En este caso, emulando obras como la saga Mad Max o Dune, Sandwalkers –el título que nos ocupa y que podríamos traducir como “caminantes de la arena”–, se vale de su propio nombre para proyectar la imagen de lo que nos vamos a encontrar y el tipo de futuro con el que ha a haber que lidiar. Así que, con una invitación tan clara por parte de Goblinz Studio, solo queda adentrarnos en el desierto y rezar para que no se nos meta arena en las botas.

La unión hace la supervivencia

El mundo se ha ido al traste y la consecuencia se nota en un clima adverso para la vida. Aun así, los seres supervivientes han creado una serie de tribus que persiguen vivir un día más de formas distintas, con estrategias diferentes pero enfoques comunes dentro de ellas. Con este argumento principal, Sandwalkers nos pone en la piel de unos Mka cuyo afrontamiento se centra en enviar un grupo de supervivientes a peinar las arenas con el fin de dar con la tecla para frenar el Phithi, ese fenómeno que constituye el origen de que los árboles se hayan secado y el agua sea un bien escaso.

Estos grupos que parten en expedición son llamados caravanas y se componen de hasta cuatro integrantes. Estos integrantes tienen unas habilidades y características concretas, directamente relacionadas con sus fortalezas en batalla y con su capacidad de supervivencia, que pueden determinar el devenir de la caravana. Así, Goblinz Studio nos ofrece una gran variedad de tipos y movimientos para crear una estrategia a nuestra imagen y semejanza, con personajes que adoptan el rol de tanque, mago o asesino, entre otros.

Y aquí entramos en uno de los gruesos de la aventura: el combate. Bien sean aleatorios en forma de emboscada o visibles en el plano, cada contienda sigue un mismo patrón a través de ataques por turnos predeterminados y sin tiempo establecido. Del mismo modo, también se cuenta con la información de a quién va a afectar el próximo movimiento de cada enemigo, pudiendo planificar nuestras elecciones para priorizar el ataque o la defensa. 

A pesar de ello, preparar nuestra cometida no resulta tan sencillo. De hecho, en Sandwalkers entran en juego variables como la experiencia compartida, que nos obliga a elegir a quién subimos de nivel, y la ausencia de restitución de los puntos vitales tras cada batalla. Esto provoca, con cierta trampa que explicaremos más adelante, que equipemos elementos a los personajes tan pronto como los tengamos, además de pensar qué habilidades les conferimos a los exploradores una vez suben de nivel.

Un renacer constante inevitable

Por si los momentos de combate se antojan poco exigentes, las amenazas en Sandwalkers van más allá, ya que, como consecuencia de la situación del mundo, este se ha convertido en un escenario hostil. Tanto es así que movernos por la cuadrícula hexagonal que supone el mapa a modo de tablero de rol nos cuesta provisiones o, en caso de que estas se acaben, pagamos con la propia vitalidad. Cada tipo de terreno –hierba, arena, cambios de altitud, etc.–, a su vez, también varía la cantidad de elementos consumidos. Unas variables que, sumadas a los eventos aleatorios que surgen a medida que recorremos el mapa, tienden a suponer un obstáculo más que un facilitador de la aventura.

Sin embargo, en Sandwalkers el fracaso es inevitable, y aquí es donde se deja entrever su vertiente roguelike. A la aleatoriedad de determinados eventos, incluyendo los fenómenos meteorológicos, se suma un reinicio asegurado y bastante recurrente al principio por diversos motivos. Por una parte, en los primeros compases del videojuego casi todo supone un peligro, hasta que, poco a poco, las amenazas en combate y mapa y la falta de consumibles y de unas buenas estadísticas dejarán paso a una experiencia más equilibrada. Y por otra parte, y más determinante, Goblinz Studio nos “obsequia” con una muerte permanente –o permadeath– que aboca a nuestra expedición a la inexistencia cuando se agotan los puntos de vida de toda la caravana.

Pero esta vez, morir es ganar y aprender, por lo que bajo estas condiciones, solo nos queda repetir la expedición hasta que los caídos nos permitan acumular el conocimiento y los fragmentos de historia suficientes como para desbloquear mejoras que nos permitan organizar de forma eficiente la aventura. Estas mejoras las elegimos a partir de un listado de habilidades que intercambiaremos por el conocimiento en forma de cristales cada vez que nuestra caravana perezca en el intento. La suerte de esta situación es que, pese a que debemos volver a explorar el mapa para descubrir los eventos y elementos concretos, el progreso en la historia se guarda.

Asimismo, otra de las ventajas de Sandwalkers reside en que cuando llegamos a las “grandes” urbes de Uwando, podemos intercambiar diversos bienes, descansar, aceptar misiones secundarias en forma de servicios y contratar tanto a nuevos integrantes en caso de tener bajas como a contribuyentes que nos brindan habilidades pasivas. Eso sí, todo esto está disponible siempre que tengamos una reputación mínima, fruto de la interacción con otras tribus y de nuestras decisiones en la historia y en los eventos aleatorios.

Por último pero no menos importante, Sandwalkers cuenta con un apartado visual muy llamativo, estilo píxel, con unas animaciones muy vivas y con personajes variopintos que huyen de la apariencia humana y que, aparte, se identifican fácilmente con su fuerte en batalla. Además, el mapa destaca a la perfección los distintos ecosistemas que forman el mundo de Uwando, resaltando, de un vistazo, la riqueza y la hostilidad de cada entorno. Unos entornos que, por cierto, cambian algunos de sus elementos  con cada renacer de la caravana.

Un esfuerzo que se mide en coste-beneficio

A partir de un árido desierto y el conflicto climático, Sandwalkers pone de manifiesto la vital importancia de preservar los recursos que nos ofrece nuestro planeta, al mismo tiempo que cuidamos el entorno en su sentido más amplio. Igualmente, se encarga de recordarnos que la unidad hace la fuerza, y que cada tribu por sí sola no puede poner fin a una era de suplicio climatológico.

Situarnos en el vasto mundo de Uwando y controlar el significado de todas las variables en combate cuesta un poco al principio, algo que sumado a la repetida renovación inicial de la caravana hace que invirtamos alguna que otra hora antes de coger el ritmo de la partida. Aun así, y teniendo en cuenta que con el avance de la aventura podemos permitirnos activar el piloto automático en algunos momentos, Sandwalkers nos permite elegir la profundidad y el nivel de completismo que queremos de su experiencia a medida que dominamos cada parámetro de su sistema.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Red Art Games vía Press Engine.

Sin embargo, la condición humana está intrínsecamente ligada a la fragilidad. Frente a la inmensidad del infinito o la incomprensión de fuerzas ancestrales, nuestras certezas se desmoronan, revelando que el libre albedrío es a menudo una ilusión y que la cordura pende de un hilo sumamente delgado. Esta angustia existencial, donde el orgullo tecnológico choca de frente con la insignificancia cósmica, es el núcleo latente que da vida a Celestial Return, una obra que no utiliza el terror cósmico y el cyberpunk como meros decorados estéticos, sino como las dos caras de una misma moneda filosófica.

El lenguaje del determinismo y la futilidad 

A través de una prosa densa, poética y cargada de cinismo noir, el guion del juego refuerza constantemente la idea de la insignificancia. Asimismo, el determinismo y la futilidad en Celestial Return no son simples temas secundarios; constituyen el armazón invisible que sostiene cada línea de diálogo y cada decisión de diseño. Tanto es así que utiliza el formato de la novela visual cyberpunk para atrapar al jugador en una paradoja existencialista: la ilusión de elegir en un universo donde las cartas ya están marcadas.

Se nos recuerda constantemente que, sin importar cuántos implantes tenga un ser humano, sus pensamientos siguen siendo arcilla moldeable para las fuerzas ancestrales que gobiernan el universo.

El detective roto frente al abismo

Cuando la jugabilidad de un videojuego se funde verdaderamente con su narrativa, las mecánicas dejan de ser simples herramientas de entretenimiento para convertirse en transmisoras de una filosofía. En Celestial Return, el sistema de juego es la encarnación misma de esa futilidad y determinismo que tiñe su universo. No estamos ante el clásico juego de rol donde acumular estadísticas nos encumbra hacia el poder absoluto; al contrario, aquí el progreso se siente como una lenta y elegante caída hacia el abismo, una experiencia que comparte un cordón umbilical innegable con la genialidad trágica de Disco Elysium.

La genialidad de ambas obras radica en cómo transforman el azar en una lección de humildad existencial. En la mayoría de los RPG, lanzar un dado es un mero trámite para calcular un éxito o un fracaso. En Disco Elysium, la tirada errónea abría las puertas a la comedia humana, al patetismo y a la aceptación de nuestra propia mediocridad. 

Celestial Return, por su parte, recoge ese testigo pero le inyecta una dosis de crueldad cósmica: aquí, los dados no son solo tu suerte, con tu propia sustancia vital. Al gastarlos y perderlos sin remedio, el juego traslada al teclado y al ratón la angustia real de ver cómo tus capacidades mentales y físicas se van evaporando. Te atrapa la certeza determinista de que, por mucho que te esfuerces en planificar el crimen perfecto o la deducción más brillante, el universo posee la última palabra, y a veces esa palabra es el silencio absoluto de un callejón sin salida.

Al final, la jugabilidad de investigación en ambos títulos se despoja de cualquier rastro de romanticismo. Examinar un cadáver, interrogar a un testigo o conectar pistas no son actos de triunfo intelectual, sino ejercicios de melancolía y cinismo. Tanto en las calles embarradas de Revachol como bajo los cielos de neón y vacío de Netherveil, te descubres como un detective decadente que intenta achicar agua con las manos en un barco que lleva hundiéndose desde el principio de los tiempos. 

La semejanza definitiva entre ambos mundos no está en sus mecánicas compartidas, sino en el poso que dejan en el jugador: la certeza de que la maquinaria del destino es demasiado grande, y que nuestra única victoria posible es elegir con qué grado de dignidad decidimos perder la partida.

La dignidad del fracaso en un universo de neón y vacío

Al cerrar el expediente de Celestial Return, lo que perdura en la mente del jugador no es la resolución de un crimen corporativo ni el eco de los neones de Netherveil, sino una profunda quietud metafísica. Al fin y al cabo, el gran logro de esta propuesta, en su íntima comunión con el espíritu de Disco Elysium, es desmantelar la mayor mentira que la modernidad y el propio medio de los videojuegos nos han vendido: la ilusión de que el control absoluto es posible

Abrazar el determinismo y la futilidad en este universo de terror cósmico y cyberpunk no implica necesariamente rendirse al cinismo absoluto, sino alcanzar una extraña y liberadora forma de paz. Cuando aceptamos que somos irrelevantes ante la inmensidad del cosmos, que nuestras tecnologías no nos salvarán del vacío y que el azar tiene la última palabra sobre nuestros destinos, el peso de la omnipotencia autoimpuesta desaparece. 

La victoria en Celestial Return, al igual que en la vida misma, no se mide en cuántas verdades inalcanzables logramos desenterrar antes de que se agoten nuestros dados, sino en cómo decidimos sostener la mirada al abismo mientras nos deslizamos inevitablemente hacia él.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por PressEngine.

La clave residió en la capacidad para unir sin entender edad, género, cultura o forma de pensar. Todos esos elementos se dieron de la mano e hicieron del mundo un entorno sin barreras, generando comunidades, torneos, ensayos y programas divulgativos.

El lenguaje Pokémon es rico, es pleno y es universo. Está ahí, observable a simple vista, dispuesto a invitarnos para hacernos con todos. Por ende, es normal que el éxito de esta franquicia haya derivado en una avalancha de juegos que se han ido sumando al carro de los combates con monstruos, aun cuando no fueron los primeros en inventar la mecánica de capturar y entrenar criaturas. Desde aquellos que han intentado innovar y alejarse lo suficiente de la fórmula como para diferenciarse lo justo hasta otros que directamente no se han esforzado en demasía y se limitan a ser copias.

El último santo en sumarse a la fiesta es LumenTale: Memories of Trey, un RPG de coleccionar monstruos en el que acompañamos a Trey en su viaje por una tierra llena de criaturas místicas para revelar el misterio tras sus recuerdos perdidos. Un viaje en el que nos cuentan que hubo un tiempo pretérito en que humanos y Animon, los monstruos de bolsillo que conforman la aventura que nos ocupa, convivían en paz y ocurrió una catástrofe desconocida que cambió todo eso.

Siguiendo la estela Pokémon

Lo que queda es un juego de rol con combates por turnos que sigue a pies juntillas una fórmula que ha garantizado el éxito de la serie durante más de dos décadas. 

Tanto es así que las reglas son las mismas, como el método de captura tradicional, las debilidades y resistencias de los Animon, la capacidad de evolucionar (siempre y cuando cumplamos una serie de requisitos), los intercambios… A pesar de todo, y como buen “Pokémon” que es, sigue siendo una obra muy divertida, entretenida y adictiva que también hace muchos esfuerzos por introducir mecánicas como la posibilidad de fabricar objetos útiles y cocinar platos para alimentar a nuestras criaturas. 

Una obra interesante y dotada de un colorido apartado visual que abarca todo tipo de registros ambientales y que opta por un estilo en 2D muy llamativo en pos de narrarnos una historia contada a través de viñetas.

Y aun cuando está claro que la originalidad de la obra que nos ocupa no es el punto fuerte de la misma, también se esfuerza por hacer las cosas bien. Por ejemplo, la historia de este LumenTale: Memories of Trey, intensifica las relaciones entre los distintos personajes y otros tipos de interacción en los que a menudo se dan situaciones humorísticas, pero también es mucho más crudo y adulto que lo visto en la saga de marras cuando la situación así lo requiere.

En cierto modo, se parece mucho al desarrollo que podemos encontrar en cualquier Shōnen, dado que nuestro protagonista, Trey, es alguien que promete destacar por sus hazañas abnegadas, fruto de sus propios principios o el producto de las circunstancias sobre él, y con una enorme responsabilidad sobre sus hombros.

Un mundo de humanos, monstruos, y tiranos

Son muchos los juegos que intentan aprovechar la estela y el camino marcado por Pokémon, pero son muy pocos aquellos que consiguen destacar. LumenTale: Memories of Trey es uno de ellos y se convierte en una de las producciones más estimables de todas las que han ido apareciendo a lo largo de los últimos años dentro de este terreno. Las batallas están bien diseñadas (aunque a veces encontramos algunos picos de dificultad mal ajustados), y el apartado visual se ha cuidado de forma excelente. 

Quizá falle en algunos aspectos y, por supuesto, algo más de originalidad global, especialmente en la concepción de las criaturas. Pero a pesar de todo esto, insistimos, es un título muy aprovechable dentro de su estilo.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC a través de Steam facilitada por Team17 en PressEngine.

En esta experiencia vivida, pequeña en lo visible, inmensa en lo sentido, nos hermanamos. El ritmo se vuelve un lenguaje común, más fuerte que las palabras. Las barreras se disuelven. Ya no importaban los nombres, ni las diferencias. Solo el pulso del tambor, latiendo como un corazón colectivo. La música tribal tiene esa magia: no es espectáculo, es ceremonia. No se escucha desde afuera, se vive desde adentro. Nos transforma porque nos devuelve a lo esencial: el cuerpo, el presente, el otro. El ritmo nos atrapa, nos eleva, hasta que dejamos de ser “yo” para ser “nosotros”.

Y juegos como Wardrum, con su fuerza silenciosa, nos lo recuerda y nos devuelve al centro, sumergiéndonos en un mundo de fantasía despiadado lleno de magia rítmica en el que los asentamientos vecinos han caído y nosotros, al mando de un grupo de cinco guerreros, seremos quienes deberemos mantener el compás. A este respecto, por medio de un roguelite táctico por turnos con ritmo, donde tendremos que planificar cada movimiento y ejecutarlo siguiendo el latido primitivo de un tambor tribal para golpear con toda la fuerza posible.

Estrategia con ritmo

Una fuerza que se hace especialmente manifiesta a través de un sistema de combate tan entretenido como dinámico, dado que desde el primer momento te obliga a pensar cada movimiento. Cada personaje dispone de 2 puntos de acción por turno, lo que nos permite movernos o atacar a los enemigos, pero la elección no es trivial. Algunas habilidades, las cuales tienen patrones de ritmo que tendremos que aprender a dominar, consumen uno o más puntos de acción, mientras que otras permiten realizar un movimiento adicional para acercarse al enemigo o atacar de nuevo, algo que ocurre con frecuencia en las habilidades a distancia. 

Esta mecánica genera combates fluidos, donde cada decisión importa y cualquier error puede tener consecuencias. Asimismo, el entorno influye directamente en la estrategia y obliga a estar atento a cada detalle. Podemos utilizar elementos del escenario, como armas arrojadizas en forma de objetos consumibles, para dañar a los enemigos. Esto significa que observar el terreno antes de actuar puede marcar la diferencia entre la victoria y la derrota en Wardrum. No basta con atacar sin pensar, hay que combinar movimientos, habilidades y recursos para superar cada enfrentamiento.

Al final de cada enfrentamiento recibimos experiencia, que sirve para subir de nivel a nuestros héroes, y también obtenemos recursos, objetos y equipo que resultan fundamentales para avanzar en los combates sucesivos. Estos elementos permiten mejorar el rendimiento del grupo y preparar estrategias más avanzadas para los combates siguientes. Cada partida se siente así como una prueba constante, donde no solo importan nuestras habilidades, sino también nuestra capacidad de planificación y anticipación.

¿Preparados para la batalla?

En resumidas cuentas. Wardrum es un título exigente, bien pensado y con ideas claras. No reinventa el género, pero sí lo aborda desde una perspectiva más contenida y reflexiva. Su combate por medio de cuadrículas, su enfoque en el terreno y sus mecánicas llenas de magia rítmica lo convierten en una experiencia sólida para jugadores que disfrutan del desafío estratégico.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Team17 a través de PressEngine.

No es el caso; a pesar de que compartan género y una serie de elementos característicos, The Hundred Line es una propuesta narrativa, una montaña rusa sumamente coral. Una propuesta en la que encarnamos a Takumi Sumino, un adolescente totalmente normal que vive en el Complejo Residencial Tokio, un lugar donde cada día es como el anterior y nunca ocurre nada malo. Si bien, todo eso cambia cuando monstruos extraños atacan la ciudad y empiezan a causar estragos.

Con todo esto, nos encontramos ante una obra en la que, más allá de enfrentar a monstruos alienígenas y aguantar a Sirei, un pequeño robot en forma de fantasma, hay espacio para la reflexión sobre las personas y las sociedades, sobre cosas tan mundanas como la ansiedad de encajar en un sitio nuevo y sobre otras tan fundamentales como los nacionalismos; al final, es un ejercicio de estilo que no puede evitar recrearse en el mismo hecho de narrar, en cómo se crean los relatos, en la majestuosidad y fragilidad de algo tan literario y fascinante (y tan nuclear para la experiencia humana) como los rascacielos narrativos de los que este juego de Too Kyo Games se desenvuelve como pez en el agua.

Identidad y estilo

Así pues, y a lo largo de la aventura, el jugador debe ayudar a Takumi Sumino a sobrevivir 100 días defendiendo la escuela de monstruos. Esto no solo se logra explorando la academia, fortaleciendo lazos con otros personajes y tomando decisiones que afectarán la historia y llevarán a uno de los más de 100 posibles finales, sino también combatiendo. Después de todo, la obra que protagoniza estas líneas es algo más que una novela visual al uso, también es una propuesta de RPG táctico en el que moveremos a las distintas unidades – los protagonistas, por supuesto- en una suerte de cuadrícula, con el fin de defender de las hordas de enemigos los generadores de escudos de la academia

De nuevo, creo que el ejercicio de mesura en estas batallas es importante. No son combates especialmente complicados ni se explora en gran profundidad la historia, pero sí son interesantes y sí hay suficiente diálogo como para que no resulte un mero extra o una distracción para poder ponerse otra etiqueta y no llevar solo la de novela visual. Hay un sistema de progresión, unos puntos de experiencia, una serie de desbloqueos y mejoras que envuelven un poco la sucesión de niveles, en los que el objetivo siempre es proteger un pilar central del asedio de los monstruos, utilizando para ello las unidades antes mencionadas. 

El combate, basado en la táctica, la planificación de ataques con habilidades especiales y rangos únicos, le da un toque dinámico al susodicho, que poco a poco van siendo más exigentes y largos pero que no se suelen hacer pesados. Asimismo, los personajes se van cansando, un sistema que obliga a jugar con un plus de anticipación.

Bing, bong, ding, dong

La relación entre ambos géneros, entre estas dos formas de desarrollar la trama es, insisto, consistente, sólida y rotunda. Matemática, en definitiva. Ofrece una seguridad que permite elaborar una historia no menos compleja y profunda, pero sí mucho más literaria, que pone especial cuidado en lo artístico para hacerla, además de consecuente, hermosa. 

Con esta obra, Too Kyo Games demuestra su capacidad para desenvolverse en el diseño de mecánicas que funcionan como un tiro y en la creación de una trama que no deja cabos sin atar. Como resultado, The Hundred Line – Last Defense Academy nos habla de lo efímero de la vida y del ser, del punto en el que la compatibilidad entre el progreso de las ciencias y lo contemplativo de las letras. Lo hace juntando monstruos alienígenas y chavales del instituto, pero también uniendo una jugabilidad incontestable y una historia que no deja indiferente.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por PressEngine.

Y juegos como Blades of Fire se amparan en esta máxima, brindando una aventura de acción en la que forjas tus propias armas y te enfrentas a feroces enemigos utilizando un singular sistema de combate. Una aventura en tercera persona en la que el jugador asume el papel de Aran de Lira, quien debe derrotar a la malvada Reina Nerea. La reina ha lanzado un hechizo que convierte el acero en piedra, y Aran, junto a su compañero Adso, emprende un viaje para forjar su propio arsenal y liberarse del hechizo que paraliza al mundo.

Con todo esto, Blades of Fire nos ofrece una propuesta que no sólo pone de manifiesto un mundo de fantasía medieval, sino también una guía artesanal de como la forja requiere un conocimiento profundo de los materiales y una destreza que solo se adquiere con años de práctica, y que quizá pueda abrumar a muchos jugadores durante los primeros compases.

Dicho de otra forma, es un proceso complejo que requiere precisión, experiencia y destreza artesanal, exigiendo una serie de pasos individuales que transforman un trozo de acero en un arma efectiva, desde la preparación del material en bruto y el templado y revenido, hasta el pulido y abrillantado.

El arte de la forja, la creación de la belleza

Entrando ya en lo que es su jugabilidad, Blades of Fire nos ofrece un combinado de elementos de varios juegos de éxito, utilizando como base los sempiternos «Soulsborne» de FromSoftware o el más lejano Blade: The Edge of Darkness, por lo que resulta casi inevitable hacer mención a estos títulos. A pesar de todo esto, os avisamos que las batallas suelen ser mucho más técnicas e incluso pausadas que la mayoría de sus congéneres.

Lanzarse al ataque sin pensar rara vez no acaba con nosotros besando el suelo, por lo que estudiar bien los patrones de ataque de nuestros enemigos (son muy claros y predecibles una vez nos los aprendemos) resulta fundamental para encontrar esos breves huecos en los que podemos aprovechar para atacar de forma segura y sin arriesgar.

Esto se hace especialmente patente en los jefes, los cuales suelen tener cuatro o cinco ataques que repiten de forma constante y que siempre indican de alguna manera, de modo que lo mejor para acabar con ellos suele ser esperar a que los realicen, evitarlos y aprovechar rápidamente para pegar un par de golpes antes de que puedan volver a reaccionar.

Por lo demás, parte del buen hacer de Blades of Fire se debe a que es un alumno aplicado que ha estudiado a los grandes nombres aportando su propio granito de arena. Y aunque parece improbable que la gente de Mercury Steam se embarque en el desarrollo de nuevas entregas, se le debería exigir un trabajo más exhaustivo en el diseño de mapas, un mejor equilibrio en la dificultad general, y sobre todo, algún tipo de innovación que realmente quede en el recuerdo más allá de esa idea central de la forja, pero ahora mismo sólo podemos calificarlo de una aventura correcta que podría haber aspirado a algo más.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de Xbox Series facilitada por PressEngine.

La capacidad de manipular la memoria humana ha sido un tema recurrente en la ciencia ficción durante décadas, pero ¿podría convertirse algún día en una realidad científica? Los avances recientes en neurociencia y tecnología cognitiva han llevado a algunos científicos a especular sobre la posibilidad de implantar recuerdos falsos en la mente humana. Ahora bien, ¿quién tendría el poder de manipular los recuerdos de las personas? ¿Se podría utilizar esta tecnología para fines nefastos, como la manipulación política o la coerción? Estas son preguntas difíciles que la sociedad en general debe abordar a medida que explora las posibilidades y limitaciones de esta tecnología emergente

Preguntas que se hacen especialmente manifiestas en Karma: The Dark World, una experiencia de terror psicológico a través de un mundo al más puro estilo 1984, de George Orwell, donde la manipulación de la percepción y la construcción de una falsa realidad juegan un papel crucial. Una experiencia en primera persona que también se anima a explora los peligros de los regímenes totalitarios, la vigilancia masiva, la manipulación de la información y la erosión de la libertad individual, invitando al jugador a meditar sobre la necesidad de líderes que fomenten el bienestar colectivo en lugar de aquellos que buscan el control absoluto.

Síndrome de la memoria falsa

Llama la atención en los walking simulator la habitual soledad del protagonista, tenemos que reconstruir la historia, el pasado, a partir de todo tipo de documentos: documentos escritos (oficiales, personales, literarios, eruditos…), sonoros, audiovisuales, artísticos (pinturas, esculturas, arquitecturas…). En este sentido, paradójicamente, los videojuegos se convierten en un excelente medio de introducción a la lectura y a la apreciación del arte (a pesar de la opinión de algunos ignorantes del medio en general).

Pero no nos engañemos, hay dos factores que contribuyen a que el género adopte estas características: es más barato contar la historia a través de un texto o una imagen que a través de una animación y esto permite una traducción más sencilla a múltiples idiomas (algo fundamental en productos de lanzamiento mundial).

Esta proliferación de documentos en los juegos ya la han adoptado numerosas propuestas mainstream también pero en el caso de los Walking Simulators el acierto en su selección es vital: determinará en gran parte el éxito artístico del juego. En el caso particular de Karma: The Dark World, más allá de ofrecer pasajes al más puro estilo del tren de la bruja, encontramos documentos escritos, archivos sonoros, carteles, cuadros, la espectacular y oscura ambientación… todo ello sin que se produzca una excesiva repetición de contenidos (esto es clave para él éxito del juego), cada documento va matizando y enriqueciendo progresivamente la información que tenemos sobre nuestro propio pasado y los diferentes escenarios por los que nos desenvolvemos.

Las pequeñas distopías cotidianas

Por todo lo dicho, si Karma: The Dark World nos resuena como un eco incómodo, es porque funciona como un espejo de nuestra realidad.

Nos recuerda que cada palabra e imagen tiene poder y que por tanto, debemos estar alerta sobre aquellas que emplean los poderosos, que siempre hemos de buscar la verdad histórica y que cada dato que cedemos es una pieza de nuestra libertad que regalamos. Nos desafía a mantenernos lúcidos, a leer y ver entre líneas, a cuestionar y a no renunciar a nuestra capacidad de asombro y de indignación.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por PressEngine.

Mejor no entramos, para no enloquecer, en esa categorización infinita que divide el género macro en micro-géneros como ciberpunk, postapocalíptico, ucronías, space operas, ciencia ficción dura o blanda, etc., porque es todo un caos cósmico -nunca mejor dicho-. Pero lo cierto es que, más allá de su componente principal, esa premisa fantástica-científica que vehicula o sirve cómo “excusa” para la trama, cada subgénero destaca por explotar alguna hipótesis en particular, o por poner el acento narrativo en algún tono, contexto o concepto específico.

A pesar de que el videojuego es un medio más joven que la literatura, el cine o el cómic, adalides por antonomasia de la ciencia ficción, es un arte que presenta un gran interés por las historias de este estilo desde sus comienzos. Para prueba, la existencia de Space Invaders, uno de los títulos arcade más reconocidos, ya en el año 1978, en pleno auge de las recreativas. Pero no es hasta un par de décadas más adelante en el tiempo, con la explosión narrativa del medio, que podemos encontrar ya historias dignas de mención.

Historias como la del más reciente Stories from Sol: The Gun-Dog, una novela visual con toques de aventura gráfica que hereda el espíritu de los juegos lanzados en los PC-98.

Una pequeña epopeya intergaláctica

No voy a contar prácticamente nada sobre la historia, porque si lo hago os quito prácticamente todo lo que Stories from Sol: The Gun-Dog tiene que ofrecer, pero os diré que comienza con la historia de nuestro propio personaje de inicio, incluyendo el nombre y sexo, marcado por la pérdida de sus compañeros de tripulación en la guerra. Alguien que es reasignado al buque de patrulla joviano Gun-Dog cuando es enviado con órdenes de investigar señales misteriosas provenientes del borde del Espacio Joviano. Desconocido para la tripulación del Gun-Dog, un nuevo peligro se cierne en lo más profundo del océano de estrellas, amenazando no solo al Gun-Dog sino a toda su tripulación.

Así pues, lo más interesante es que todo el juego se define por las conversaciones que tenemos y las que no llegamos a tener. Con un uso del tiempo que recuerda al de la saga Ace Attorney, tenemos que decidir en cada momento quién creemos que puede saber algo, quién no, o qué información debemos priorizar para conseguirlo. No hablar con determinadas personas, enemistarnos con ellas, o incluso tener demasiada confianza con las mismas, puede conducirnos hacia diferentes escenarios donde nos resulte imposible encontrar pruebas como para sospechar siquiera de un individuo en particular.

Esto hace que, en términos mecánicos, Stories from Sol: The Gun-Dog sea absolutamente asombroso. Recuerda a la ya mentada saga Ace Attorney, pero tiene su propio giro hacia otras propuestas como Snatcher y Policenauts al tener una serie de rasgos propios de nuestro personaje que determinan algunas de sus posibles líneas de conversación.

¿Cuál es el problema entonces? Que la trama no siempre acompaña a la calidad de sus mecánicas y su narrativa. Algunos de sus giros son un poco toscos, para algunas personas puede llegar a hacerse predecible el arco global que encierra el conjunto de la historia, y la ambientación, las mecánicas y la narrativa en sí superan con creces todo lo que intenta hacer la trama del juego, especialmente porque acaba sintiéndose como el principio de algo mucho más grande que acaba de forma abrupta.

Pero es fácil preguntarse si eso es siquiera un problema. Sus personajes son extremadamente carismáticos, su ambientación es poco menos que perfecta y su representación de un futuro lejano está muy cuidada y parece completamente ajustada a la realidad. Incluso si no lo fuera, es como mínimo extremadamente evocadora. Pincha un poco, no dramáticamente, en algunos aspectos de lo que cuenta cuando se centra en quién es el culpable de todo, pero todo lo demás lo suple con una elegancia encomiable.

El verdadero significado de la verdad

En última instancia, Stories from Sol: The Gun-Dog es un juego exquisito. Delicioso de jugar, atrapante, fascinante y que puede generar una sana obsesión por la ciencia ficción, sus problemas, vicisitudes, y también su puñado de virtudes.

Porque Stories from Sol: The Gun-Dog es brillante no por la trama que aúna todo, sino por cómo da forma al mundo. Por cómo consigue hacer que se sienta vivo. Cada interacción, cada línea de diálogo, se siente importante incluso cuando no hay ningún cartel avisándonos de que se recordará lo que hemos dicho o hecho. Por eso, si lo que pretende una novela visual no es tanto contarnos la mejor historia posible, sino hacer sentir que un mundo está vivo, que lo habitamos y que nuestras decisiones tienen consecuencias en el mismo, entonces Stories from Sol: The Gun-Dog es una absoluta maravilla digna de competir con los mejores.

Pero si además tiene que contar la mejor historia posible, entonces es innegable que le ha faltado un pequeñísimo hervor para terminar de ser una obra maestra.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por PressEngine.

Nuestra tecnología en la actualidad es capaz de extender nuestros sentidos de tal manera que podemos ver en la profundidad del cosmos, comunicarnos instantáneamente a miles de kilómetros de distancia y computar información más rápido de lo que podemos pensar. Pronto, fantasean nuestros líderes en materia de ciencia y tecnología, podremos descargar nuestro cerebro –el equivalente a nuestra alma en esta era– a un soporte material para existir para siempre dentro de una máquina o como máquina que se sabe (post)humana.  

En este indetenible progreso tecnológico, que podemos ver como el triunfo de la racionalidad y la exteriorización de la mente en la naturaleza (pero no la interiorización de naturaleza o el cosmos en la mente) es posible que hayamos dado preferencia a un cierto aspecto de nuestra capacidad, posiblemente el pensamiento lógico-racional –propio de un paradigma materialista, y hayamos descuidado otras facultades que no podemos decir si son más importantes o menos, simplemente que seguramente nos habrían llevado por otro camino, hacia otros resultados, en nuestro perenne impulso natural de crecer.

Con más o menos acierto, el cine, la literatura y los videojuegos han creado, con los años, un retrato muy bien definido de lo que nuestra cultura entiende todo este proceso. Abordando el tema desde diversos puntos de vista, muchas obras han conformado el imaginario colectivo sobre qué esperar del avance de la tecnología del deep learning actual. Videojuegos como Nobody Nowhere, una propuesta que apunta su cámara siempre a los personajes, a sus miedos, aspiraciones y creencias.

La conciencia individual

Consigue siempre darte una pequeña dosis de información que te anima a armar el puzle en tu cabeza, en vez de darlo todo mascado. Si quiere hablarte de la Inteligencia Artificial y cómo esta gestiona la sociedad, no te da una explicación digna de Wikipedia y la pone en boca de un personaje. Te hace preguntarte qué piensas ante la frialdad y precisión de una máquina o la cercanía y volatilidad humana. Eso es la ciencia-ficción. Al menos, la buena.

Si me centro tanto en la historia es porque Nobody Nowhere es cien por cien historia, más allá de algunas fases de hackeo que presentan mecánicas híbridas amparadas en la lógica y la acción más arcade. Aunque no lo parezca por sus imágenes, es prácticamente una novela visual, solo que abandona el clásico plano estático en primera persona para construir un escenario tridimensional con personajes 2D que podemos navegar en perspectiva horizontal. El desarrollo es similar, por ejemplo, al visto en juegos como A Space for the Unbound. 

Aunque nos movemos con control directo del personaje, se le une una mecánica heredada del point and click para poder explorar algunos objetos y abrir opciones de diálogo, pero lo cierto es que son muy pocas las veces que la usa el juego para actos concretos y, en cierto modo, el juego no anima del todo a pararte a buscar sus hotspots por el escenario.

¿Y los personajes? No solo son interesantes, sino que además son abundantes. Nobody Nowhere consigue crear un verdadero micro-universo lleno de momentos cotidianos, con personajes que sueñan con ovejas eléctricas y que tienen sus propias opiniones y perspectivas. Lo interesante aquí es que consigue su propósito: humanizar a unos seres que quieren ser personas reales, pero la prueba de la realidad es una imagen fotográfica, una identidad construida. Ésta es una forma de ver la posmodernidad: un debate sobre la realidad.

La apoteosis de lo humano

Al final del todo, Nobody Nowhere es una obra muy filosófica. Se le nota. Cuando menos te lo esperas, sienta a sus personajes para establecer un debate moral sobre la situación del mundo que los rodea, la justificación de las acciones o la responsabilidad individual. Hasta se le escapa el famoso dilema del tranvía en cierta ocasión.

Hace bien, porque su mundo es una ametralladora de ideas que arroja a la cara del jugador y no se detiene en ningún momento, haciendo lo que debe hacer una obra del género: reflexionar al jugador; trasladar los temas que se presentan en este universo de ficción a nuestro propio mundo para tener una idea más clara de nuestros principios y valores.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por PressEngine.

Frictional Games decidió quitarnos nuestro escudo, la barrera que nos ampara, que nos daba seguridad y nos permitía lidiar con el terror, con el miedo. Al arrebatarnos el cañón del arma -la que fuese- no solo nos dejaba indefensos ante el peligro, sino que generaba un perjuicio mucho peor, dejar entrar el miedo en nuestro cuerpo.

Como si de un fluido viscoso se tratase, ese miedo se iba filtrando por cada uno de los poros de nuestro cuerpo. El miedo, esa sensación irracional de angustia, penetraba poco a poco y se hacía con el control de la situación. Era ese momento en el que conectas completamente con el juego, algo imprescindible para entender la propuesta tanto jugable como narrativa que ofrece el estudio sueco. Ese es el momento en el que haces click.

Frictional Games supo jugar con todos los elementos que permitía el entorno. Generar un miedo constante pero casi imperceptible, sin forma y sin una amenaza palpable. Un enemigo que se introduce dentro nuestro lentamente hasta hacernos perder el control de la situación. Una máxima que también se aplica en Confronted, un juego de terror en primera persona ambientado en el oscuro y misterioso castillo de Radu, donde deberemos enfrentar nuestros miedos más profundos al mismo tiempo que luchamos por sobrevivir en un entorno sumamente hostil.

El refugio: terror de lo profundo

Lo que hace especial a Confronted no es tanto su capacidad para asustar como su voluntad de introducir la semilla del pensamiento en el cerebro del jugador. Es un juego muy interesado en explorar la filosofía tras el horror que propone, de hacernos reflexionar sobre la condición humana y sobre qué es en definitiva ser humano.

La conversación intelectual está conducida con ambición y un rechazo frontal a las consideraciones superficiales o ambiguas que el videojuego tiene tendencia a hacer, en las pocas ocasiones en que se envalentona; la obra que nos ocupa trata de arrastrarnos centímetro a centímetro por el todo el lodo negro de un ensayo terrorífico a varios niveles que se clava en la carne de quien lee y escucha.

Y donde tiene su mayor virtud, Confronted parece tener también su peor defecto. El mensaje es rico y complejo, pero no así la forma en que sus guionistas han decidido a la hora de trasladarlo, una forma que casi me atrevería a catalogar como desesperada. Las lecturas y los diálogos a través de escenas estáticas caen demasiado a menudo en una versión febril y cargante de lo que yo llamo el efecto Nolan: la insistencia en despojar de sutilezas cualquier idea, de explicarnos al detalle cada tramo de su argumentación, sin dejar que la información fluya y los razonamientos vayan goteando con algo de naturalidad.

Enfrenta tus miedos

Aun con todo, Confronted es uno de esos profesores que te explican historias maravillosas y hacen que salgas de clase pensando en ampliar la materia, aunque a veces sea un poco plasta.

Retuerce un poco el género del terror psicológico y lo viste con matices filosóficos que lo convierten en uno de esos juegos que aboga por lo de siempre (arreglar un mecanismo o desbloquear un acceso tratando de esquivar las distintas monstruosidades que nos acosan y nos alarman de su presencia e incluso un novedosos sistema de barricadas que funcionan como un escondite temporal al uso) pero se ofrece a dejarnos un poso teórico y una especie de invitación a nuevas lecturas que prometen ponerse de manifiesto en posteriores entregas.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de Steam facilitada por PressEngine.