Ya sea un campamento o una excursión familiar, las visitas y los viajes pueden complicarse más de la cuenta a la mínima de cambio. El sitio equivocado, en el peor momento posible, un despiste o, por qué no, ir pidiendo a gritos aniquilar a toda una familia mientras tú te escondes en una nevera, es posible. Todo puede pasar. Y si no, que se lo digan a juegos como Until Dawn, un remake llevado a cabo en Unreal Engine 5 de uno de los mejores slashers de terror cinematográficos que existen en los videojuegos.

Una aventura, llena de tópicos y referencias a diferentes películas de terror, ambientada en un monte en la que cada elección, grande o pequeña, da forma a la historia y determina quién vive para contarla.

Mejores gráficos, mejores emociones

Durante muchos años, la hipótesis del Valle Inquietante no solo ha sido estudiada, respetada y hasta temida por diseñadores y desarrolladores, sino que sus efectos han sido de sumo interés. La tecnología nos ha acercado a la creación de entidades que en cada generación asemejan más sus expresiones faciales y gestos a los humanos. Parece natural suponer que mientras más rasgos humanoides se incorporen, mayor familiaridad despertará y, por lo tanto, más fluida y agradable será la interacción.

Empero, todavía queda mucho para alcanzar la máxima perfección y conseguir la máxima afinidad posible.

Al usar motion capture con actores y actrices del mundo del cine, Until Dawn parece pasear por el llamado “valle inquietante”, con unos personajes tan cercanos al fotorrealismo que acaban generando cierta incomodidad. Si bien, el resultado facial es especialmente sorprendente en muchas ocasiones, con algunos primeros planos sobrecogedores. De la misma manera, es una obra especialmente espectacular (en perfecto castellano), con algunos pasajes que ponen verdaderamente los pelos de punta por su efectividad y puesta en escena.

Además, el uso de la luz sobre los mismos es acertadísimo y aporta una atmósfera única, capaz de ponernos en una situación tensa.

El peligro tras cada esquina

La industria de los videojuegos ha experimentado grandes cambios a lo largo de sus más de 40 años de historia, tanto tecnológicos como narrativos. El cine ha sido sin duda el medio que más ha influido en la maduración del videojuego como producto audiovisual, que ha pasado de ser un entretenimiento simple caracterizado por su narrativa primitiva y mecánicas de juego sencillas, a ser considerado una nueva disciplina artística que consigue transmitir emociones y hacer reflexionar al jugador a través de las historias que narran, añadiendo el factor de la interactividad

Por ejemplo, los juegos de Supermassive Games se caracterizan por combinar constantemente momentos de control absoluto de las acciones del/de los personajes/s con los Quick Time Events, sobre todo en aquellos momentos donde es necesario reforzar el dramatismo del guion. En este caso, mediante un uso más elaborado de los planos de cámara, dispuestos en un montaje y una fotografía comparable a las superproducciones de Hollywood.

Until Dawn no es una excepción, puesto que el guión pesa más que las acciones, y la fluidez narrativa es una constante. De hecho, a pesar de que fallemos una y otra vez en los momentos QTE, la narración no se detiene, sino que se adapta a las acciones del jugador durante las cinemáticas. Así, la desarrolladora de marras presenta otro tipo de experiencia más cercana al cine o las series de televisión, solo que toda decisión genera una acción y todas las acciones tienen consecuencias.

Dicho de otra manera, cuando tomamos decisiones en el juego de marras, no tenemos que prestar atención sólo a lo que pretendemos conseguir con nuestra decisión, sino también a todo tipo de consecuencias queridas o no que se puedan derivar de nuestra decisión, tanto a corto como a largo plazo. A este respecto, que los personajes que conforman la aventura sobrevivan o no, algo que se ha convertido en una especie de mantra en los juegos del estudio con sede en Guildford, Reino Unido y que ha sabido manejar con suma maestría.

Pesadilla de una noche de invierno

La muerte es el destino final de todos y cada uno de nosotros. Es algo que debemos asumir. Y aunque obviamente no se puede comparar con la vida real, la muerte forma parte de nuestro avance en los videojuegos, sobre todo en aquellos en los que no hay vuelta atrás.

En Until Dawn, la muerte ejerce de protagonista omnisciente, al poder perder a cualquiera de nuestros personajes de forma definitiva en cualquier momento. A lo largo de la aventura, que puede extenderse hasta las nueve horas, tenemos una serie de decisiones que debemos tomar de forma imprescindible y que requieren valorar distintas opciones.

Sí, la muerte resulta atractiva cuando en realidad nos estorba la vida, especialmente cuando ponemos nuestras miras en unos personajes cargados de estereotipos, pero intentar salvarlos a todos representa un impulso vitalizador, aumentando el número de horas que podemos pasar a los mandos.

Una aventura que no decepciona

Gracias a éxitos como “La noche de Halloween” y “Viernes 13”, la década de los ochenta vivió la explosión del cine slasher, subgénero en el que, por norma, un grupo de adolescentes se convertía en el objetivo del psicópata de turno. Así, personajes como Michael Myers, Jason Voorhees, Freddy Krueger y compañía se convertirían en los brazos ejecutores para toda una generación de espectadores.

Until Dawn rinde homenaje con estilo a los slasher de terror clásicos que tanto nos aterrorizaron desde tiempos inmemoriales, haciendo las delicias de cualquier fan de este subgénero por medio de una intensa experiencia cinematográfica interactiva. Una experiencia que oculta sus cartas mucho más de lo que se puede ver a simple vista.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Precision Spain.

Lo mismo se puede decir de Burning Shores, ya que tener entre manos un añadido que supone unas 12 o 14 horas de distracciones en una región inédita es algo a lo que cuesta decir que no. Y ya puestos… ¿Qué le pides a una expansión? Habrá quien responda “más de lo mismo”, y no me parece una mala respuesta si somos poco exigentes, pero yo le añadiría a esa frase un sonoro “pero mejor” para concluirla. Es lo que ha tratado de ofrecer Guerrilla Games con este contenido descargable, incorporando cosas tan interesantes como nuevas habilidades dentro de cada rama, criaturas inéditas y misiones muy bien escritas.

Y, sobre todo, unas cuantas horas de entretenimiento fenomenal en un mundo tan bello y rico, como llamativo y, todavía, tremendamente original. Un mundo en el que Aloy conoce a Seyka, quien forma parte de los Quen, una tribu muy devota de los Antiguos y de la que ya conocimos algunos detalles durante los hechos acaecidos en el título original.

Más y mejor

Como podréis suponer, por el camino haremos grandes descubrimientos, conoceremos nuevos personajes, haremos frente a poderosos y temibles enemigos y nos sorprenderemos con algunos giros muy bien planteados mientras seguimos un guion genialmente escrito y que sabe mantener el interés en todo momento. Otro detalle que también ayuda a hacer que la narrativa sea más interesante y entretenida la tenemos en la propia presentación de las secuencias de vídeo y las conversaciones que tenemos con el resto de personajes.

De la misma manera, los combates contra las grandes bestias mecánicas que pueblan el mundo de marras siguen siendo tan espectaculares como antaño. En esencia, estos enfrentamientos son muy parecidos a los que vimos en la segunda parte, proponiéndonos unas batallas en las que deberemos usar diversos tipos de arcos, armas a distancia, trampas y munición elemental para apuntar a los puntos débiles de nuestros enemigos y abatirlos. Todo esto se resume en unas luchas que son un auténtico espectáculo y que no paran de regalarnos momentos épicos a mansalva.

Un espectáculo que viene auspiciado por un trabajo artístico realmente exquisito. Es difícil no detenerse en cada escenario que exploraremos, notar cada cambio de ecosistema según la zona del mapa o admirar la extraña belleza sintética de las profundidades marinas. La zona de Costas Ardientes, ambientada en la ciudad de Los Ángeles, es realmente impactante, con playas que asolan rascacielos oxidados y unos colores vibrantes hasta debajo del agua. Cumple con la que creo que es su función principal: dar al jugador la sensación de un verdadero viaje.

A todo ello se le suma una notable mejoría visual con respecto al juego base, especialmente en aspectos como el sistema de simulación de nubes y algunos enemigos de gran calado.

Expandiendo horizontes

Al final, no es que Burning Shores sea especialmente original, pero dicho contenido continúa expandiendo el trasfondo de sus personajes y lo mejor de todo, es la disculpa perfecta para pasar más tiempo cazando robots con nuestro arco en una nueva localización como no había hecho el juego base hasta ahora, un excelente contraste con la mayor parte del viejo mapa.

Los enemigos son duros, inteligentes y con más tipos de ataque, las misiones secundarias más entretenidas, hay nuevo equipamiento con el que experimentar más tácticas, y en general es un contenido que supera en diversión y horas a muchos juegos completos que debutan a un precio superior. Burning Shores no cambiará tu opinión de Horizon: Forbidden West, y si no te convenció en su momento, nada de lo que ofrece será una revolución. Para los fans, sin embargo, es totalmente recomendable y más ahora que tendremos que esperar unos años hasta volver a ver nuevas aventuras de Aloy.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Precision Spain.

Se trata de un magnetismo que también promete estar presente en Horizon Forbidden West: Burning Shores, una nueva aventura en forma de expansión que se sitúa justo después de los hechos acaecidos en la secuela y en la que viajaremos a una peligrosa nueva región al sur de las Tierras de los Clanes Tenakth.

Horizon Forbidden West: Burning Shores, una nueva zona por explorar

Una expansión exclusiva para PlayStation 5 que saldrá a la venta el próximo día 19 de abril de 2023 a través de PlayStation Store y que cuenta con una serie de añadidos exclusivos para todos aquellos jugadores que la reserven. Concretamente, el Tinte de atuendo Marea negra y el Arco preciso Marea negra.

En las sociedades guerreras vikingas, el morir en batalla era un destino admirable, y esto se tradujo en la adoración de un panteón en el que los dioses mismos no son eternos, sino que algún día serán derrocados, en el Ragnarök. En las propias sagas y poesía escáldica de los pueblos nórdicos aparecen claramente definidos los acontecimientos del Ragnarök, se conoce quién luchará contra quién, así como los destinos de los participantes en esta batalla.

Lo que es único sobre el Ragnarok como historia apocalíptica es que los dioses ya saben a través de la profecía lo que va a suceder: qué avisará de la llegada del acontecimiento, quién será asesinado por quién, y así sucesivamente. Incluso saben que ellos no tienen el poder de evitar el Ragnarok. Esto está relacionado con el concepto de destino y juegos como God of War: Ragnarok se amparan en esta máxima, en la inevitabilidad del destino.

La técnica narrativa al servicio de la catarsis

La literatura y el cine han jugado en infinidad de ocasiones con la imposibilidad de cambiar los acontecimientos, ya sea utilizando la ciencia ficción (viajes en el tiempo, predicciones) o la simple casuística. A diferencia de estas dos disciplinas, el videojuego permite gracias a su interactividad eliminar estos elementos y entregárselos al jugador con el fin de que sea él mismo quien actúe de generador de la catarsis. God of War: Ragnarok nos habla de esto y de cómo elementos aparentemente lejanos entre sí se encuentra estrechamente conectados.

Y aunque en un juego como este encontremos un sólido argumento, con una clara progresión dramática y un arco de transformación que ya viene precedido por la pasada iteración de la serie, hay más. Esto lo podemos ver en el propio Kratos, una suerte de antihéroe moderno cuya motivación, otrora, no estuvo fundamentada en una causa justa, por lo que en ningún momento pudo encarnar la inocencia, la pureza o el bien como sí sucede en otros héroes de corte moderno.

Si bien, la cosa cambia a posteriori, pues la relación entre este y Atreus se siente tan humana y real que, si cabe, hace todavía más rica y sobre todo especial la historia que nos narran. Representa la paternidad como camino a la redención, pero también se las arregla para ir mucho más allá.

Secuencia narrativa: acciones principales y secundarias

Kratos es el Dios de la guerra, y aun cuando en God of War: Ragnarok existe una motivación principal que le anima a continuar con su viaje junto a Atreus, los contenidos secundarios son mucho más principales de lo que parece, otorgando una calidad narrativa a cada una de las misiones fuera de toda duda. Probablemente, uno de los pensamientos que más han resonado en nuestra cabeza a lo largo de la aventura es que no sabemos diferenciar cuál es la misión principal y cuál es una secundaria.

Tanto es así que el juego de marras sabe crear una dinámica en la que cada misión secundaria parece importante, bien para nuestro propio beneficio o bien para el de nuestros compañeros, lo que hace que automáticamente cedamos el camino principal, independientemente de la urgencia que atesora el susodicho, en favor de estas misiones.

Al final, la importancia de contar con una cosmología tan rica como la mitología nórdica, ayuda enormemente a conseguir que God of War: Ragnarok cuente con tanto contenido y tantos personajes de calidad, pero la forma tan magistral de aplicar la narrativa en todos y cada uno de los contenidos es sólo por culpa del saber hacer del estudio desarrollador. Esto probablemente os recuerde a lo visto en juegos como The Witcher III, un símil que no hemos hecho por casualidad, ya que el tratamiento que se hace de los acompañantes de Kratos es «muy CD Project Red», ofreciéndonos un grupo diverso, peculiar y con bastantes capas de profundidad con el que resulta fácil encariñarse.

Quizá la gran clave de esto resida en el hecho de que el estudio desarrollador ha sabido contenerse con la escala del juego sin excederse ni inundarlo todo de actividades clónicas de relleno.

La brutalidad técnica del norte

God of War: Ragnarok es, al igual que su predecesor, un juego de acción sumamente técnico, con combates, combos espectaculares, diferentes armas, pequeños rompecabezas, bastante exploración y coleccionables. Y al igual que su predecesor, es un juego de Santa Mónica (de los buenos), lo que significa que siempre va a más. Incluso cuando piensas que no puede ir a más, lo consigue.

Sobra decir que esto resulta en un sistema de combate más profundo, con más posibilidades y más espectacular aún si cabe, que hará las delicias de los amantes del género. Nuevos enemigos y nuevos tipos de batallas ponen la guinda a un pastel que parecía difícil de mejorar, dejándonos boquiabiertos ante no sólo la imaginación de los desarrolladores, sino también ante su habilidad para ejecutar esas ideas con éxito. Por consiguiente, contamos con un diseño de niveles más vertical, complejo, elaborado y con muchas más posibilidades que se traducen en unas secciones jugables más variadas, ingeniosas y entretenidas, algo que resulta especialmente cierto cuando los puzles y el «plataformeo» entran en escena.

En resumidas cuentas, God of War: Ragnarok tiene un ritmo muy acertado, con zonas pausadas que fomentan la exploración y momentos que nos dejan sin respiración.

Adicionalmente, el sistema de equipo y de modificadores se ha pulido para que nuestros atuendos sigan sirviéndonos durante gran parte del juego a poco que vayamos consiguiendo las piezas necesarias para mejorarlos, lo que también equivale a un inventario menos caótico y más manejable. Empero, sigue habiendo margen de mejora en este campo.

El plano secuencia, una expresión audiovisual

Si bien, la inmensa cantidad de aciertos presentes en la obra que protagoniza estas líneas ha quedado comprensiblemente eclipsada por la floritura técnica y logística que supone su desarrollo y presentación bajo la forma de un gigantesco plano secuencia como el de la pasada entrega. Un complejísimo artificio al servicio de la narrativa en el que todos y cada uno de los departamentos han necesitado colaborar más estrechamente de lo habitual para obrar un pequeño milagro videolúdico que lleva mucho más lejos lo visto en la entrega de 2018.

De esta manera, combinan y exploran las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías con una técnica que hemos visto en otras ocasiones. Un acierto que hace que el jugador se involucre plenamente con los protagonistas y que perciba la acción en “tiempo real”. Una acción ambientada en unos escenarios que de la manera en la que están representados llegan a resultar fotorrealistas, con una variedad de entornos y localizaciones mucho mayor que en la primera entrega, y con algunos momentos tan espectaculares que desencajan la mandíbula.

Porque en Santa Mónica Studio no creen que una historia que transita entre el drama y lo íntimo esté reñida con ofrecer momentos épicos y visualmente deslumbrantes; les encanta asombrar a los jugadores y demostrar que son capaces de lo que pocos más saben hacer, y vaya si lo hacen.

Por lo demás, God of War: Ragnarok es un logro monumental. Es la obra cumbre de Santa Mónica y la certificación de la mayoría de edad de un medio que, desde sus inicios, siempre lo ha tenido todo en contra para ser aceptado por los popes de la cultura. También es la ciudad resplandeciente sobre la colina que debe guiar al resto de editoras sobre a qué deben aspirar los videojuegos.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por Precision Spain.

Por ejemplo, Need for Speed fue una de las primeras en traer toda esa adrenalina, y mucho más adelante la saga Forza se convirtió en una de las mayorías referencias para con el género que nos ocupa. Si bien, hay una serie que ha logrado mantenerse desde finales de los años 90 y que sigue dando mucha guerra. Estamos hablando, por supuesto, de Gran Turismo, una de las apuestas más fuertes de la primera PlayStation que nos propuso unas carreras interesantísimas y cierta obsesión por la personalización.

Punto de encuentro familiar

El veterano Kazunori Yamauchi, creador de la obra que protagoniza estas líneas y fundador de Polyphony Digital, lleva mucho tiempo cincelando el mismo trabajo, el simulador de conducción «Gran Turismo», un videojuego de fórmula sencilla y técnica compleja que ambiciona capturar la belleza no sólo del entorno, también de la velocidad. De otra forma, no tendría razón de ser sin su querencia por los detalles, su pasión por el motor y su amor por los lugares de varias partes del globo terráqueo.

No cabe duda de que Gran Turismo ha supuesto un aporte enorme para entender el género de carreras deportivas, pues este sería muy distinto sin su presencia. Y Gran Turismo 7 no es solo una increíble aventura sobre cuatro ruedas. También porque en ciertos aspectos, como su sistema de progresión, la adaptabilidad a los gustos de cada jugador de la experiencia en general, la variedad de opciones para el juego en línea, y su espectacular apartado visual, lo convierten en uno de los mejores títulos que han cocinado los japoneses de Polyphony Digital.

Coffee, what else?

La necesidad de estar en calma es la respuesta a la falta de armonía entre mente, corazón y cuerpo. La razón nos exige más, el cuerpo no tiene aguante infinito, pero los sentimientos tampoco. Y avivar el fuego interno está bien, pero de vez en cuando hay que parar, enfocar, relajar y seguir. Por ello, tomar sin prisas nuestro café es como detener el tiempo en el momento exacto.

Gran Turismo 7 es quizá la mejor expresión de esto, puesto que nos ofrece un lugar que sirve como centro de todo, algo así como un “mapa del mundo”. Un lugar en el que además encontramos desde los emblemáticos carnets para sacarnos las licencias pertinentes hasta tiendas de coches y campeonatos de todo tipo. Una suerte de centro neurálgico que se convierte en un medio, que no un fin, para que el desarrollo siga su curso, y que durante los primeros compases forma parte de nuestra cotidianidad.

En eso consiste el Gran Turismo Café, el principal punto del desarrollo de la campaña para un jugador y que visitaremos de forma recurrente para incrementar nuestra colección de vehículos en el garaje. 

Realismo en plenitud

Los bellos modelados de los juegos de carreras actuales, con coches licenciados reales y un nivel de atención al detalle sobrecogedor son, simplemente, el fruto de la evolución de uno de los géneros primigenios de los videojuegos. Después de todo, y a diferencia de los modelos humanos, aquí no hay un texturizado complejo o unas animaciones exigentes. No hay ese valle inquietante. Los juegos de carreras muestran escenarios y automóviles de una manera cada vez más realista y es emocionante ver como Gran Turismo 7 continúa con la fórmula de la serie asentada por las anteriores iteraciones existentes.

Concretamente, mejorando los modelos de coches y la fidelidad visual que vimos en el anterior juego de la serie, Gran Turismo Sport, para así dejarnos momentos que a nivel técnico rayan a muy buen nivel. Sí, no es tampoco un salto de calidad que vaya a dejarnos boquiabiertos, sobre todo si hemos jugado a otras propuestas como Forza Motorsport 7, que ya tenían un nivel muy alto.

Empero, los efectos de iluminación, además de ayudar a crear estampas realistas, facilitan también centrar nuestra atención en zonas concretas de la pantalla, optando por ese fotorrealismo con acabados de cine que ayudan a saltar el foso que separa el asiento del jugador de la cabina del piloto y que consigue que nos sintamos de forma efectiva dentro de la carrera.

También se ha puesto especial hincapié en los efectos sonoros, ya no solamente del rugir de los motores; también se ha mejorado la respuesta sonora de los neumáticos, la vibración de las lunas del coche e incluso el ruido del parabrisas funcionando. 

¿Te gusta conducir?

Durante más de dos décadas, Gran Turismo se ha mantenido fiel a sus principios, para lo bueno y para lo malo. Si bien, lejos de castigar lo que en esencia se trata del mismo videojuego una y otra vez, lo cierto es que se trata de una auténtica pieza de orfebrería. Una suerte de idioma propio que comparte bases entre sus diferentes entregas a la vez que usa fonemas propios para cada uno de ellos, dándose de la mano con la inmersión.

Porque Gran Turismo 7 es eso y un ejercicio de historia que se hace especialmente manifiesto desde los primeros compases, dado que no hay carrera que no veamos sin que reverbere recuerdos de un glorioso pasado. Y aunque es cierto que no se disfruta tanto de esta propuesta si no se conoce su historia, la grandeza de sus legendarios coches es un más que agradable paseo en forma de claves sencillas mientras disfrutamos de sus vehículos adaptados para la competición. 

A este respecto, llevándolos hasta el límite y buscando ese primer puesto. Al final, eso es lo que diferencia el éxito del fracaso a medida que ponemos pies en polvorosa.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por Precision Spain.

Así pues, no es complicado dar con los motivos del auge que está teniendo en este siglo esta suerte de subgénero de la ciencia ficción que aborda el colapso civilizatorio y los hechos posteriores. Se trata de un tipo de narración propicio para tiempos convulsos y no hay duda de que el siglo XXI lo está siendo. Debido a ello, las mesas de las librerías, la salas de cine y los videojuegos han venido exhibiendo, a lo largo de todos estos años, ficciones basadas en la supervivencia tras el desastre, narraciones postapocalípticas puras en algunos casos -el clásico survival tras la hecatombe-, y mestizas en otros, como las extendidas hacia la distopía.

Una mezcla de cultura prehistórica con distopía futurista

En otras palabras, el postapocalíptico, que a veces muestra el propio proceso apocalíptico y otras solo lo utiliza como punto de partida, es uno de los subgéneros más distinguidos e importantes de la ciencia ficción, quizá el más antiguo. Por ejemplo, juegos como Horizon Zero Dawn nos propusieron un viaje postapocalíptico de mundo abierto a través del autoconocimiento. Un viaje en el que somos parias de la tierra, marginados en un contexto intrínsecamente tribal que satisface al ignorante y que reverberan ecos inevitables de un pasado antiguo. 

Un viaje estético protagonizado por Aloy que reposa tras la búsqueda de los orígenes sobre los Antiguos -así como sobre ella misma- y en el cual aprendimos que ser diferente no es lo mismo que estar solo. Con estas credenciales, la obra desarrollada por la gente de Guerrilla Games nos instó a que aprendiéramos de las lecciones de la naturaleza en un mundo donde la humanidad perdió su hegemonía, ofreciendo un trasfondo que supera con creces a la propia historia que nos quiere contar el juego de marras, tanto en lo que se refiere a los coleccionables que nos encontramos como con la posibilidad de hablar con determinados personajes opcionales. 

Por ende, una nueva entrega era el siguiente paso lógico por parte del estudio con sede en Ámsterdam.

Una nueva amenaza en la Tierra

Ambientado 6 meses después de los hechos acaecidos en la primera entrega de la serie, Horizon Forbidden West continúa la historia de Aloy, una joven cazadora y guerrera de la tribu Nora que viaja al Oeste Prohibido con el fin de investigar una misteriosa y mortífera plaga que amenaza la vida en la Tierra. En nuestro viaje a través de estas tierras desconocidas, nos encontraremos con nuevas regiones devastadas por tormentas masivas, enfrentándonos así a máquinas letales y entrando en conflicto con numerosos rebeldes.

Sobre el papel no parece nada nuevo, pero las amenazas del Oeste Prohibido ponen de manifiesto un desarrollo que busca nuevos caminos y ensancha sus fronteras para llegar a un nuevo horizonte. Asimismo, dedica muchos más esfuerzos en ofrecer una mirada al pasado, a través del tiempo, y no tanto en lo que respecta a las diferentes tribus, que las hay. Pero lo más destacable de todo radica de sobremanera en que no sólo percibimos la experiencia, recuerdos y emociones de Aloy, sino también las de los demás, lo que técnicamente los vuelven los protagonistas secundarios de esta nueva aventura.

Desde pequeñas participaciones en forma de misiones secundarias hasta actuaciones fundamentales para la trama, la importancia de los personajes secundarios en Horizon Forbidden West no es un asunto baladí, pues se encargan de acompañar y complementar la historia y también a Aloy, literalmente.

Los mundos abiertos y la sensación de urgencia

En otro orden de cosas, los juegos con trama discontinua (que implique un mundo abierto, por ejemplo) permite al jugador entre misiones principales explorar el mundo, moverse libremente por el espacio entre estados del mundo determinados por las acciones de la trama principal. El mundo puede cambiar o no, pero suele haber un mundo abierto a que el jugador actúe sobre él a despecho de que lo importante, la trama principal, que es la que determina la evolución del mundo, avance o no. La idea del viaje en este tipo de juegos se articula de esta forma: existen nodos vitales, inamovibles, que son los que mueven la historia en una sola dirección.

Si bien, es habitual que haya cosas que hacer: misiones secundarias de diverso tipo y forma, desde las más elaboradas hasta las más simples.

Algo similar ocurre en Horizon Forbidden West. Somos una Nora valiente, buscadora y cazadora de máquinas con una habilidad sin igual que tiene que lidiar con el fin de la humanidad que pretende llevar a cabo la plaga antes mencionada. Es imposible que haya un trabajo más importante y significativo que este. Pero lo cierto es que mientras intentamos parar esto mediante los diversos medios que tenemos a nuestra disposición, como Aloy seguimos siendo alguien que intenta mantener la paz entre máquinas y humanos.

Y es por eso que el juego de marras pone sobre la mesa varias misiones secundarias que tienen una gran importancia a la hora de desvelar secretos acerca del mundo por el que nos movemos. Y cada uno de estos sucesos son como pequeñas historias que en conjunto forman todo el esqueleto de este Horizon Forbidden West, ofreciendo una alternativa que en muchas ocasiones es más interesante que la propia historia del juego en cuestión. Existen misiones secundarias de todo tipo: de desafío, de ir de un punto A a un punto B, de conseguir cierto objeto, o incluso de completar una pequeña subtrama.

Incluso en algunas no tendremos que siquiera combatir, simplemente habrá que encontrar pistas o seguir el rastro de algo (o de alguien).

Narrativa visual coherente

Para darle sentido a un videojuego, el jugador no solamente debe percibir movimiento, interpretar imágenes y sonidos que representan un mundo tridimensional y comprender el lenguaje escrito y oral. En consecuencia, el jugador debe establecer como meta principal de carácter cognitivo la construcción de una historia inteligible.

Dicho de otra manera, la narrativa visual debe ser coherente en la forma como presenta su contenido, en las imágenes o manifestaciones visuales que contiene y en todos los aspectos visuales que conforman una unidad gráfica, pues para un adecuado y acertado entendimiento del mensaje compartido, debe primar el orden de los aspectos y de su contenido, pues en el caso de las narrativas visuales, el orden de los factores sí altera el producto.

Por supuesto, en Horizon Forbidden West se encuentra contenida una enorme cantidad de imágenes que son procesadas con un alto nivel de coherencia, tanto en los vestuarios de los diferentes personajes, como en su forma de ser. Su magnitud, escala y esplendor visual están fuera de toda duda, y como resultado, Guerrilla Games plantea su fábula postapocalíptica futurista a través de un paquete espectacular e imponente, cargado de imaginería visual y de deslumbrante belleza artística; que encierra en su varias decenas de horas una historia de aventuras con posos existencialistas a lomos de la figura de un personaje que se ha ganado el respeto de millones de jugadores.

Horizon Forbidden West y el camino de Guerrilla Games hacia la madurez

El concepto de las secuelas en el mundo del cine y los videojuegos no es para nada nuevo, prácticamente desde que nacieron ambos mundos se han realizado secuelas con mayor o menor éxito. Elegantes, con continuidad, y con mayor o menor atino, el objetivo de las segundas partes es crear una pequeña saga o culminar historias.

Por lo general, existe la creencia de que todas las secuelas no están a la altura de su obra original, si bien, en algunas ocasiones, no solo lo están, sino que las llegan a superar en prácticamente todo. Y obras como Horizon Forbidden West plantean nuevas exigencias a los jugadores con el fin de conseguir desentrañar los misterios planteados, abordando tanto los elementos relacionados con la primera entrega como el mismo proceso de implementación de una narrativa en la que se puede apreciar una madurez en el desarrollo de personajes y su profundización.

De la misma manera, podría decirse que esta segunda parte sigue brillando en términos jugables, mucho más refinados y con más posibilidades con respecto a los de su predecesor, pero eso sería solo abarcar una superficie relativamente pequeña. Al fin y al cabo, el juego que protagoniza estas líneas es algo más que un mero entretenimiento interactivo con humanos y máquinas en su haber. Es una expresión cultural y artística que aúna rasgos de distintas disciplinas artísticas y que supone un punto de inflexión para Guerrilla Games a la hora de encarar sus creaciones futuras.

Quién nos iba a decir que esta ficción distópica que combina un mundo prehistórico con máquinas avanzadas llegaría tan lejos…

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por Precision Spain.