Nada más hacernos a los mandos, y antes de que los propios videojuegos se convirtiesen en el líder mundial como la industria de ocio y entretenimiento, hemos podido asomarnos y tomar parte en novelas, cuentos y todo tipo de relatos. Recorrer la Tierra Media como un Hobbit, resolver casos dignos de Sherlock Holmes o usando el cuaderno de bitácora.

A fin de cuentas, los videojuegos han sabido dar una nueva dimensión a los mundos nacidos de algunos de los grandes autores de la historia reciente. Desde aventuras conversacionales en las nosotros respondíamos a los acontecimientos usando el teclado a títulos de point and click en los que se pone a prueba nuestro ingenio. Y, con el paso de los años, fascinantes juegos de aventura y acción protagonizados por los grandes iconos de la literatura.

Un mundo inspirado en Viaje al Oeste

El Viaje al Oeste tampoco es una excepción a esta regla, siendo una fuente de inspiración para incontables obras. Como muestra, adaptaciones a la gran pantalla como Dragon Ball, una de las obras más influyentes de la historia dentro del manga y la animación japonesa. Y en cuestión de videojuegos, también hay mucho dónde elegir: escoger el clásico SonSon de Capcom hasta la aventura que protagoniza estas líneas: The Crown of Wu, una de las adaptaciones más libres e interesantes de la leyenda china lleva la firma de Red Mountain Consulting SL.

Una aventura en tercera persona en la que tenemos que explorar un mundo de fantasía futuro-pasado como Sun Wukong, luchando solo contra los enemigos y superando complejos obstáculos para recuperar la gran Corona robada por el antagonista Zhu.

En el campo jugable, nos encontramos ante una obra que tiene en su haber secciones de plataformas, combate y exploración con toques de puzles, una combinación muy habitual de un tiempo a esta parte que busca refrescarse con su apariencia visual. Sin embargo, hay aspectos que resultan curiosos. Por ejemplo, el control da la sensación de ser algo tosco y poco preciso en algunas situaciones, lo que impide que no pocas secuencias triunfen de manera clara.

Es cierto que ni la parte de combate (pese a contar con la posibilidad de usar ataques elementales), ni la de plataformas y puzles, consiguen cuajar con éxito en The Crown of Wu, pero la suma de ambas no es ni mucho menos negativa. Le falta depuración y un mejor acabado, sí, pero el ritmo de juego, en cambio, está muy logrado, y se introducen momentos de jugabilidad diferente, así como otro tipo de retos que ayudan a mantener la tensión jugable.

Plataformas, acción y puzles muy monos

Muchos apuestan por segmentos de mayor tensión y ritmo, y otros tantos aportan un estilo jugable diferenciado, como decíamos, pero en ambas situaciones consiguen que se introduzca un elemento diferenciador que estimula y pone en alerta al jugador. Igualmente, hay varios enemigos finales repartidos por la aventura, y son un reto interesante y divertido sin excepción, aunque por lo general no representan un incremento significativo en la dificultad.

Por otra parte, los momentos de puzle más puro detienen el desarrollo, pero también son divertidos y entretenidos, permitiendo una variedad de secciones jugables que son de agradecer. Una variedad que se mantiene durante las 2-3 horas que nos llevará ver los créditos finales, tanto por narración como por desarrollo jugable. Le faltan, eso sí, algunos incentivos para potenciar la rejugabilidad.

En resumidas cuentas, The Crown of Wu tiene algunas carencias en su diseño, pues ninguno de sus estilos jugables consigue despuntar, y hay aspectos insatisfactorios evidentes. Sin embargo, el conjunto funciona muy bien, y es un título gratificante y divertido, con una buena historia narrada con un éxito poco habitual. Sus fallos están presentes, sí, pero sus logros consiguen compensarlos.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 4 / 5 facilitada por PlayStation Talents.

Sentir como comienza a avanzar el vehículo hasta tener la velocidad que deseamos, nos da un sentimiento de poder. Ya sea porque hayamos visto “Fast and Furious” varias veces y queremos proyectarnos o porque de verdad creamos que tendremos el poder. El poder de alzarnos con la victoria y el título de campeones.

En los videojuegos pasa algo similar, puesto que títulos como el que protagoniza estas líneas, Ion Driver, nos permite experimentar la subida de adrenalina y las velocidades superiores a 1000 km/h. A este respecto, trasladando toda la esencia de sagas como F-Zero y WipeOut en pos de ofrecernos una experiencia exigente desde los primeros compases, con una curva de dificultad tan endiablada como los picos de velocidad que atesoran los bólidos y que obligan al jugador a concentrarse al máximo. 

Una experiencia intergaláctica solo apta para los corredores más feroces de toda la galaxia en la que los diferentes competidores ponen en riesgo sus vidas a velocidades que desafían todas las leyes de la física.

El futurismo y el frenesí de las carreras

Dicho de otra manera, estamos hablando de un título de conducción arcade, muy simple y directo, que intenta emular algunas de las mecánicas y elementos vistos en las franquicias antes nombradas. Recogiendo el guante de lo que funciona en el género y fundiéndose con su propia mitología cuando ponemos nuestras miras en los diferentes personajes, la gente de Moon Whale Studio y Gammera Nest nos presenta con Ion Driver un videojuego rápido, solvente a nivel visual y con una variedad de circuitos y vehículos notable, cada uno con sus propias características.

El desafío es considerable, pero también es tremendamente satisfactorio. Técnica, pura habilidad y reflejos. En la mayor parte de las carreras, ganar estará en nuestra mano y dependerá de que lo hagamos todo bien. Y aun cuando aquí el objetivo es ser el más rápido, el que mejor toma las curvas y el que mejores tiempos hace, importa que al final tomemos las mejores decisiones para marcar el rumbo de la carrera. En este caso, se ha de saber adelantar y cerrar a nuestros rivales, ponernos delante de ese que viene con un turbo para aprovechar su «empujón» y frenarlo para tomar la delantera.

Dinámico y vivo, no hay dos partidas iguales en Ion Driver.

Velocidad, acción, vértigo y espectáculo. 

Pocos géneros en los videojuegos se han apoderado de nuestra imaginación con más fuerza que los juegos de carreras. Desde principios de la década de los 70 en adelante, los juegos de carreras de autos nos han transportado al reino de la fantasía y también nos han puesto en el asiento del conductor de máquinas de Fórmula 1 muy realistas.

No hace falta decir que integral a la experiencia de conducción—en la vida real o en un simulador— es el sonido. Aquellos que han tenido un interés pasajero en los deportes de motor y han visto cualquier carrera pueden dar fe del drama evocado por el rugido del motor. Y aunque en las carreras futuristas de Ion Driver no importa tanto esto último, consigue ofrecer a cambio la vertiginosidad de cada trazado, auténticas montañas rusas galácticas con loopings, trenzas, pendientes. Toda una experiencia que enfatiza el aspecto más arcade de las carreras.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por PlayStation Talents.

Por ejemplo, “Viaje al Oeste”, escrita por Wu Cheng’en y publicada en el siglo XVI durante la dinastía Ming, se sitúa como un ejemplar altamente reconocido en China y a nivel internacional. De hecho, ha dado lugar a un sinnúmero de adaptaciones y apropiaciones, y sus personajes se han integrado dentro de la cultura popular, dando lugar a uno de los Shōnen más importantes en todo el mundo: Dragon Ball, y videojuegos como Wukong, una aventura de plataformas en 3D inspirado en la leyenda china del Rey Mono, para la consola de sobremesa de Sony, PlayStation 4.

Una aventura protagonizada por Sun Wukong quien, en compañía de su bastón mágico, emprende un viaje hacia tierras lejanas para recuperar todos los tesoros de las manos de sus enemigos.

Vamos con afán, todos a la vez…

Durante el periodo histórico en el que Nintendo y SEGA copaban el sector de las videoconsolas con Super Nintendo y Mega Drive, apenas hubo intentos relevantes de terceras compañías en romper el duopolio existente de este competitivo mercado, teniendo que esperar las demás empresas hasta la aparición de las nuevas generaciones de videoconsolas de 32 y 64 bits.

Una de las entidades que decidió introducirse a este mercado fue Sony con la primera PlayStation, la cual fue lanzada a finales de 1994 y estuvo respaldada por juegos como Crash Bandicoot, videojuego protagonizado por Crash, el personaje de la franquicia de juegos que lleva el mismo nombre, el cual fue creado por la compañía estadounidense Naughty Dog.

Crash es el protagonista de un juego de plataformas y, al igual que Sonic, es un animal antropomórfico, si bien se diferencia del erizo azul en que presenta una personalidad más de estilo grunge, más ingenua y despistada que la mascota de Sega de tal forma que el humor logra, en esta saga de juegos, una mayor presencia que en las franquicias de Mario y Sonic.

Vestido con un pantalón azul y unos zapatos deportivos de color rojo, Crash acabó ganándose los corazones de miles de jugadores que le convirtieron en uno de los emblemas de su infancia. Y aunque ha tenido sus altibajos a lo largo de los años, la saga de marras nos enseñó a destrozar cajas, recoger frutas Wumpa, valorar la inestimable ayuda de Aku Aku y montar toda clase de animales, pero sobre todo a conocer una nueva forma de jugar a un plataformas. Una que mezclaba fases horizontales con verticales sin perder de vista elementos clásicos como los jefes finales o los niveles secretos.

… a buscar con ahínco los pergaminos perdidos.

En efecto, es necesario y es importante detenerse de vez en cuando, echar una mirada hacia atrás y contemplar el camino recorrido para ver, de una parte, como han evolucionado los plataformas. Tanto es así que para hablar de Wukong, era necesario poner nuestras miras en la franquicia protagonizada por estos mamíferos marsupiales del género extinto Crash. Después de todo, la obra desarrollada por la gente de A Tale of Games basa su jugabilidad en correr, saltar, golpear y esquivar peligros, normalmente corriendo hacia el fondo de la pantalla o en niveles de desarrollo lateral, aunque hay excepciones.

Jugablemente, Wukong es lo más parecido a un viaje en el tiempo. Un viaje en el que tenemos que explorar cada rincón de los ocho niveles que componen la aventura para encontrar todos los dragones y pergaminos perdidos. Eso y enfrentarnos a los distintos desafíos que se interpondrán en nuestro camino. Bajo esta premisa, no es tan fácil como parece coger algo que era divertido hace 20 años y adaptarlo a los tiempos que corren, pero al final, el juego de marras resulta divertido, bonito y accesible.

Una pastilla para la nostalgia a golpe de bastón que vuela siempre arriba.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por PlayStation Talents.

Por eso, los malos recuerdos, las vivencias negativas o adversas forman parte de lo que somos. Son nuestra historia. De este modo, tanto si lo queremos como si no, las personas estamos formadas de experiencias positivas como las que se hilan en nuestra cotidianidad, y también de esos hechos complejos sucedidos en un pasado aún reciente.

El ojo tras la lente

A través de una vista en primera persona, TAPE: Unveil the Memories nos echa una mano para así sumergirnos con su sorprendente capacidad para grabar, reconstruir, evocar y olvidar. A este respecto, sirviéndose de una trama sencilla como punto de partida, pero que no está exenta de oscuros secretos. Una trama que se desarrolla a través de Iria, parte protagónica de esta aventura. Una chica de pueblo que un día recibe una cinta VHS de su padre pidiéndole ayuda, obligando a esta a sumergirse en sus recuerdos. 

Y para tal fin, tenemos que valernos de una vieja videocámara que representa la captura de un momento, una esencia, un suspiro. Una herramienta que no solo es capaz de ofrecernos pedazos de historias que parecen recuerdos lejanos, sino también de captar aquello que no debe existir en el plano en el que nos movemos, siendo de particular importancia para la resolución de varios rompecabezas. De alguna forma, es un formato que late en el fondo de su estructura y que enfrenta esa sensación de indefensión que pone en peligro la integridad física o psicológica de nuestra protagonista frente al horror.

TAPE: Unveil the Memories, el poder de la atmósfera

El terror nos excede. Juega con nuestra razón y nuestras emociones. Invade cada poro de nuestro cuerpo y nuestra psiquis, nos paraliza. Es una sensación de permanente amenaza sobre vida y cuerpos, que aparece de manera esporádica e impredecible en la consciencia. El género de terror no se define por sus arquetipos y puesta en escena, sino por las emociones que genera en la persona. Dicho de otra manera, su propósito final es generar esa parálisis de manera controlada.

En este sentido, TAPE: Unveil the Memories trata de conducirnos a la explicación y comprensión de la realidad, aun cuando algo extraño e inexplicable consigue romper los esquemas racionales conocidos, haciendo que el resultado sea lo más parecido a la inquietud. Todo esto está pensado para crear en el jugador la sensación de miedo. Porque la puesta en escena de la obra que nos ocupa juega con la psicología del jugador, utilizando elementos del decorado, la atmósfera y la música para acentuar el misterio de lo que se oculta tras la aparente normalidad. 

Además, ofrece un homenaje a todas esas películas que han marcado generaciones enteras y que han desatado el terror por doquier, desde “La Profecía” hasta “La semilla del diablo”, creando un puñado de estampas en donde la tensión se palpa en cada plano y el miedo no se fuerza, se crea.

El monstruo que acecha

Los videojuegos suelen presentar una variedad de monstruos con patrones de comportamiento únicos, los cuales pueden aparecer de forma inesperada o repentina. De la misma forma, los niveles a menudo están diseñados con secuencias de comandos donde los enemigos caen del techo o se estrellan contra las ventanas.​ 

Por supuesto, los videojuegos de terror y supervivencia, como muchos videojuegos de acción y aventura, se estructuran en torno al encuentro del jefe, donde el jugador debe enfrentarse a un oponente formidable para avanzar a la siguiente área. Estos encuentros con el jefe dibujan elementos de los antagonistas vistos en las historias de horror clásicas, y derrotar al jefe hace avanzar la historia del videojuego, aunque no es un elemento esencial derrotar al jefe, y suelen existir métodos para evadir el enfrentamiento, o escapar de la batalla.

TAPE: Unveil the Memories también destaca por su aspecto amenazador, si bien, se plasma de una manera diferente, dado que aquello que nos amenaza se muestra implacable como la enfermedad y está ahí para dejarnos claro todo aquello en lo que fallamos.

Recuerdos oscuros y secretos revelados

Los recuerdos modelan nuestras acciones, nos acompañan y nos dan sentido del yo. Sin recuerdos, no sabríamos quiénes somos, como fuimos alguna vez, ni quienes desearíamos ser en un futuro memorable. Somos la suma de nuestros recuerdos. Nos proporcionan un sentido privado y continuo del yo. Los recuerdos compartidos nos unen a nuestros seres queridos, vecinos y contemporáneos.

Si perdemos la memoria, quedamos a la deriva de un mundo ajeno, y juegos como TAPE: Unveil the Memories ponen de manifiesto la capacidad mental a la que más recurrimos, y a la que mayor esfuerzo exigimos, por medio de una obra videolúdica en la que recuperamos imágenes y escenarios del pasado, conservando nuestras experiencias y emociones, y elaborando una historia personal.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por BlackChiliGoat Studio.

De la misma manera, el cine y la industria del videojuego siempre han tenido cierta predilección hacia todas esas obras protagonizadas por mansiones encantadas. Lugares malditos en los que ha sucedido algo terrible y en los que sus habitantes no pueden vivir en paz, desde Maniac Mansion y Alone in the Dark hasta Luigi ‘s Mansion y Resident Evil. En resumidas cuentas, son edificios que nos ponen los pelos de punta solo con pensar en ellos; y juegos como Insomnis ponen de manifiesto un escenario que nos lleva una y otra vez a espacios comunes que no deja de alterar y remezclar para generar sorpresas, con ciertos sustos al pasar de nuevo por lugares que considerábamos tranquilos.

Sin muchos preámbulos a la hora de hacernos a los mandos, el juego que nos ocupa nos sitúa en un escenario en el que asumimos el papel de Joe Castevet, nieto de un famoso científico inglés llamado Roman Castevet que dedicó toda su vida a la investigación, quien hereda una mansión con algunos secretos que están a punto de revelarse. Bajo esta premisa, nos vemos inmersos en una aventura amparada en la necesidad de avanzar y en la que nada es lo que parece ser.

La arquitectura del terror en Insomnis

Los escenarios donde se desarrollan los videojuegos tienen un papel fundamental en las diferentes tramas y en la forma en que el/la protagonista tiene que resolver los rompecabezas. Aunque entre ellos abundan los paisajes naturales y artificiales, que incluso imitan algunos ya existentes, tampoco escasean las casas diseñadas para un fin determinado que se han grabado en nuestras retinas a fuerzas de varias partidas. A este respecto, para que podamos sentir casi cualquier sonido y así saltar de miedo en cualquier momento.

En otras palabras, los espacios de Insomnis están diseñados con el terror en mente, atravesando la coraza de nuestra racionalidad para ir directo a nuestras emociones atávicas, pero también desde un punto de vista analítico producen demonios: son lugares que, al igual que los fantasmas internos que nos acosan, están condenados a permanecer como una mera sombra de lo que fueron, manteniendo su aspecto pero perdiendo el control sobre su propio ser.

Y pese a que la obra desarrollada por la gente de Path Games no nos muestra ese implacable horror que sí que amenaza con devorarnos en muchas otras propuestas, trae a cambio ese miedo existencial, prácticamente intangible, que elige combinar suspenso y anticipación en el transcurso del mismo.

El sonido en los videojuegos

Es común escuchar que la imagen lo es todo, pero ¿qué importancia le damos al sonido en los videojuegos? El ejemplo más claro para medir la importancia del sonido lo vemos en el género de terror, ya que es el que está más interrelacionado e interdependiente con el mismo. El sonido fluye con las sensaciones y más aún, las genera y estimula, convirtiéndose en una herramienta fundamental de la gramática del videojuego.

Dicho de otra manera. Es algo que nos hace saltar, que funciona como un gatillo, una vía de escape y de advertencia que explora los terrores más escondidos, y juegos como Insomnis nos manipula superponiendo tonalidades que dan como resultado armonías y acordes pocos convencionales y con sonoridades más bien extrañas. Y aunque no elude del todo cualquier tono maquiavélico o terrorífico en sus notas, resuelve de la manera más funcional posible cada uno de los pasajes con una música cerrada y atmosférica. 

Recorrido a pie por los secretos oscuros

Tan antiguo como el cine y los videojuegos son las mansiones encantadas a las que se mudan los más incautos en busca de un nuevo comienzo, pero que terminan descubriendo que las humedades, los ruidos y los desagües atascados no son lo peor a lo que uno se tiene que enfrentar. Por supuesto, el casoplón de Castevet esconde un oscuro secreto, y aunque a diferencia de otros títulos, este no ofrece una mecánica bastante recurrente y basada en la misma indefensión de la protagonista, la huida y el escondite, hace un uso muy inteligente de la tensión. 

Infunde temores gracias a la insinuación de una amenaza que, en ese momento, no está ahí. Al final, ese es el verdadero terror de Insomnis.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PC y PlayStation 4 facilitadas por Path Games.