Pero del amor al odio hay solo un paso, y en la espiral de relaciones por la que pasamos a lo largo de nuestra vida, por desgracia, también hay espacio para los lazos negativos. Emociones, quizá, más intensas y cargadas de malestar pueden suceder sin apenas esperarlo. Así es nuestro lado social y no queda más remedio que adaptarnos a su ritmo.

Pues todo este espectro de idas y venidas se encarga de reflejarlo muy bien Date Everything!, el videojuego de Sassy Chap Games que pone a nuestro alcance la construcción de vínculos entre, abrid bien los ojos, cualquier elemento que se encuentre dentro de nuestra casa.

El amor no conoce fronteras

En Date Everything!, lo que empieza como un inofensivo curro de atención al cliente acaba en una montaña rusa de emociones y búsqueda de nuevos nexos. Y no es para menos, porque el trabajo de cara al público, aunque sea detrás de una pantalla, no suele ser agradecido, sobre todo si, además, se cuenta con un jefe poco motivador y narcisista. Por eso se siente revitalizante –a la par que confusa– la llegada de un paquete anónimo con unas gafas que permiten que los objetos y mobiliario vario del hogar cobre vida en forma humana: las citadas “dateviators”.

Sí, sí, habéis leído bien. Puertas, camas, lavadoras, techos, pianos, relojes, duchas, calefactores y un largo etcétera se transforman en personajes bípedos, con peinados y vestuarios únicos y, por supuesto, relacionados con su función en la casa. Por ejemplo, la puerta es un segurata, la ducha es un cantante no demasiado profesional, la lavadora hace tándem acróbata con la secadora… Esta personalidad propia de Date Everything! es uno de sus puntos fuertes.

Sin embargo, el sistema de relaciones del que consta no se queda atrás. Incontables líneas de diálogo que varían en función de las opciones de respuesta elegidas van guiando el desenlace con el personaje que se ve afectado directamente, a la vez que salpica a cómo nos ve el resto. De este modo, todo fluctúa entre la amistad, el amor y el odio. Y lo consigue por todo lo alto, puesto que Date Everything! nos presenta hasta 100 personajes distintos con los que relacionarnos.

Tal cantidad de pretendientes conlleva infinidad de personalidades, por lo que es imposible llevarse bien con todos. En especial, el título de Sassy Chap Games se toma muy en serio que nos sintamos a gusto, por lo que también incluye un sistema de avisos sobre temas sensibles para que podamos saltar directamente los diálogos con algunos personajes. De este modo, con asuntos como el tabaco, el alcohol, el lenguaje inapropiado o, incluso, las referencias sexuales, somos libres de elegir qué tipo de relación queremos tener y zanjar así cualquier situación incómoda.

Cada oveja con su pareja

Date Everything! nos sugiere, a través de las conversaciones con los utensilios, que sigamos una hoja de ruta. Una que completa, por decirlo de alguna manera, subtramas de personajes que tienen –o tenían– algún tipo de relación entre ellos, ya fuera, igualmente, de incondicional amistad, de apasionado amor o de temible odio. Y pese a que corresponde exclusivamente a la persona a los mandos elegir con quién hablar y cuándo hacerlo, es inevitable sentirse presionado por seguir indagando sobre elementos que ya conocemos. Aun así, no podemos negar la curiosidad por, de alguna manera, hacernos con todos y registrarlos en una de las tantas aplicaciones de nuestro móvil.

Y para más inri, está el dato de que solo podemos interactuar con cinco personajes al día. Esto no supondría demasiado impedimento de no ser porque las interacciones se distribuyen en determinadas horas del día, por lo que habrá personajes que no siempre estarán disponibles, mientras que otros pondrán horarios a las charlas.

Para ir acabando, Date Everything! cuenta con doblaje al inglés y también con textos en este idioma. Al tratarse de conversaciones cotidianas, no resulta demasiado complicado seguir el hilo, aunque sí puede suponer un reto comprender la totalidad del vocabulario relativo a los objetos de la casa, así como descifrar todas las formas de hablar de los personajes. Eso sí, con dotes básicas en el idioma de Shakespeare, lograremos reconocer la mayoría de nombres de cada humanoide, puesto que están directamente asociados con el objeto del cual derivan, formando un gracioso y conveniente juego de palabras.

Del amor al odio solo hay un paso

Aunque entren en juego innumerables variables en cuestión de relaciones, algunas de ellas, quizá, inconscientes, lo cierto es que deberíamos tener total libertad para decidir con quién queremos forjar un vínculo y con quién no. Date Everything! también nos sugiere seguir conociendo a determinados personajes, pero nunca nos obliga a ver a quien no soportamos, por lo que no resulta difícil entrenar la asertividad.

En esencia, si buscáis un dating simulator que os entretenga durante horas y horas, Date Everything! es vuestro juego. A pesar de que no haya rutas per se, las bifurcaciones a partir de los diálogos y las subtramas entre distintos utensilios os tendrán pegados a la pantalla. No obstante, en un primer momento, el contenido puede llegar a abrumar. Aun con todo, vale la pena darle una oportunidad porque, sin lugar a dudas, encontraréis a alguien digno de ganarse el título de media naranja, así como encontrar alguna que otra amistad pura. 

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Xbox Series X|S facilitada por Team17.

A menudo puede ser un género complicado de ubicar, y pese a que el debate sobre qué constituye todavía sigue abriéndose camino, lo cierto es que los roguelite, un tipo de propuesta que parte de un algoritmo que va creando un puñado de escenarios de manera que nunca sepamos qué enemigos vamos a enfrentar, han alcanzado una popularidad masiva con el paso de los años. Una popularidad que parece no vislumbrar un final a corto plazo. Tanto es así que el éxito de juegos como The Binding of Isaac ha dado paso algunos de los más grandes fenómenos recientes en la industria, como Dead Cells y Hades en última instancia.

Sin embargo, a medida que la riqueza de los roguelite ha seguido deleitando a aficionados de todas partes del mundo, son muchos los estudios independientes apasionados por el género que quieren encontrar una nueva propuesta que destaque en el inundado panorama actual. Y aun cuando títulos como este Ship of Fools todavía siguen la senda de otros juegos, también se las arreglan para no solo para abrazar al mar, sino también para establecer una conexión llena de lírica y «ternura» con él.

Soltad amarras, levad anclas y dejaos llevar

Después de todo, ser capitanes de un navío y movernos por el mundo del juego no es solo una excusa para ofrecer algo nuevo con respecto a otras propuestas, es el núcleo jugable de la aventura. Una aventura en la que vamos a pasar mucho tiempo descubriendo tesoros perdidos y tiendas remotas en las islas del Archipiélago. Una aventura realmente inmensa, con un montón de actividades distintas para entretenerse, y en la que cada uno de sus elementos jugables y de las búsquedas tiene un sentido dentro de la estructura general del juego, y nada sobra o es prescindible.

Dicho de otra manera, todo lo relacionado con el mar y el barco está resuelto de manera bastante brillante, es sin duda lo mejor del juego.

¡Arr! ¡Al abordaje!

Si bien, Ship of Fools ofrece mucho más que aventuras por el mar. Al fin y al cabo, el mundo de los videojuegos es tan extenso que podemos tener ante nosotros todo tipo de propuestas que son muy complejas de definir. El género de estrategia, aquel en el que muchos jugadores tienen que luchar entre sí hasta que solo quede uno, no es una excepción. Tanto es así que cuenta con un puñado de ramificaciones que abarcan todo tipo de ofertas, desde los MOBA hasta propuestas como los Tower Defense, la defensa de torres, una suerte de subgénero consistente en defender nuestro territorio impidiendo el avance del enemigo mediante la introducción de distintos elementos de protección.

Aunque no se hace mención a ello, Ship of Fools sería lo más parecido a un Tower Defense, puesto que nuestra travesía por casillas hexagonales no está exenta de peligros y nuestro navío está provisto del suficiente armamento como para reventar todo lo que se nos cruce por delante. Todo eso a base de potentes cañones a babor y estribor.

De la misma manera, todas las armas que tengamos instaladas en el barco se pueden mejorar, incrementar su potencia, aumentar la cantidad de munición que podemos llevar de cada una de ellas, ampliar el almacén para poder llevar más recursos, la imprescindible mejora del casco para poder recibir menos daños. En definitiva, siempre tendremos una motivación para mejorar el barco.

Una motivación que dependerá mucho de si tienes a alguien con quien jugar o no. Sí, Ship of Fools puede ser disfrutado en solitario, pero a veces, para abrirse paso por aguas peligrosas, viene bien contar con una mano amiga dispuesta a arriesgarse en busca de un generoso botín. Una mano filibustera que también quiera surcar los mares en busca de tesoros y que cante esas canciones de piratas que nos evocan libertad.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de Xbox Series S|X facilitada por Team17.

Un movimiento caracterizado por el contraste visual que produce el brillo de los materiales clásicos del Art Decó con la suciedad y la oscuridad que producen no sólo la sangre de las máquinas, la gasolina, que protagonizan este periodo, sino los estragos de la I Guerra Mundial, evento que condiciona y ayuda a explicar y entender el movimiento y sus distintas variantes.

Si bien, todas forman parte de la misma base: el sentimiento de nostalgia por el pasado y de disconformidad con el presente. Por ejemplo, en el dieselpunk de Marauders, un shooter táctico ambientado en un universo distópico de ciencia ficción, nos encontramos que el ser humano ha caído en una situación desesperante, pesimista, donde no solo no afronta su futuro de manera esperanzadora, sino que además sucumbe a la esclavitud de la máquina y a la oscuridad de un escenario triste y lúgubre.

Un mundo gris. Un mundo sucio

No encontramos la ambición y la emoción en el mundo, sino abatimiento y desesperación que perdura en un universo que ha olvidado por completo los valores de dinamismo y vibración de los gloriosos días de antaño. Dicho de otra manera, Marauders es una obra que vive en la oscuridad. Es una obra efectista, adornada y artificiosa, desmesurada en sus propuestas. Es un simulacro de la realidad que no deja ningún hueco vacío. Su ambientación es el origen y el fin de la obra y por ello ha sido tratada con mimo.

A través de una vista en primera persona, el juego desarrollado por la gente de Small Impact Games nos traslada a una línea temporal alternativa en los 90, en la que la Gran Guerra nunca finalizó y la Tierra ha sido industrializada hasta la destrucción, por lo que muchos han huido a las estrellas. Nosotros formamos parte de un grupo de mercenarios conocido como los Marauders y nuestra misión en cada partida es atravesar un hostil campo de batalla tratando de saquear y explorar las estrellas.

Somos piratas espaciales y nos dedicamos a la práctica de saqueo organizado. Nos ganamos la vida asaltando cualquier tipo de instalación minera, sea del lugar que sea, en pos de buscar montañas de valiosos botines y recursos. Esta es la consigna o mejor la realidad que se vive en el interior del juego, pues a lo largo del mismo, nos acomodamos sin ninguna vergüenza, sin ningún pudor, porque lo único que nos interesa es conseguir aquello que queremos, así esto implique vender nuestros principios al mejor postor. Y más nos vale seguir esta máxima, porque el resto harán lo mismo.

Una constante traición

Tanto es así que la ambición es un fuerte impulso por algo que va acompañado del establecimiento de metas y de trazar un camino para conseguir el objetivo. Bien entendida, nos estimula a progresar a lo largo de las partidas y a abordar los cambios necesarios sorteando los obstáculos y manteniendo una actitud persistente.

Porque Marauders es un juego difícil en el que, si morimos durante una de nuestras incursiones, perderemos automáticamente todo el equipo que tengamos equipado. Y es algo que nos va a pasar, algo que tiene un precio elevadísimo, porque las distintas mecánicas que este atesora, desde los disparos hasta el movimiento de nuestro avatar, tienen un alto componente de realismo.

Al final, es un juego en el que la injusticia nos desborda constantemente, sobre todo cuando el mal y la perversión en cada escenario que recorremos parecen haber tomado el control y el poder, con toda impunidad. Un juego en el que la avaricia está a la orden del día y la traición acecha en cada esquina. En resumen, en Marauders solo se puede esperar la perdición del ser humano.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una copia digital de PC facilitada por Team17.

No obstante, la temática de las plagas es mucho más amplia y diversa que la perspectiva estrecha y cerril que ofrecen los casos anteriormente comentados, que repiten tópicos hasta la náusea y no tienen otro objetivo que moralizar mediante el amedrentamiento y la amenaza. En el ámbito de los trabajos realmente creativos encontramos enfoques dispares que no solo proporcionan una base de comparación con hechos pasados o contemporáneos, sino que también nos permiten vislumbrar la disparidad de criterios y explicaciones que se barajan cuando una cierta sociedad o cultura se enfrenta a un desastre de tal magnitud.

Trabajos como Thymesia, un RPG de acción de arquitectura gótica ambientado en el reino de Hermes, otrora próspero, pero ahora sumido en una era de calamidades por culpa de la alquimia. Después de todo, el hombre no puede obtener nada sin primero dar algo a cambio. Para crear, algo de igual valor debe perderse. Esa es la primera ley de la Alquimia y la razón de ser de todas las consecuencias catastróficas que han hecho mella en todo el reino.

Cuando morir es el camino

Para muchos es sabido que la saga Soulsborne ha sido una revolución en el medio videolúdico. Realizado por la gente de From Software, una empresa cuyo historial en absoluto presagiaba semejante contundencia, la aparición del primer videojuego, Demon ‘s Souls, fue el paso previo que sentó las bases para lo que posteriormente se expandió con mayores medios en Dark Souls.

Son muchos los términos donde la saga Soulsborne ha constituido un nuevo punto de avance formal para el videojuego. Desde su interés por situar al jugador en el centro de la experiencia pero sin considerarlo el protagonista de la misma hasta la ruptura con los cánones narrativos establecidos por el circuito más popular de la industria. Todo ello ha permitido que con el paso del tiempo esta saga se haya convertido en un fenómeno de masas, lo que ha propiciado el lanzamiento de varias obras que se han ganado el sambenito de ser “El Dark Souls de…”.

Lo mismo se puede decir de este Thymesia, una obra que sigue al pie de la letra la corriente de la enseñanza y aprendizaje a partir de la derrota, creando una mecánica sobre sí misma y reajustando las recompensas sobre el jugador. No es solo una forma de comprensión sobre el obstáculo en cuestión sino que, además, es posible recuperar la condición anterior a la derrota. Del mismo modo, la influencia del fallo a la hora de alcanzar el estado de flujo es crucial, sobre todo a la hora de considerar su narrativa.

Contagiado por la exigencia dispuesta en el gameplay, la idea por parte del juego que protagoniza estas líneas es presentarnos enemigos ofensivos desde el primer momento, por lo que debemos habituarnos al manejo de la defensa-ataque. Asimismo, la comprensión del posicionamiento de los contendientes es crucial para lograr salir victoriosos, con varios elementos a considerar, desde ajustarnos a las capacidades del enemigo en cuestión (creando nuestro propio estilo de juego) hasta tener en cuenta que podemos robar las armas de nuestros adversarios para usarlas en nuestro beneficio.

Un rompecabezas interactivo

Los videojuegos no requieren intrínsecamente de una historia, pero es su implementación, además de otros elementos, lo que produce un atractivo en el producto. Popularmente se clasifica a los juegos de lineal o no lineal según qué rango de opciones presenta al jugador a la hora de hacer una decisión. Si un juego tiene un principio y un final en la historia y nuestro trabajo como jugador es hacer que el protagonista avance en la trama sin modificación de la historia, entonces, es llamado lineal. 

Ya el hecho de que un juego presente la capacidad de realizar acciones para modificar el desenlace es considerado no lineal.

Por ejemplo, en Thymesia, la narración se entreteje directamente en el mundo del juego. Hay varias formas en que el jugador puede acceder a la información narrativa; a través del diálogo hablado por personajes que no son jugadores, en las descripciones de los documentos encontrados en todo el mundo y del diseño visual del mundo en sí. Este enfoque de tres elementos nos permite interactuar o no con la historia, tanto como queramos.

Así pues, se convierte en una narración interactiva en tanto requiere un compromiso del jugador para apreciar la historia del juego, dado que da tanto la opción de desenvolver una narrativa más profunda o simplemente interpretar todo lo que esconde el reino de Hermes al pie de la letra.

Al final, la visión imaginativa de OverBorder Studio en Thymesia propicia que el jugador se convierta en un co-autor al mismo tiempo que sobrevive a los horrores que se ocultan en las sombras del reino antaño esplendoroso. 

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de Xbox Series S | X facilitada por Team17.

Así, por ejemplo, en la mitología egipcia, ya se establecía que esa oscuridad era la que reinaba en el inframundo. Por todo eso, es fácil entender que en nuestra cultura también esté asentada la idea de que lo oscuro es negativo, malo y peligroso. Después de todo, la ausencia de luz nos limita, nos vuelve torpes. No sabemos dónde están los obstáculos, a veces ignoramos qué nos rodea y, en definitiva, tendemos a ponernos más a la defensiva porque aumenta la incertidumbre sobre lo que nos rodea. Todo indica que ese miedo a la oscuridad se asocia con cómo funciona el cerebro.

Oscuridad y desesperación

Dicho de otra forma, es posible entender la oscuridad como algo asociado a la angustia o a lo tenebroso, y juegos como Age of Darkness: Final Stand se amparan en esta máximo proponiéndonos defender el último bastión de la humanidad contra hordas de criaturas venidas de la oscuridad. A este respecto, mediante un desarrollo que combina la estrategia en tiempo real con una ambientación de fantasía.

La vida es semejante a un campo de batalla en medio de ninguna parte. De vez en cuando se nos aparecen enemigos que pretenden robarnos la paz, hacernos dudar, crearnos temores, preocuparnos y desalentar nuestros sueños. 

Y aunque muchas obras nos infunden la actitud correcta del vencedor, y nos dan las estrategias exactas para alzarse contra el miedo, Age of Darkness: Final Stand nos enseña que es absurdo esperar algo de esperanza en un mundo tan lleno de desdicha. Esa mirada desencantada es la que predomina en el juego desarrollado por la gente de PlaySide. Una mirada administrada por hordas de enemigos que son capaces de someternos hasta convertirnos en cenizas. Una mirada que subraya con mucho acierto el valle de la desesperación, cuando el cambio parece imposible y nuestras posibilidades de victoria brillan por su ausencia.

La perpetuación de una victoria efímera

Si bien, antes de que el título de marras nos lleve a reflexionar sobre el papel de nuestros pensamientos como elemento que matiza el impacto de los acontecimientos negativos para con la humanidad, se nos ofrece la posibilidad de vivir de falsas esperanzas. Concretamente, adaptándonos a la composición del terreno desde un punto de vista cenital a la hora de generar nuestra estrategia, teniendo variables diferentes en cada partida en lugar de saber de memoria que en un mapa los recursos van a estar en un punto A y la mejor defensa se debe construir en el punto B.

Todo esto mientras nos paramos a construir grandes fortalezas, edificaciones y grandes ejércitos que deberemos gestionar de formas muy diferentes para lograr una mínima posibilidad de victoria.

Al final, Age of Darkness: Final Stand tiene algunas mecánicas que nos recuerdan inevitablemente a Age of Empires, sobre todo en lo que a colocación de elementos y gestión de unidades se refiere, pero con una nueva capa de pintura que transmite la desesperanza profunda de un mundo que se acaba. No es lo que nos cuentan ni las palabras que usan, que apenas hay, sino el gran número de secretos que oculta: el peligro detrás de la oscuridad y que debemos mantener a raya con el poder de la luz, una niebla mortífera que oculta a los enemigos y que drena nuestras vidas…

La desesperanza y el sentido de la vida

La desesperanza es un veneno que apaga ilusiones, motivaciones y energías poco a poco. Es la costra de la decepción permanente y esa espina que nos hace respirar a través de la amargura, hasta sumirnos en una trampa psicológica muy peligrosa. Porque a la larga, estos estados nos vuelven muy vulnerables a la depresión y otros trastornos con un alto coste emocional.

Age of Darkness: Final Stand vendría a simbolizar no solo falta de respiración, sino también ausencia de “espíritu” o pérdida de esa esencia que nos hace humanos.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una copia digital de PC facilitada por Team17.

La logística urbana involucra todos los movimientos relacionados con la actividad comercial, y el suministro y distribución de bienes en las ciudades. Busca optimizar la logística y actividades de transporte realizadas en áreas urbanas. Asimismo, es la encargada de estudiar la movilidad de los servicios y productos dentro de las ciudades; con el objetivo de optimizar la relación tiempo-distancia-costo. Y así permitir alcanzar el equilibrio entre la competitividad de las organizaciones y las condiciones de sustentabilidad en la sociedad.

Y juegos como Sweet Transit nos permiten planificar, implementar y monitorear estas estrategias y acciones globales para que las operaciones del abastecimiento de bienes y servicios armonicen económica, social y ambientalmente a todos, dentro de las ciudades en las que se desarrollan. A este respecto, mediante un simulador de construcción de ciudades con el ferrocarril como principal protagonista.

Arquitectos de nuestro destino

En la actual era de lo virtual, los numerosos y diferentes mundos que se plasman en videojuegos, son infinitos, un arte que no tiene límite, una capacidad que da pinceladas de lo que puede llegar a ser, dando lugar a que cada día se incorporen más disciplinas. La creación de herramientas tanto en ámbito de la arquitectura, como en los videojuegos ha ido ligada a la hora de representar el espacio en el que nos vamos a desenvolver. 

Gracias a estas, la relación entre espacio físico y virtual es cada vez más estrecha, e incluso la experiencia que tenemos de uno y de otro es cada vez más parecida, mediante la arquitectura o la representación de esta en espacio inmaterial, creando de esta forma un contexto a los espacios desarrollados para los usuarios.

Sweet Transit nos ofrece diferentes maneras de percibir entornos conocidos y otros desconocidos para el jugador, acercándonos a una manera de captarlo distinta a como los entendemos y utilizamos. Y uno de los aspectos más interesantes de la obra que nos ocupa es que nos da la capacidad de modificar dichos entornos, pudiendo generar nuevas edificaciones, pensando como arquitectos, modificando y jugando con y en él, siendo creadores del espacio que deseemos.

Asimismo, creamos un sistema, unas reglas para que se ejecuten y defina las formas de interactuar con el juego, creando complejas líneas de producción y convirtiendo humildes pueblos en prósperas metrópolis mientras recorremos eras como la llegada del vapor. Al igual que en la arquitectura, vamos definiendo estas reglas por medio de elementos similares pero físicos, abriéndonos camino en el mundo de la industria para satisfacer las necesidades de sus habitantes.

Porque un trabajador feliz, es un trabajador motivado y optimista.

Sweet Transit, el tren que conecta el mundo

Enmarcado dentro de la Primera Revolución Industrial, el nacimiento del primer ferrocarril supuso el ejemplo cumbre de la labor de emprendimiento tecnológico e industrial en occidente. Desde su invención, el ferrocarril fue visto como una manera rápida y eficiente de transportar grandes volúmenes de carga y significativas cantidades de personas en poco tiempo, permitiendo trazar físicamente distintas alternativas terrestres para dicho movimiento, pues hasta su aparición, la manera de abarcar dichas distancias por tierra era por medio del empleo de tracción animal.

La irrupción del ferrocarril en las sociedades que lo adoptaron gradualmente supuso la adopción del tren como el nuevo medio de transporte más importante durante el transcurso del siglo XIX. Así pues, se acortaron las distancias sociales, políticas y económicas, facilitando, a su paso, la aparición de nuevos intereses comerciales. Sweet Transit se encarga de recordarnos esto constantemente, pues lo que diferencia a este título con respecto a muchos de sus congéneres es que una vez que dediquemos todos nuestros esfuerzos en crear ciudades habitables, pasaremos mucho tiempo conectando estos asentamientos con el fin de garantizar un tránsito fácil. 

Porque al final, la mayor lección que nos brinda la obra desarrollada por Ernestas Norvaišas es el valor de las conexiones que creamos. En la idea de abrazar el mundo, no crear muros y ayudarnos mutuamente.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una copia digital de PC facilitada por Team17.

Con esta peculiar dupla de alquimia y oscuridad, Team17 nos presenta The Serpent Rogue, su título más reciente y desarrollado por Sengi Games. En él, controlaremos a un personaje conocido como El Alcaide, que tendrá la misión de liberar el monte Morbus de la corrupción que allí se ha instalado, mediante un sistema de creación de pociones y un estilo de juego roguelike.

The Serpent Rogue: Alquimia contra la oscuridad

Como en toda aventura que se precie, en The Serpent Rogue habrá que llevar a cabo investigaciones para poder avanzar, especialmente para aprender a combinar elementos y crear brebajes que nos ayuden en nuestro cometido. Sin embargo, todo aquello que realicemos tendrá una serie de consecuencias que podrá tornarse, en algún momento u otro, en nuestra contra.

Además, gracias a su vertiente sandbox, pautaremos nuestro propio ritmo de partida y también podremos optar entre sumar a ciertas criaturas como aliadas o transformarnos en ellas para luchar con ventaja. Con infinitas posibilidades y resultados, todo será un proceso de continuo aprendizaje.

The Serpent Rogue ya se encuentra disponible para PC, Nintendo Switch, PlayStation 5 y Xbox Series X|S. Preparad vuestros frascos y haceos a los mandos.

Pero, ¿cuál es la conexión con la mente? Es la parte intangible de nuestra vida que nos conecta con algo más grande. Es la energía que está en cada célula de nuestro cuerpo. Es la parte que nos conecta a todos.

Batora: Lost Haven combina todos estos elementos en la expansión de la consciencia con el fin de ofrecernos una suerte de aventura que combina mecánicas hack and slash con elementos RPG. Una aventura protagonizada por Avril, la típica chica de 16 años que sin quererlo, termina convirtiéndose en una heroína, ya que tras un acontecimiento devastador, su mundo acaba totalmente diezmado, perdiendo todo aquello que le importaba. Ahora depende de Avril y sus extraordinarios poderes salvar el planeta y devolverlo a sus antiguos días de gloria.

La tragedia como motor narrativo de los videojuegos

Así es como comienza un viaje cósmico en el que no todo será blanco y negro, pues vamos a tener que lidiar con toda clase de sentimientos nuevos, raros, dolorosos y a ratos demasiado intensos para saber cómo controrarlos mediante la toma de decisiones. Y aunque el resto del tiempo tratamos de ser lo más coherentes posible, sostener nuestros principios, creencias y convicciones; actuar conforme a éstos, al final comenzamos a extrapolar: si algo no está bien es porque está mal, si no es negro es blanco. Por definición, nos cuesta aceptar los puntos intermedios en los que nos encontramos casi todo el tiempo. 

Somos una eterna contradicción y si fuéramos un color, seríamos un mundo de infinitas tonalidades grises.

Y la obra desarrollada por la gente de Stormind Games pone de manifiesto un escenario en el que las acciones y reacciones de los personajes, al tener repercusiones en la historia narrada, procuran una experiencia estética “real” para el jugador al permitirle sentir que esa historia contada por el juego, le es propia, es única y excepcional, diferente a la de otros jugadores: es la historia de “como yo juego a ese juego”.

Diablo y su posicionamiento en la postmodernidad

Diablo es una saga con más de 20 años a sus espaldas y que con tan sólo tres entregas en su haber, algo muy extraño en la industria que nos ocupa, sigue siendo uno de los mayores exponentes en la historia de los videojuegos, a caballo entre el arcade y el action RPG.

Prácticamente de la nada, Blizzard forjó su leyenda como uno de los estudios de desarrollo más importantes, convirtiéndose a posteriori en ese espejo en el que se miraron decenas de desarrolladoras de videojuegos de todo el mundo. Porque la serie Diablo es algo más que una refinada fórmula jugable compuesta de unos oscuros y tenebrosos gráficos, dado que su historia, la contundencia de su acción, la variedad de héroes y la profundidad jugable gracias a sus árboles de habilidades, marcaron época de una manera sumamente significativa.

Y sí, Batora: Lost Haven recuerda a clásicos como la franquicia antes nombrada, pero también se las ingenia para ofrecer una experiencia multidimensional en la que tenemos que ser rápidos alternando entre nuestros poderes físicos y mentales. Dicho de otra manera, el juego en cuestión nos obliga a cambiar entre dos modos de ataque: uno físico, ideal para enfrentarnos a un tipo de enemigo de color naranja; y otro de largo alcance, pensado para inflingir daño a los adversarios morados. Y aun cuando usar un mismo tipo de ataque sigue causando algo de daño, sea cual sea la amenaza, dista de ser algo efectivo.

Por lo demás, Batora: Lost Haven también trae consigo un puñado de secciones que van más allá de la violencia y en las que es necesario el uso de la materia gris, haciendo hincapié en la necesidad de aunar mente y cuerpo. No son especialmente complicadas, al menos durante etos primeros compases, pero sí que aportan la variedad suficiente para que este viaje a través de coloridos y fascinantes planetas, sea lo más completo e inmersivo posible.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una copia digital de PC facilitada por Team17 en PressEngine.

Por ejemplo, Before we Leave, apuesta por un escenario de serenidad en el que la humanidad descendió a los búnkeres tras un desastre galáctico. Ahora, mucho tiempo después, vuelven a la superficie en busca de comida mientras tratan de estudiar la tecnología que en otro tiempo dominaban en todo su esplendor. Así es el juego que nos ocupa, una llamada que incorpora retos como la red de transportes, la viabilidad económica y el bienestar de los habitantes.

Reconstruye el pasado

Los videojuegos evolucionan a un ritmo trepidante, y muchas de las producciones más grandes del mercado rivalizan en presupuesto con las películas de Hollywood más caras y complejas. Es una industria enorme que no deja de crecer y que trae consigo subgéneros tan ricos como la gestión de recursos limitados para conseguir un fin. En otras palabras, los jugadores construyen y gestionan comunidades ficticias o proyectos determinados con recursos limitados.

Las temáticas son ilimitadas, desde gestionar parques de atracciones (y parques jurásicos) hasta gestionar un planeta. El denominador común a todos ellos es que el jugador debe utilizar sabiamente los recursos, invertir en los objetos, herramientas, ampliaciones o tecnologías que necesite para mantener una economía próspera. A este respecto, Before we Leave nos impulsa a jugar levantando edificaciones por medio de un desarrollo que nos invita a recordar el pasado, dado que nos ayuda a saber de dónde venimos, pero también, nos permite acumular sabiduría en forma de experiencia.

La importancia de las civilizaciones antiguas claramente se deduce del impacto que todavía se percibe en el mundo contemporáneo, y el juego desarrollado por la gente de Balancing Monkey Games refleja todos esos aspectos a la ciencia y la cultura, los cuales se constituyen en la base sobre la que estuvo construido el mundo antiguo. Hace referencia a los primeros asentamientos humanos permanentes que dieron lugar a las ciudades, naciones e imperios y que tenemos que recuperar para poder avanzar.

La importancia de la organización

En toda acción que llevamos a cabo tenemos un punto de partida, que puede ser considerado como la hipótesis de una problemática, teniendo posteriormente un método que consiste en el procedimiento o el conjunto de acciones que se realizan para demostrar o refutar un punto de partida. Esta forma de trabajar y de poder desenvolvernos en toda actividad es una forma de organización, siendo importante la aplicación de una estructura para poder llegar en forma ordenada y no aleatoria a un objetivo.

Ser organizado es una de las claves para tener éxito en Before we Leave y puede hacer la diferencia entre actuar de manera reactiva o proactiva cuando se presentan las oportunidades. Ambientado en un acogedor rincón compuesto de casillas hexagonales, el juego que protagoniza estas líneas pone de manifiesto esta estructura sistemática de relaciones de interacción, tendientes a producir bienes y servicios para satisfacer las necesidades de una comunidad dentro del entorno.

Si bien, el acto de disponer y coordinar los recursos disponibles es limitado, por lo que es importante que creemos una red eficiente para optimizar el rendimiento y que la vida sea un poco más sencilla. Pese a todo, Before we Leave es una obra que transmite la tranquilidad que se debe de sentir en este tipo de propuestas, ofreciendo las herramientas necesarias para poder desplazarnos de un lugar a otro, incluso a los planetas que nos rodean. Aun así, es importante que nos armemos de valor, porque la ambición expansionista también supone ofrecer protección contra las numerosas criaturas ancestrales que moran por doquier. 

No contamos con un ejército, pero sí con las herramientas necesarias para lidiar con esta clase de peligros.

La ambición expansionista

El desarrollo tecnológico y la innovación son elementos clave que contribuyen a fortalecer la base tecnológica e industrial, la creación de riqueza y el desarrollo de una sociedad más segura, dado que son factores críticos que pueden asegurar nuestra supervivencia. Con un planteamiento sencillo y una dosis de energía para concretar nuestros planes y aspiraciones, Before we Leave nos anima a usar nuestras habilidades de líder para expandir y hacer crecer nuestro territorio desde cero. Porque como seres humanos, estamos continuamente en búsqueda de crecimiento, en explorar lo inexplorado.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de Xbox One facilitada por Team17.

Epic Chef, de Team17 y Infinigon Games, un estudio español de desarrollo de videojuegos con sede en Barcelona, es una perfecta representación de tendencia gastronómica, ya que se basa en la creación de platos en base a la creatividad y experiencia, pero eso es solo la punta del iceberg. A este respecto, la propuesta que nos ocupa también sirve una deliciosa guarnición en forma de simulador de vida agrícola y diferentes elementos de fabricación que pueden procesar los ingredientes e incluso crear maquinaria especializada.

Epic Chef, dale sabor a tus platos

Epic Chef es una aventura ambientada en la ciudad de Ambrosia y que cuenta con un fuerte componente narrativo que manifiesta grandes rasgos de personalidad e innovación, y donde el sello de identidad juega un papel crucial. Una aventura que ya se encuentra disponible en PlayStation 4, PC, Nintendo Switch y Xbox One para poner a prueba nuestras habilidades culinarias.