias tintas en la exposición de los hechos.

Aunque pueda ser el más experimental a causa de su carácter genuino, este juego de Detective Collection sienta las bases jugables, presentándonos por primera vez el eje cronológico que tiene lugar en comisaría y que nos sirve para poner en orden nuestros pensamientos y los pasos que componen cada delito.

Minerva Case: un riesgo vanguardista

Este gran caso nos lanza directamente a un entorno futurista, relacionado con el avance de la tecnología y su posible corrupción. De esta manera, k148 Game Studio nos aboca a hacer uso de nuestras dotes informáticas y de infiltración, aunque de una manera pasiva, puesto que sin puzles intrincados ni amenazas palpables en los escenarios, la jugabilidad no dista del resto de títulos del recopilatorio. Asimismo, Minerva Case consigue aportar un ligero toque personal, ya que cuenta con un par de finales en función de nuestras respuestas en un determinado momento de la partida.

En cuanto a las mecánicas, lo cierto es que esta entrega de Detective Collection cambia algunos aspectos jugables. Aunque la alternancia entre fases suceda igual, en Minerva Case no todas las pruebas son imprescindibles para resolver el caso. Además, cuando detectamos una prueba, su descripción aparece siempre en pantalla, resultando fácil volver a esos datos siempre que queramos.

The Motel: una noche fatal

Este juego es el más singular, ya que deja a un lado la vertiente más imaginativa para ofrecer un caso con los pies en la tierra. Situado, como dice el título, en un motel de los que se suelen ver en las películas de Estados Unidos, este caso de Detective Collection se centra en investigar varias habitaciones del edificio con el fin de resolver un asesinato. 

La novedad de The Motel reside en obviar los momentos de revisión de pruebas en comisaría para ofrecernos una exposición de la información que nace completamente de la persona a los mandos. Es decir, para finalizar el caso, esta vez hay que rellenar una serie de datos diversos para explicar el marco de la acción, pero que tienen que cumplimentarse sin ninguna guía, por lo que resulta fundamental, aquí más que nunca, tener cerca bolígrafo y papel –o una memoria prodigiosa– para cumplimentar la hoja de ruta.

Detective Collection: con lupa y a lo loco

De manera general, los juegos que componen Detective Collection cuentan con un contexto inicial muy escueto, en ocasiones ausente. Esto provoca que dependamos totalmente de lo visto en las escenas de los crímenes, por lo que a pesar de que k148 Game Studio va añadiendo mejoras en cuanto a la identificación y al registro de pruebas tras cada juego, lo cierto es que estas no siempre resultan intuitivas para la persona a los mandos. 

No obstante, aun con todo, Detective Collection es la suma de tres experiencias cortas, de alrededor de una hora de duración, que logran mantenernos al tanto durante la partida y que son capaces de plantar una pequeña semilla de reflexión sobre el contexto en el que se basa cada caso. En este sentido, k148 Game Studio se atreve a preguntarnos sobre el rumbo de la sociedad, la naturaleza humana o la presión social de maneras diferentes a la par que efectivas.

Si queréis tener esta Detective Collection en vuestras estanterías, el recopilatorio editado por Jandusfot también cuenta con una versión física a cargo de Tesura Games para PlayStation 5.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC a través de Steam facilitada por Tesura Games.

Su fama y reconocimiento es la causa de su amplia y frecuente representación e interpretación en todos los ámbitos culturales, partiendo desde un género propio en el cine con sus particulares subgéneros hasta aparecer como tema principal en libros, mangas, series de animación o videojuegos dentro de géneros como el drama o la acción e incluso la ciencia ficción. Es importante comprender cómo la Yakuza influye en la sociedad y cultura japonesas y cómo es representada a través de estos medios culturales, a través del cine y los videojuegos, una de las principales fuentes de representación de esta organización del crimen que incluso se ve afectada por la misma.

Videojuegos como Fading Afternoon, una obra desarrollada por Yeo y distribuida por Tesura Games en la que encarnamos el papel de Seiji Maruyama, un yakuza de mediana edad que acaba de salir de prisión y se enfrenta al desafío de reconstruir su vida mientras la sociedad y él mismo están cambiando con los años. Conocido también como «Gozuki», Seiji debe aprender a equilibrar la violencia tradicional de su oficio con los aspectos más contemplativos y personales de su día a día, explorando una ciudad que se siente viva y una historia con una cultura fascinante, pero llena de contradicciones.

Dicho de otra manera, Fading Afternoon es una experiencia visualmente vistosa que se adentra con inteligencia didáctica en los aspectos culturales de la sociedad nipona para hacernos comprender mejor las características que definen a todos los personajes involucrados. Tanto es así que el magnetismo de las imágenes resalta el trasfondo de una ciudad disonante en sus encantos donde conviven con total normalidad la sordidez con la candidez.

El método yakuza en Fading Afternoon

Lejos de resultar condescendiente , el guion consigue introducirse en el espacio reservado a aquellos que tratan a los jugadores como adultos capaces de reflexionar sobre temas serios, y lo hace además por la puerta grande. Decir que este es un juego para todo el mundo puede resultar chocante para algunos, pero he aquí una de las mejores demostraciones de que el videojuego nos proporciona herramientas capaces de relacionarnos de una manera más directa con nuestro avatar, y sobre todo de que los temas que requieren de una reflexión profunda son también aquellos que nos tienen que tocar más de cerca, que nos hacen reflexionar sobre quiénes somos y por qué sentimos lo que sentimos. 

Fading Afternoon nos habla cara a cara de la pérdida, pero también de todo lo que ganamos por el camino; reflexiona sobre el sufrimiento que conlleva nuestra propia existencia, pero lo hace mediante conceptos que, por cercanía, todos podemos entender; y dialoga con nosotros sobre la soledad y cómo las personas que encontramos en nuestro camino pueden hacer que se tambalee nuestro mundo.

Tampoco podemos dejar de comentar lo bien hiladas que están las turbias relaciones que se establecen entre la yakuza y los poderes fácticos de la sociedad. Otrora, la organización criminal tenía sus tentáculos bien metidos en los medios de comunicación, en la policía e incluso en los poderes políticos. Y pese al paso del tiempo así como el cambio de poder, esto hace muy, pero que muy complicada la integración de Seiji Maruyama y de alguna manera tiene su consecuencia lógica en un gran final, que viene a presentar la única manera de luchar contra la yakuza y como se vive el código de honor propio del país del sol naciente.

Incluso en aquellos momentos en que el juego parece flaquear, en los que el tono del juego baila entre una aventura conversacional adulta, en la que tratamos de conectar con nuestro personaje, y un yo contra el barrio, no se desvía ni un milímetro de su cometido. Después de todo, donde otros optan por introducir elementos más convencionales, Yeo se hace fuerte en su convicción, en lo que quiere contar y en cómo quiere hacerlo. Puestos a ponernos exquisitos, es posible que los combates no acaben siendo todo lo estimulantes que a uno le gustaría, ya que a pesar de ofrecer un buen espectáculo visual, con animaciones fluidas y un sentido de la violencia, su ejecución deja algo que desear.

La decadencia del miedo

Llegado a cierto punto, uno podría preguntarse qué convierte a Fading Afternoon en un juego. ¿La experiencia lúdica de explorar la historia de una forma no convencional? ¿El simple hecho de no ser literatura o cine? ¿Es una decisión del creador elegir cómo engatusar al jugador?

Si bien Fading Afternoon no es la primera obra en utilizar el videojuego como vehículo para narrar (mucho menos presume de serlo), es sin dudas una muesca más que memorable en ese muro de prejuicios que los videojuegos intentan derribar para ser tomados en serio. Quienes se sumerjan en Fading Afternoon para ver un retrato muy documentado sobre la yakuza, podrán juzgar si sus creadores logran cumplir esas metas.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por Tesura Games.

No nos atreveríamos a decir qué tipo de fenómeno sobrenatural cuenta con más adeptos, pero lo cierto es que los seres incorpóreos siempre han popularizado infinidad de obras de ficción.

En esta línea, el más allá se vuelve tangible gracias a Paper Ghost Stories: Third Eye Open, una suerte de aventura gráfica de terror que corre a cargo de la gente de Cellar Vault Studio como equipo desarrollador, y también de Chorus Worldwide como publisher, en la que controlamos a una niña capaz de ver espíritus a través de un estilo visual, cuanto menos, original.

En ocasiones veo muertos

Así es, lo primero que capta nuestra atención en este Paper Ghost Stories: Third Eye Open es su llamativo apartado artístico. Aunque el escenario sea tridimensional y tengamos bastante libertad de movimiento, los personajes y algún que otro elemento de la escena cuentan con un formato en dos dimensiones con un ligero borde blanco que nos recuerda a un recorte de papel. Y no es para menos, ya que este formato se inspira en los teatros de papel, parecido a las clásicas marionetas.

Sin embargo, lo que empieza por deleitarnos la vista, acaba por despertar nuestra curiosidad a causa de una premisa translúcida en la que controlamos a Ting, una niña sensible a los espíritus y con capacidad para verlos y oírlos –con todo el estigma que eso supone por una parte de su entorno–. De esto nos damos cuenta nada más empezar la partida, cuando Ting conoce a Xiu, una joven fantasma con amnesia y con asuntos sin resolver que ronda los alrededores de su casa, aunque de naturaleza afable. A partir de aquí, ambos personajes se vuelven protagonistas de la historia, pudiendo asemejar a Xiu a una guía y, frecuentemente, a la voz de la conciencia. 

Pero no todos los espíritus son bondadosos, por lo que aquello que empieza como una historia de fantasmas sin ningún tipo de peligro, acaba convirtiéndose en un juego para salvar la vida. Así, Paper Ghost Stories: Third Eye Open se organiza en una serie de capítulos con una temática concreta dentro del hilo conductor. No obstante, esta sucesión de momentos avanza a partir de hitos evolutivos y familiares y no tanto por cuestiones puramente espirituales, ya que gran parte del foco de la historia consiste en mostrar las dinámicas entre Ting y sus padres y la repercusión del don fantasmal en ellas.

Este foco comporta que la aparición de los fantasmas corruptos sea desequilibrada a lo largo de la historia. Por eso, pese a que no lo consideramos un aspecto negativo, en momentos parece que estemos jugando a un drama familiar, dejando a un lado las amenazas incorpóreas. En este sentido, al principio sí parece que todo gira en torno a la sensibilidad hacia lo que ha trascendido lo terrenal, pero poco a poco se va desenmarañando una trama que dota de capas de profundidad a los personajes más cercanos a Ting. Y lo hace al mismo tiempo que se subrayan sus motivaciones, independientemente de que podamos estar más o menos de acuerdo con ellas. 

De qué están hechos los espíritus

Aun con todo, no hay que olvidar que estamos ante una fábula sobre fantasmas y sus tormentos. Pero esto no debe asustarnos, ya que las partes en las que podemos caer en manos de un espíritu perverso son pocas y se reflejan de una forma clara, además de consistir, básicamente, en esconderse de alguien que realiza un recorrido fijo y es fácilmente distinguible. Por este motivo, Paper Ghost Stories: Third Eye Open es un juego apto para todas las audiencias, debido a que su carga principal no reside en el terror, sino en ir descubriendo el mundo de los espíritus sin perder el vínculo con el mundo real.

Por otra parte, una variable que sí puede afectar a la experiencia es que el videojuego que nos ocupa no cuenta con textos en castellano, solamente pudiéndose jugar en inglés, japonés y chino, tanto tradicional como simplificado. Aun así, la cotidianidad de las situaciones –obviando la existencia de espíritus– conlleva que los diálogos no cuenten con un registro demasiado elevado. Si bien, cabe destacar que Paper Ghost Stories: Third Eye Open añade palabras en chino y en malayo, un hecho que nos empapa de la cultura local, pero también llega a distraernos en algunas situaciones más informales y con más carga de estas palabras.

Finalmente, existe un capítulo extra en forma de historia paralela a Paper Ghost Stories: Third Eye Open que se desbloquea una vez hemos acabado el juego y hayamos llevado a cabo unas interacciones concretas durante los últimos compases. En él, controlamos a personajes nuevos a través de un pasaje en el que los espíritus todavía tienen mucho que decir.

Ver más allá

En esencia, Paper Ghost Stories: Third Eye Open es un título cuyo núcleo reside en los personajes y en las relaciones que se tejen entre ellos, así como en sus motivaciones y en lo que les ha guiado hacia el camino que transitan. De la misma manera, saca a la luz el terror de adaptarse a una vida y a unas circunstancias que no son las deseadas, y nos pregunta qué habríamos hecho nosotros en tal situación a lo largo de sus alrededor de 8 horas de duración. 

Si llegados a este punto queréis probar Paper Ghost Stories: Third Eye Open, no olvidéis que podéis tenerlo en vuestras estanterías gracias a Tesura Games y a sus ediciones estándar y coleccionista, ya disponibles para las plataformas PlayStation 5 y Nintendo Switch.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

La palabra sacrificio tiene trampa. El contexto, los valores y la percepción semántica que se tenga por la ofrenda, procurará un grado de intensidad diferente entre los colectivos. Sin embargo, de manera más genérica, el sacrificio supone la privación del bienestar de cada individuo por una razón determinada, ya sea religiosa o ideológica, de supervivencia o de recompensa.

Y obras como Slay the Princess – The Pristine Cut, de Black Tabby Games, Serenity Forge y Tesura Games, se amparan en esta máxima, ofreciéndonos un relato en el que, como su propio nombre indica, tenemos que asesinar a la princesa. Así pues, una voz en off, llamada El narrador, nos pone en situación. Hemos sido escogidos para acabar con la princesa, o ella acabará con el mundo. Así de sencillo. Ante nosotros, tenemos multitud de opciones de diálogo a las que tenemos que dar rienda suelta. ¿Cómo es posible que una princesa vaya a acabar con el mundo entero?

Asimismo, ¿no está mal asesinar a alguien? Por ende, ¿y si, sencillamente, nos negamos a tomar parte de este asunto y dejamos que el mundo esté abocado a su fin?

Todos estos escenarios son perfectamente válidos. Es más, el juego que nos ocupa nos dice desde sus primeros compases que todas las decisiones que tomemos tienen sentido. Después de todo, juzgar una decisión conforme a una moral superior nos limita, nos hace sufrir y no siempre nos ayuda al proceso de regeneración que realizamos. La libertad es capacidad de elección. Ser libres nos permite elegir entre varias opciones. La propia vida nos pone en ocasiones ante la dificultad de escoger entre diferentes caminos.

No existen buenas ni malas decisiones, solo decisiones

Este cambio de perspectiva nos permite entender que no debemos obsesionarnos con el resultado final, sino con el proceso de toma de decisiones. Desde un enfoque transformacional, cada decisión tiene valor por sí misma. El verdadero problema no son las decisiones que tomamos, sino cómo las tomamos. Una decisión mal tomada, generalmente, proviene de un análisis irreflexivo, impulsivo o emocional, pero esto no significa necesariamente que sea irracional o incorrecta.

En definitiva, la pregunta final no es si en Slay the Princess – The Pristine Cut actuamos bien o mal, sino si cualquiera de nosotros, en su lugar, habría hecho algo diferente. ¿Seríamos capaces de entregar a quien amamos por un bien mayor?, ¿o también encontraríamos una excusa ética que oculte, en realidad, nuestro miedo a la pérdida?

El horror cósmico

La realidad es un lugar cruel y extraño. Nuestras vidas no significan nada, pues el cosmos y las fuerzas que lo mueven son indiferentes a la presencia humana. La falta de información genera desasosiego y vulnerabilidad en el lector. El conocimiento es peligroso, incluso portador de la locura y la corrupción. Las descripciones de aquello que está más allá del entendimiento humano quedan ligadas a las sensaciones, sentimientos y temores, dando libertad al jugador para que se imagine como quiera este tipo de los horrores.

Desde este punto de partida, comienza un viaje en el que hay puertas que es preferible no volver a abrir. Un viaje que no solo nos envuelve en una atmósfera de misterio y locura, sino que además fluye con velocidad y toca temas profundos. Precisamente, es en la prosa de Slay the Princess – The Pristine Cut, más allá de su afán por instarnos constantemente a tomar decisiones que pueden cambiar el destino del mundo entero.

Es una obra que se abre frente a nosotros las mismas bocas del infierno, anormalidades levemente insinuadas por el poder de unas palabras de cuya inocencia apenas dudamos, hasta que las voces quebrantadas y sonoras que forman parte del juego de marras, tensas de emoción, nos revelan las temibles implicaciones; siluetas y presencias adormecidas, que despiertan súbitamente en un instante fóbico acarreando la locura o retumbando en memorables y cataclismos ecos.

La escasa hierba y los afloramientos rocosos, las habitaciones estrechas y las escaleras vertiginosas hablan de la condición existencial del ser humano: la dureza, el confinamiento y la espiral descendente en la degradación de la dignidad, mientras algo amenazante sugiere una amenaza sobrenatural.

Dicho de otra manera, hay una voluntad mística, de incluir elementos de superstición, de fantástico heredero de Hogdson y de Lovecraft, colisionando de esta forma con el aspecto realista, de tal manera, que hay una separación tan clara de lo que es delirio y lo que es real que en ningún momento deja la posibilidad de que la imaginación de nuestro protagonista deje la puerta abierta a la mano de lo enigmático o sobrenatural que invoca tenga influencia sobre los hechos de este Slay the Princess – The Pristine Cut.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

De un tiempo a esta parte, alguna que otra desarrolladora se ha atrevido a contar esta vertiente vital que tendemos a esconder, ya sea desde la perspectiva de la persona a la que afecta, como de algún familiar que lo esté viviendo de cerca. Este último caso es el que nos ocupa ahora mismo, pues es el hilo conductor de lo nuevo de Xelo Games.

Así nace Petit Island, un simpático juego con un pintoresco mundo abierto en el que ayudar a nuestro abuelo a reavivar una significativa parte de su infancia.

Rumbo a la memoria

Aunque, en ocasiones, no sepamos ponerle nombre, hay algunas afecciones que saltan a la vista. La demencia tiende a abrirse camino en modo sigiloso, poco a poco y sin destacar, pero siempre hay un pequeño resquicio que la hace patente y que prácticamente cualquier persona puede identificar. Y para muestra, nuestra pequeña protagonista, que es conocedora de que algo le pasa a su abuelo, ya que está empezando a olvidar algunas vivencias de su vida y a centrarse en el pasado más remoto.

Para intentar poner remedio a la situación y brindar un punto de apoyo a los recuerdos ajenos, decide embarcarse hacia Petit Island, el lugar donde vivía su abuelo en su infancia. Su objetivo, muy noble: recrear un antiguo diario para avivar las conexiones memorísticas que se crearon en la isla. 

Así, nos adentramos en un costero mundo abierto, lleno de sol y naturaleza a raudales, cuya mecánica principal consiste en hacer fotografías. Con la cámara en todo momento bajo el brazo, comenzamos a plasmar el estado actual de Petit Island, además de su gente, pero también a recoger pruebas o a, simplemente, guardar una bonita estampa. Porque lejos de ceñirse a perseguir únicamente un camino directo a la memoria, el título de Xelo Games cuenta con misiones que adornan, más si cabe, el motivo original del viaje.

Tanto estas misiones como el propósito principal nos obligan a recorrer el islote de norte a sur y de este a oeste, visitando lugares tan amplios como sus playas o su pueblo principal, pero también tan concretos como el muelle o el centro de los “boy scouts”. Esta diversidad de ambientes es lo que provoca que cada recado sea único​ y que cada ayuda sea genuina.

Cooperación a la vista

Sin lugar a dudas, la bondad supone el empujón inicial de esta aventura, pero lo cierto es que llega para quedarse, constituyendo, en todo momento, el motor de Petit Island. Básicamente, porque desde que ponemos un pie en el lugar, abrimos la veda a todo tipo de favores que nos acercan a completar el ansiado nuevo diario del abuelo. Unos favores que, en el fondo, se pagan con valiosísima información que nos ayuda a avanzar. De esta manera, vamos poniendo cara a viejos conocidos que no dudan en echarnos un cable por el bien de nuestro familiar, alguien a quien recuerdan con mucho cariño. 

En Petit Island, también hay espacio para la repetición en el presente de​ algunos patrones entre personajes y que ponen de manifiesto la importancia de saber cooperar por un bien mayor y perdonar a quien se redime. Y aunque el juego que nos ocupa no cuente con diversas rutas en función de hasta cuánto estemos dispuestos a dar por los demás, se las ingenia para darnos a entender que el individualismo no lleva a ninguna parte y que un favor conlleva, a todas luces, una sucesión posterior de favores.

Finalmente, para crear una experiencia más cercana a nuestro gusto, al inicio de la aventura es posible personalizar el aspecto de la protagonista, con variables como el color y los patrones del pelaje, así como el color de la vestimenta y de la mochila. Algo que, si bien no afecta al desempeño de la aventura, consigue que la sintamos un poquito más nuestra.

El poso de la bondad

Petit Island es un ejemplo de altruismo y de unión familiar, de cómo devolver lo que otras personas nos dieron en algún momento. Sin embargo, también nos enseña que somos capaces de buscar nuevas oportunidades para crecer, reflejando explícitamente que podemos darnos cuenta de que no estamos obrando como nos gustaría para ser capaces de cambiar el rumbo de nuestras acciones.

Con total libertad y la posibilidad de hacer fotografías donde queramos –a pesar de contar con una memoria limitada en nuestro dispositivo–, Petit Island nos ofrece una experiencia que nos mantendrá ocupado​s alrededor de cinco horas. Un tiempo en el que poder relajarse gracias a su vertiente cozy y a la armonía de su conjunto​.

Por último, cabe destacar que Petit Island ya está disponible en formato físico para las plataformas Nintendo Switch, PlayStation 5 y Xbox Series X. Además, el título de Xelo Games, que publica Soedesco y distribuye Tesura Games, también cuenta con versión de PC. 

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por Tesura Games.

Porque hay algo fascinante en aunar los conceptos de un muñeco, un juguete supuestamente inocente destinado al público infantil, y el mal personificado en ese objeto. Se supone que los muñecos son esos compañeros silenciosos con los que puedes dejar a los más pequeños de la casa para que se entretenga un rato, deje volar su imaginación y desarrolle su ingenio sin peligro de las influencias externas que pueden tener otras distracciones como la televisión o los teléfonos móviles. Imagina que ese amigo fiel fuera un psicópata asesino, estuviera poseído por una entidad demoníaca y representaran las peores pesadillas imaginables.

Desde los pioneros del género, la «Tina parlanchina» de ‘La dimensión desconocida’ o el ‘Devil Doll’ de Lindsay Shonteff hasta los muñecos de nueva generación, en los que la robótica y la Inteligencia Artificial suponen nuevos terrores tecnológicos, pasando por el indiscutible rey del género: Chucky, estos seres forman parte del imaginario colectivo. Y tampoco escapan de esta máxima obras como Dollhouse: Behind the Broken Mirror, de Indigo Studios, SOEDESCO y Tesura Games, una aventura de terror en la que entramos en la fragmentada mente de Eliza de Moor, que pasó de ser una cantante famosa a estar atrapada en el laberinto de los recuerdos que ha olvidado.

Eliza sufre amnesia desde que se derrumbó en mitad de una actuación. Su única esperanza para recuperar la memoria reside en el doctor Stern y su medicación experimental, obligándola a navegar entre la realidad y el mundo tras el espejo roto. Un mundo en el que tendrá que derrotar o evitar a unas siniestras muñecas que han cobrado vida.

Un survival horror en toda regla

Profundizando en la construcción del Survival horror a partir de su premisa, surge una discusión sobre la verdadera categoría de terror que dispone. El temor que surge en el jugador se dirige hacia “su” propia supervivencia durante el desarrollo, identificada a nivel virtual en la figura del personaje. Este temor se dispone a partir de unos recursos limitados que deben ser racionados y utilizados de forma estratégica para poder avanzar de tal forma que, aunque la jugabilidad se mantiene con intensidad y se incrementa gracias a picos de dificultad para poner a prueba nuestro temple, la representación del terror es ciertamente problemática.

A través de una vista en primera persona, Dollhouse: Behind the Broken Mirror contribuye al refuerzo de esa sensación por parte del jugador, concretamente, como respuesta a una hibridación entre la resolución de puzles, la eliminación de unas criaturas atroces, y también el diseño de un escenario que debemos memorizar para decidir los caminos a recorrer según la dificultad que presenten. Apela a una necesidad primaria, de manera que muchas de nuestras acciones se desarrollen a base de impulsos.

Ayuda a generar esta pronunciada sensación el tono fuertemente liminal que recorre todo el juego, presente en los espacios, que juegan con bastante buena mano con la frontera entre el dentro y el fuera, el aquí y el allí. No me atrevería a decir que las ambiciones de este Dollhouse: Behind the Broken Mirror hacen diana siempre, pero sí creo que hay algo interesante en el resultado, que podría describirse como un inquietante pastiche entre David Lynch y Tommy Wiseau. 

Cuando funciona, esta aproximación surrealista y algo janky al terror es extrañamente estimulante; en las no pocas ocasiones en las que no funciona, sin embargo, las costuras de Dollhouse: Behind the Broken Mirror se vuelven tan evidentes que el juego acaba siendo una suerte de collage que no consigue hacer que te intereses por sus misterios, mejores sobre el papel que en la práctica.

Tu imagen en el espejo

La conciencia humana habitual, asociada a lo que hemos llamado ego o yo personal, experimenta la muerte como un “final definitivo” al que teme y por eso se propone postergar, evitar, o también puede intentar aferrarse a alguna garantía de “más allá” que le asegure supervivencia. Sin embargo, en Dollhouse: Behind the Broken Mirror nos habla de la muerte como una instancia más en el proceso de la conciencia, instancia a la cual le sucederán otras.

Así entendida, la experiencia de la muerte no representa un “final definitivo” ni un “suceso futuro”; es una etapa más de nuestro desarrollo, y también una presencia contundente e inexorable que nos acompaña a lo largo del camino mientras intentamos encontrar una salida. Eso sí, tendremos que adaptarnos a toda clase de situaciones cambiantes a cambio de esta nueva oportunidad en pos de salir ilesos.

Situaciones que son a la vez excéntricas y trágicamente poco memorables; incómodas más que inquietantes. Y la obra que protagoniza estas líneas es un juego que sabe llevar con dignidad el peso del género al que representa, con respeto pero sin reverencia, un trabajo por el que no se puede sentir sino respeto pero que por desgracia no consigue enriquecer todo un género que todavía puede dar mucho más de sí.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

El concepto actante permite ampliar el término del personaje, el cual no sólo es sujeto de la historia, sino también cumple un papel y actúa. Y todo ello de modo integral. Por otro lado, el actante puede presentar una diversidad de roles: el de héroe o villano, el de ayudante o comparsa, entre otros. A veces un objeto puede promover la narración o impulsar a los personajes a actuar. Aunque difícilmente los escenarios de un relato literario pueden ser actantes, en una película esto sí llega a ocurrir debido a la dinámica que tiene el cine.

Lo mismo ocurre en obras videolúdicas como The Inheritance of Crimson Manor, de Mediacity Games, una aventura gráfica en primera persona que nos permite vivir una historia de terror gótico al estilo Penny Dreadful ambientada en una hermosa y enigmática mansión de la época victoriana con un oscuro secreto. 

Después de trabajar durante más de diez años como asistente privado del enigmático magnate ferroviario Hadley Strange, la noticia de su repentina e inesperada muerte junto a toda su familia te coge por sorpresa. Ahora hemos sido nombrados como el albacea encargado de cumplir su última voluntad, y cuidar su majestuosa mansión, una lujosa propiedad en las afueras de Londres. A nuestra llegada a la mansión, encontramos un sobre con nuestro nombre que contiene una carta con un conjunto críptico de instrucciones que podrían hacernos cambiar de opinión acerca de quién era realmente tu antiguo empleador.

Una mansión con muchos secretos

A medio camino entre la narrativa gótica y el misterio, la puesta en escena es magnífica en lo de generar suspense. Es sencillo de entender: nada más verte en la situación jugable comenzarás a hacerte preguntas, y a dar vueltas en la mansión interactuando con unos objetos de los que te preguntarás para qué demonios sirven, porque en ese momento no sirven absolutamente para nada, salvo para dotar de vida al entorno. El arranque es claustrofóbico (pese a las dimensiones del entorno), impresiona, pero pronto, cuando comencemos con el primer puzle, dejará libre a la mente para pensar, en una paradójica sensación de opresión calmada. 

No puedo, ni debo, dejar de enfatizar que el matrimonio entre la jugabilidad y la historia sale tremendamente bien, y se prolonga en una luna de miel que mantiene su encanto y su ilusión desde el principio hasta el final del juego. Puestos a poner una pega, algo que obedece pura y llanamente a cuestiones de gusto personal, quizás hubiera disfrutado más la historia si no dependiera tanto de escritos varios, algo que no influye para nada en que sea coherente, interesante y, sobre todo, en que esté bien escrita.

A ello ayuda con tremendo gracejo el amor a la literatura y el séptimo arte que se respira durante las 2-3 horas que puede llevar completar la aventura. Más allá de lo obvio (a veces burdo) de la influencia que del cine toman los videojuegos, The Inheritance of Crimson Manor inserta con éxito y de manera muy singular la huella de escritores que han sido fundamentales para el desarrollo del videojuego que nos ocupa. En eso, además de los puzles, The Inheritance of Crimson Manor consigue también brillar con luz propia. Unos puzles exigentes, pero sin rayar con lo impeditivo. 

La exigencia puede solucionarse pidiendo una pista —aunque aun así a veces cuesta comprender su lógica a la primera, pero siempre terminas por resolverlos en un itinerario cognitivo en el que te acompañan tanto la intuición como la deducción, a pesar de que a veces llegues a pensar que los has resuelto de chiripa. No es así, pues en los puzles del juego de marras hay un preciso esfuerzo en el diseño de los mismos en apretar pero no ahogar. 

Y una vez resueltos, recibes esa recompensa que solo los mejores puzles saben conceder: la grata ilusión de sentirte inteligente.

Un escenario único muy bien diseñado

Por lo demás, la importancia del espacio en The Inheritance of Crimson Manor no radica solo en su diseño, sino en cómo se integra a la historia. Un escenario bien construido no solo enmarca la acción, sino que la define, convirtiéndose en un narrador silencioso que guía la experiencia del jugador hasta el final.

Y las imágenes convierten casi cada secuencia de la que formamos parte en algo inolvidable, indagando en respuestas oníricas como el surrealismo, donde predomina el misterio y el suspense. Después de todo, en eso consiste The Inheritance of Crimson Manor: en destapar el velo de misterio que rodea toda la aventura al mismo tiempo que tratamos de distinguir lo real de lo aparente, aunque no nos guste.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

Son una representación simbólica de las constelaciones que se encuentran en la trayectoria del sol a lo largo del año. Hay 12 signos en total, cada uno asociado con un período específico del año y con sus propias características y rasgos distintivos, que se cree que influyen en la personalidad y el destino de las personas nacidas bajo ese signo.

Estas representaciones se determinan por la posición de los planetas en el momento de nuestro nacimiento, por ello, para conocer cuál es el nuestro, debemos identificarlo con nuestra fecha de nacimiento. Como podemos observar, los signos zodiacales ofrecen una forma fascinante de explorar nuestra personalidad y destino; sus aplicaciones son muy diversas y su estudio sigue fascinando a miles de personas en todo el mundo.

Quizá sea por eso por lo que la gente de Moonana Games se ha aventurado en realizar Virgo Versus The Zodiac, un JRPG de ciencia ficción/fantasía en el que jugamos como Virgo, la Santa Reina (a menudo llamada Reina Terrible por los herejes). Una propuesta en la que guiamos a Virgo mientras esta se embarca en una búsqueda cósmica retorcida e implacable para traer de vuelta la Edad de Oro, un período de paz, simetría y equilibrio, aunque no es oro todo lo que reluce.

Porque a pesar de que el humor absurdo está presente a lo largo de la aventura, Virgo Versus The Zodiac, distribuido en formato físico por Tesura Games y publicado por Serenity Forge, también ahonda de forma sumamente crítica en las faltas del ser humano, en esos defectos características defectuosas del ser que, sin embargo, no poseen propiamente una carga o significado moral. Defectos que, más bien, afectan la calidad y el valor del ser, y que constituyen un aspecto inherente a la libertad natural que tienen. Por ejemplo, esto es algo que el mismo Dante reconoce en su poema, Los Círculos del infierno, como el principal atributo que forma sus existencias.

No hay mejor defensa que un buen ataque

Por otra parte, el combate demuestra una vez más que los turnos siguen siendo un sistema perfectamente válido en el videojuego moderno, eso sí, quítate de la cabeza la idea de participar en batallas estáticas, casi sin ritmo, porque en Virgo Versus The Zodiac ocurre justo lo contrario. Cuando atacas tienes que pulsar los botones en el momento oportuno para provocar el máximo daño. Y ocurre lo mismo cuando te defiendes, con el añadido de que hay una auténtica barbaridad de enemigos con movimientos tan dispares entre sí que nunca desaparece la sensación de peligro.

Dicho de otra manera. Es peculiar la forma en la que se despliega el combate. Rompe con todo lo que hay ahí fuera dentro del juego. Se tiene en cuenta el ritmo de la acción para que nuestra reacción tenga una respuesta diferente dependiendo de nuestra habilidad. Hay veces que si clavamos el tempo podemos contraatacar; otras, en cambio, simplemente debemos esquivar en el momento oportuno. Las posibilidades son amplias y el repertorio del enemigo todavía lo es más.

Con todo esto, Virgo Versus The Zodiac se convierte en un RPG muy divertido de jugar al que, eso sí, le habría pedido algo más de gracia a la hora de dar importancia al equipo de los héroes. Existen ciertos elementos de personalización que aportan matices a la acción, como provocar más daño, aumentar tu salud o la velocidad a la que ganas experiencia, pero es bastante básico y la oferta de armas es algo limitada. Suben el daño o la defensa, pero poco más salvo casos puntuales.

Realmente, es muy difícil encontrar problemas en el videojuego, y es tremendamente sencillo destacar sus virtudes, que son muchísimas. Es un título que se nota estar hecho con dedicación y cariño, y en que se aprecia también las ganas de sorprender.

Vive como héroe o muere como villano

Al final del todo, Virgo Versus The Zodiac nos permite enfrentarnos a las consecuencias de nuestros actos en un mundo en el que nadie olvida lo que hemos hecho, para que así podamos reflexionar sobre las consecuencias de cada pequeña acción y la existencia de vías pacíficas. Su propuesta lo convierte en una pequeña joya que aúna una gran escritura con un uso sublime de las opciones que ofrece el medio, demostrando que las mecánicas son un elemento clave a la hora de crear una narrativa divertida que nos implique emocionalmente. 

Gracias a esto, nos recuerda que la amabilidad puede triunfar a pesar de todo, especialmente si va acompañada de una voluntad férrea. A pesar de todo, esto no quiere decir que debamos rechazar los juegos con antihéroes como protagonistas, ya que nos permiten salirnos del status quo durante unos instantes. Es importante aclarar también que no jugar como héroes no implica ser mala persona o apoyar las acciones del personaje que manejamos. La opción de actuar como villanos nos permite ser indulgentes con nuestras capacidades destructivas, pero sin sentir culpabilidad, ya que nuestros actos sólo son relevantes en un entorno ficticio y digital.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation facilitada por Tesura Games.

Probablemente no haya habido nadie que se haya relajado después de escuchar esto. Resulta común encontrarse con la pregunta: ¿cómo relajarme? Puesto que, en el mundo agitado y demandante en el que vivimos hoy en día, es posible enfrentar muchas situaciones que sobrepasan nuestras capacidades.

¿Y qué mejor que eso que acudir a todos esos juegos que nos permiten evadirnos y que nos mandan a los mundos de yupi? Juegos en cuyos mundos podemos desconectar y dejar a un lado nuestros problemas, que tienen el potencial no solo de representar la realidad, sino también de moldear la susodicha a través de simulaciones. Porque eso es lo que han conseguido obras como Animal Crossing y su última iteración: New Horizons, sobre todo por su afán de establecer relaciones interpersonales entre varias personas basadas en emociones y sentimientos, en el interés por las actividades sociales, las interacciones funcionales y formas colaborativas. 

Es una obra que se ha erigido como un lugar de paz al que escapar de las tensiones, ofreciendo una sensación de libertad total para el jugador en un mundo de ficción que funciona con las mismas reglas que la realidad sin perder la imagen de bienestar.

Sencillez y relax

Tampoco se quedan atrás propuestas como la que protagoniza estas líneas, Garden Witch Life, de FreetimeStudio y SOEDESCO, una obra en la que tenemos que cuidar de nuestro propio jardín mágico, decorar una antigua casa del árbol, cuidar de criaturas entrañables y, de paso, hacer amigos. Una obra en la que encarnamos a una brujita de la gran ciudad que acaba de perder su trabajo, si bien, en las segundas oportunidades se demuestra la madurez y el amor que uno puede sentir, por lo que podremos empezar de cero en una pequeña isla llena de sazones.

También cobra importancia el cómo enfrentamos la soledad. Lo que implica ser un adulto en un nuevo ambiente lejos de casa, y cómo se gestionan esas emociones desde fuera. pueblo, o que, al abandonar el juego durante una larga temporada ya se haya marchado. Porque, aunque pueda parecer algo totalmente absurdo, genera un enorme sentimiento de frustración en la vida real.

Un ambiente que transmite energía positiva

¿Por qué triunfa? Por su propuesta, aparentemente sin conflictos, casi relajante que te permite dejarte llevar por la creación de una comunidad a la que, después de dedicarle horas y horas, la sientes como algo propio. Y ese sentimiento de propiedad lleva a los jugadores a intentar probarse a sí mismo hasta dónde pueden llegar. No hay dos partidas iguales. No hay dos mundos iguales. Así que ese componente de personalidad atrapa aún más. Su sencillez a la hora de controlar el personaje y realizar actividades también logra esa agradable experiencia. Como no hay violencia, la mente puede estar tranquila, y más en estos momentos.

La paz y la tranquilidad es extrapolable al propio mundo ficcional del juego. Una isla con árboles, ríos, playas de arena blanca y aguas cristalinas, que invita al usuario a explorarla e interactuar con todas sus oportunidades jugables. La jugabilidad va en sintonía. No hay extensas combinaciones de botones ni interminables tutoriales para cada actividad, de ahí que la dificultad sea prácticamente inexistente una vez se haya aprendido para qué sirve cada acción.

De la misma forma, Garden Witch Life, al igual que los videojuegos de simulación social, no presenta una historia en el sentido literal de la palabra, aunque sí tiene determinados personajes que, sobre todo al principio, sirven de guía al usuario para que este pueda sacarles partido a todas las posibilidades jugables ofrece la isla. De forma que el juego tiene una retronarratividad en la que el usuario crea su propia historia y un gameplay basado en la recolección de recursos con los que poder construir el propio relato.

La amplia variedad de actividades hace que el jugador deba imponerse una rutina para poder participar en ellas en su conjunto. En general, si atendemos a su escasa dificultad y no implicar partidas de varias horas diarias, el juego que protagoniza estas líneas es una propuesta de ocio destinada a todo tipo de jugadores, desde los más acérrimos a los videojuegos, pero sobre todo para los más ocasionales, quienes no invierten mucho tiempo jugando y entienden del videojuego como un tipo de entretenimiento más. 

Independientemente del tipo de usuario que uno sea, esta es una propuesta interactiva en la que, como en otros juegos, los jugadores pueden compartir sus narrativas con otros, así como participar en las ajenas. La narrativa es un consumible que se disfruta compartiendo y comunicando.

Una sensación inherente de paz

Al final, en Garden Witch Life, somos algo más que los dueños de un jardín mágico. Somos un grupo constructor con muestras de vitalidad y de impulso para hacer de la isla en la que nos encontramos un lugar mejor. A través de un ambiente que transmite energía positiva, con colores frescos y suaves, perfectos para manifestar ambientes veraniegos, nos embarcamos en un viaje para conectar con el yo interior.

La clave reside especialmente en mantener una actitud positiva, para así obtener un ambiente compartido y comunicativo. Uno mediante el cual aprender a ser felices. Esa es la máxima de Garden Witch Life: la comunión y felicidad.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation facilitada por Tesura Games.