Y si no, que se lo digan a propuestas como Söldner-X 2: Final Prototype Definitive Edition, un juego de disparos de desplazamiento lateral que abraza con mucho fervor todo aquello que define al género antes nombrado: desde su sofisticada narrativa de ciencia ficción hasta el intercambio estratégico de armas y gratificantes mecánicas de potenciadores (power-ups) inspiradas en los clásicos del género. No hablamos de un juego que desbanque necesariamente a propuestas como Gradius V o a R-Type Delta de sus tronos, pero sí de una propuesta que goza de unos valores de producción impropios para un juego de su estilo (al menos en nuestros días) y que ofrece exactamente lo que se esperaba de él.

Disparos galácticos muy espectaculares

Una propuesta que nos invita a superar varias misiones en las que, básicamente, tenemos que mantenernos con vida para dar su merecido al jefe final de turno. Así de simple… pero no de sencillo, eso os lo podemos asegurar. Y es que como buen shooter tradicional y, también, como representante del género anteriormente mencionado, el nivel de dificultad que posee el juego es muy elevado. Sí, existen varios niveles de dificultad elegibles, pero incluso en el más fácil, no resulta sencillo pasar del tercer o cuarto nivel. Un desafío con el que los usuarios más expertos van a poder darse un festín porque, además, se trata de una experiencia muy rejugable y gratificante en su mayoría.

El desarrollo es el que todos esperábamos, sin ninguna modificación básica relevante, algo que gustará mucho a los puristas pero que, también, puede ser criticado por su falta de innovación y ambición en este sentido. Simplemente, tenemos que ir acabando con todo ser viviente que se deja ver en pantalla con el armamento que vamos acoplando a nuestra nave mediante potenciadores varios, algunos útiles y otros puramente de prestigio.

La clave, sobre todo, reside en una explosión que afecta a los rivales que tenemos cerca y un salto al hiperespacio .-que barre a los enemigos que hay en la pantalla en ese momento-. Por supuesto, la estrategia en su uso es clave, sobre todo si queremos cargarnos a un jefe final.

Y sin ser una exhibición de músculo técnico, todo lo que se ve en pantalla es muy agradable de mirar, con mención especial a un uso de la luz que va mucho más allá de lo que hemos visto hasta ahora en este tipo de juegos. Bien es cierto que se aprecia alguna gotera aquí y allá, pero el acabado general de todo el juego está entre lo mejor que hemos visto en esta vertiente horizontal del shoot’em up los últimos años, y es algo que ha evolucionado mucho en la escena independiente.

Un shooter clásico en todos los sentidos

Dicho de otra forma. Si de algo no puede presumir este Söldner-X 2: Final Prototype Definitive Edition es de ofrecer un esquema de juego variado y, menos todavía, dotado de ciertas innovaciones en relación a lo expuesto por otras propuestas similares. Pero dejando la escasa originalidad en el planteamiento de lado, estamos ante un muy buen título dentro de este género tan veterano como, actualmente, bastante marginal. Una propuesta que goza de unos valores de producción impropios para un juego de su estilo (al menos en nuestros días) y que ofrece exactamente lo que se esperaba de él. 

Eso sí, nos hubiera gustado encontrarnos con niveles mejor perfilados y más arriesgados en su diseño y, más si cabe, con enfrentamientos finales más memorables. Pero a pesar de estas pegas que no comprometen la experiencia en cuestión, estamos encantados de poder disfrutar de un nuevo título que reverbera lo mejor de franquicias como R-Type.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por EastAsiaSoft.

Y no es que el gigante asiático sea punto y aparte en esta industria, ya que, según reporta el portal de noticias Xinhua, para el 2023 se registraron unos 668 millones de jugadores en dicho país, lo que representó un nuevo récord para ellos. Y en ese mismo año sus ventas en videojuegos alcanzaron unos 42,700 millones de dólares (recordando que muchos juegos, sobre todo para celulares, son gratuitos). Lo que ubica a China, bajo datos de la página de estadísticas Statista, como el segundo mercado del mundo en la industria de los videojuegos, solo por detrás de Estados Unidos y seguido por Japón.

Black Myth: Wukong fue producido y desarrollado por Game Science. Según TheChinaAcademy.org, marca un hito en el desarrollo de videojuegos para la industria de China, que hasta hace no mucho tiempo estaba dominada por desarrolladores de juegos online de baja calidad. Y aunque estos juegos requieren un desarrollo sustancial y costo, con muchos recursos dedicados a los gráficos, la historia y la jugabilidad, que hacen que el desarrollo se prolongue para alcanzar el éxito, hay otras propuestas más humildes que tienen mucho que decir al respecto.

Mitos y leyendas de China

No hay muchas franquicias que puedan presumir de llevar 30 años en la industria del videojuego, pero Xuan-Yuan Sword es sin duda una de ellas. Por desgracia, todos sus intentos por mejorar su notoriedad más allá de sus fronteras han quedado relegadas al reino de las sombras. Porque si The Elder Scrolls está considerada como una de las sagas más emblemáticas del género rol occidental y la serie de videojuegos Final Fantasy es una pieza clave para comprender los JRPG, la obra creada por la gente de DOMO Studio y SOFTSTAR tendría una importancia similar en China.

Una obra que se inspira en gran medida en dos géneros particulares de la ficción china. Por un lado, el género “Shenmo”, un estilo de escritura cuyas raíces se encuentran en cuentos y leyendas tradicionales, y cuyos ejemplos más conocidos son Viaje al oeste y La investidura de los dioses. La otra gran inspiración proviene del género “Wuxia” que literalmente significa caballeros de artes marciales, y que hace referencias a todas esas narraciones épicas situadas en el pasado y protagonizadas por héroes generalmente ficticios, los cuales viven enormes aventuras relacionadas con episodios relevantes de la historia imperial de China.

Así pues, todas las entregas de Xuan-Yuan Sword nos ponen delante de un grupo de artistas marciales que se ven obligados a derrotar a un gran mal, y al igual que otras iteraciones de enorme renombre, esta ha ido evolucionando considerablemente a lo largo de los años, aumentando la sofistifación gráfica y una ofreciendo una jugabilidad algo más elaborada, concebida originalmente como un juego de rol por turnos muy similar a los Dragon Quest. El resto de entregas pasaron de las tradicionales batallas antes nombradas a un sistema al estilo con grandes reminiscencias al visto a partir de Final Fantasy IV. 

Viaje al Oeste

Y el resto es historia, puesto que Xuan Yuan Sword: The Gate of Firmament da otra vuelta de tuerca en pos de ofrecenos una entrada en la longeva serie RPG basada en una mezcla de historia y mitología china. Una entrada que innova con la presentación en 3D y el combate en tiempo real, al tiempo que conserva y evoluciona los elementos por los que la serie ha sido venerada durante tantísimo tiempo.

Hace mucho tiempo, el Emperador de Jade abrió las puertas del cielo para que los mortales dignos pudieran apelar a él y obtener poderes divinos para ayudar en la búsqueda de la hija perdida del emperador. Sin embargo, este don sagrado fue explotado y abusado, sembrando el caso en el reino de los mortales. Las puertas del cielo tuvieron que volver a sellarse para protegerse de un desastre mayor, pero desde entonces, ningún mortal ha podido ascender y ningún dios ha podido descender a voluntad para ayudarles.

Ahora depende de un pequeño grupo de héroes del reino de los mortales, cada uno con sus propias motivaciones y liderados por el joven Sikong Yu, intentar tender un puente entre los reinos antes de que la paz se rompa para siempre.

El cambio en la potencia mundial dominante

Sí, el componente histórico siempre ha sido importante en la franquicia de marras y esta séptima entrega no es una excepción, si bien, la unión de los lazos familiares, así como la enésima lucha para combatir a ese terrible mal, conforman la mayor parte de un relato cargado de imaginería y un semillero infinito de inspiración. Y pese a que Xuan Yuan Sword: The Gate of Firmament arrastra problemas como bajadas en la tasa de fotogramas, también supone toda una declaración de intenciones y una muestra de que los estudios chinos y en general en la industria de videojuegos en China no han mostrado todas sus cartas. 

Sumado a una dirección artística fascinante y tensos combates en donde la gestión de nuestros recursos resulta indispensable, Xuan Yuan Sword: The Gate of Firmament es una experiencia muy satisfactoria y una buena puerta de entrada si nos quedamos con ganas de jugar otros capítulos.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation facilitada por EastAsiaSoft.

Aunque la premisa parezca básica, los creadores de ‘otome’ y los guionistas de los juegos —en su mayoría mujeres— pasan muchas horas intentando que el romance que funciona como aliciente principal parezca realista. Además, la mayoría de los títulos se caracterizan por presentar tramas muy elaboradas, con otros elementos destinados a captar la atención de la jugadora más allá de la relación romántica.

Títulos como Hakuoki: Chronicles of Wind and Blossom, una recopilación remasterizada de Hakuoki: Edo Blossoms y Hakuoki: Kyoto Winds, dos de los títulos más populares de la aclamada serie otome japonesa. 

Historia de Japón en el siglo XIX

Un recopilatorio que nos narra las peripecias de una joven (a quien llamaremos Chizuru Yukimura, aunque el nombre —nunca el apellido— se puede cambiar nada más comenzar la partida) que deja su pueblo natal para viajar a Kyoto vestida con ropa de hombre en busca de su padre, que había dejado de enviarle cartas de repente. Allí sufre el asalto de unos bandidos y, al huir, presencia cómo unos hombres de cabello blanco y ojos rojos, enloquecidos por su aparente sed de sangre, acaban con sus perseguidores. 

Por suerte o por desgracia, aparecen unos individuos pertenecientes a una organización —el Shinsengumi— que se ocupan de esas bestias de apariencia humana y se llevan a Chizuru a su cuartel general porque aquello que acababa de presenciar debía permanecer en secreto. A partir de este momento, la vida de Chizuru queda entrelazada con la de los miembros del Shinsengumi, que jugarán un papel importante en la revolución social y política que tiene lugar en el país del sol naciente en los años venideros. 

Y es que, en el caso de Hakuoki: Chronicles of Wind and Blossom, este se desarrolla en un periodo de cambio profundo de la sociedad japonesa, en la segunda mitad del siglo XIX. Esto hará que la historia que el juego nos presenta esté llena de acción, incertidumbre y, evidentemente, cierta violencia. Dicho de otra forma, es una obra en la que no sólo atravesamos situaciones románticas, sino también eventos inspirados en la historia del país asiático.

La secuencialidad narrativa de las novelas visuales

Un fenómeno psicológico curioso es que tendemos a asociar conceptos por su semejanza, y a ignorar datos objetivos. Es algo que se forma debido a una combinación de hasta tres elementos, que van desde los atajos mentales, pasando por la influencia social y terminando por la influencia emocional. Esta especie de combinación se produce cuando la acción de crear una vinculación entre objetos y/o ideas viene auspiciada por nuestra experiencia o percepción particular. Por ejemplo, tendemos a seguir las ideas y los comportamientos del sector al que pertenecemos aún a sabiendas de que tenemos delante evidencias de que son erróneas.

Así pues, ¿por qué deberíamos pensar que Hakuoki: Chronicles of Wind and Blossom nos propone un acercamiento a la animación japonesa en vista del bronceado que lleva? ¿Por los arquetipos iconográficos masculinos universales? Llenos de estereotipos y prejuicios, es inevitable dejarse llevar por lo que nos dicen las apariencias externas y por eso que la obra que nos ocupa establece por mecanismos de deformación, exageración, generalización o simplificación un proceso de impresión visual que refleja la cultura y las tradiciones japonesas. Se regodea con sus reinterpretaciones y el juego sabe cómo aprovecharse de ello.

Viaje en el tiempo romántico

A diferencia de otro tipo de juegos, las novelas visuales tienden más a enfocarse hacia la trama y a la caracterización, y no tanto a la interacción. Los puntos de precisión son sobre todo una narración similar a la de una novela tradicional auspiciada por un conjunto de elementos que hace que la experiencia sea más cercana al jugador, puesto que estos elementos que son principalmente visuales y sonoros facilitan la creación de imágenes mentales sobre los sucesos que se narran. En otras palabras, es casi como un estilo literario y Hakuoki: Chronicles of Wind and Blossom usa este recurso hasta las últimas consecuencias.

Tanto es así que su capacidad de inmersión tiene una fuerte carga emotiva y afectiva, pues a pesar de que los escenarios y personajes sean en 2D, con una estética a la usanza del anime, tiene elementos que logran involucrar al jugador por medio de las emociones que lo conectan con el relato.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por EastAsiaSoft.

Es un juego agradecido con tu tiempo, ofreciendo una experiencia finamente destilada en más de 300 niveles que resultan cortos y rápidos, pudiendo explorarlos a tu ritmo, a ratos o en largas sesiones, según tu disponibilidad y preferencias.

En otras palabras, hay algo muy satisfactorio en superar niveles en este juego, que tiene mucho que ver con un extraordinario diseño de niveles y un gran sentido del movimiento, el salto y la inercia, todos los elementos primordiales de un plataformas que se inspira en los grandes clásicos atemporales como Mega Man, Ghost and Goblins y o Super Mario Bros. 

Dicho esto, lo hemos visto en muchos casos: a veces un juego (o un grupo de juegos en las mismas fechas) son tan influyentes que sientan las bases de un estilo, un diseño o desarrollo. No es necesario que innoven: simplemente basta con tomar algunos géneros, dar la vuelta o llegar a niveles de calidad que pongan un nuevo listón. Tenemos los metroidvania, en honor a Metroid y Castlevania, Resident Evil bautizó su mezcla de acción y terror con el survival horror, y Edmund McMillen, artista y diseñador con una vida dura dentro de una familia disfuncional, asolada por las drogas y el alcohol, sentó cátedra hace más de una década con Super Meat Boy. 

Desde entonces, multitud de plataformas 2D beben de sus señas de identidad, y es complicado no encontrar guiños a este en lanzamientos como Froggie – A Retro Platformer, un juego de desplazamiento lateral con gráficos en blanco y negro en el que debemos atravesar 100 complicados niveles en la piel de una rana antropomórfica.

Frenesí y acción plataformera

El planteamiento general de esta obra es muy sencillo. A través de una serie de mundos divididos en diversas fases tenemos que tratar de llegar al final de la misma, ni más ni menos. Unos niveles, eso sí, que son auténticos infiernos y que ya desde la décima o undécima fase las cosas se ponen realmente complicadas, alcanzando tintes épicos en algunos niveles.

El control es de lo más simple. Corremos, brincamos y nos deslizamos por las paredes en la piel de una ágil rana Froggie. Poco más. Un manejo muy sencillo y, lo más importante, realmente preciso, siendo una auténtica gozada en ese sentido. Pero claro, los niveles están plagados de todo tipo de enemigos, obstáculos, precipicios y trampas que pueden acabar con nosotros de un plumazo. Y creednos, lo hacen… ¡una y otra vez! En cada partida lo normal es perder la vida cada pocos segundos. Reíros de juegos tipo soulslike porque en este sentido estamos ante una obra todavía menos «permisiva».

De hecho, muchas veces es necesario memorizar cada tramo del escenario y practicar la clásica técnica del ensayo y error para tratar de dar con la trayectoria o el camino que debe seguir nuestro personaje para evitar la muerte. Pero claro, una cosa es saber lo que tienes que hacer y otra tener la habilidad suficiente para lograrlo… Sí, a lo largo de los niveles podrás tocar banderas o atravesar puertas para establecer nuevos puntos de control. Pero no te preocupes mucho, puesto que eso no facilita necesariamente llegar al final de la meta.

Como en los viejos tiempos

Por lo demás, lo hemos pasado muy bien (dentro de su exasperante nivel de dificultad) tratando de superar los retos que propone Froggie – A Retro Platformer, algunos de ellos tan brutales que creemos que hemos perdido varios años de vida. Sin duda es un título dirigido a un sector de jugadores muy concreto, los cuales seguramente disfrutarán mucho con todo lo que les ofrece esta obra. Es un muy buen título plataformero de jugabilidad 2D y elevada dificultad.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por Eastasiasoft.

Una película estrenada en el año 2020 en la que un grupo de estudiantes monta una prueba de valentía como juego para retransmitir por internet y que el videojuego que nos ocupa, desarrollado por la gente de SOFTSTAR ENTERTAINMENT adapta hasta las últimas consecuencias, explorando los eventos relacionados con uno de los incidentes paranormales más conocidos de Taiwán, uno que tuvo lugar en el campus de la Universidad de Tunghu. Cuando 6 estudiantes deciden desafiar la leyenda urbana de una supuesta mujer fantasma que merodea por el lugar, activan una maldición que nadie sabe cómo detener.

Una historia de terror que no te dejará dormir

Por muchos es sabido que los videojuegos de terror reflejan el contexto, el cual está marcado por la cultura del miedo y la sociedad del riesgo, confirmándose así que las obras amparadas en el horror reflejan variables como la vulnerabilidad, el riesgo, la incertidumbre o la necesidad de supervivencia. Esta atmósfera de terror se consigue arrebatando el control sobre las amenazas al jugador, generando una situación de miedo permanente que, al igual que en la sociedad del riesgo y la cultura del miedo, el jugador no solo tiene que enfrentar los peligros reales, sino también, los potenciales e imaginarios.

En cierto modo, The Bridge Curse: Road to Salvation plantea una paradoja constante que afecta al raciocinio que el jugador durante la experiencia, pues no se trata de predecir los eventos aleatorios, sino de reconocer diversas formas del entorno y valorar la actuación en consecuencia. Tanto es así que la aleatoriedad puede presentarse de muchas formas, siendo la más común la referida a aquellos espacios que permanecen oscuros al tratar de encender una luz, pues esta puede o no funcionar.

Dicho de otra forma, el título que protagoniza estas líneas, que se desarrolla en primera persona, se sirve de la aleatoriedad para revertir la adaptación del jugador. Lo sitúan en una situación de peligro constante que ningún elemento puede revertir, y que está reforzada por elementos paranormales que rompen con lo terrenal del campus.

Asimismo, el encuentro con enemigos es parte sustancial del desarrollo de The Bridge Curse: Road to Salvation, pero no forma parte del objetivo principal de la experiencia. Al final, el propósito fundamental es la realización de diversas investigaciones amparadas en la recolección de los elementos necesarios para la resolución de rompecabezas, es decir, desafíos del entorno que permiten abrir nuevas zonas, obtener recursos relevantes y/o encontrar cuestiones pertenecientes al argumento. Por ende, aunque el espacio se estructure como un elemento amparado en lo desconocido, la determinación sobre su recorrido y desarrollo pertenece al entendimiento y desempeño del jugador.

The Bridge Curse: Road to Salvation, la esencia del terror asiático

La reconstrucción parcial de la historia previa a los acontecimientos de The Bridge Curse: Road to Salvation es una mecánica de articulación de la narración que reorienta las decisiones constantemente. Condiciona muchas de las nuevas decisiones y reorienta narrativamente la historia y la experiencia.

En resumen, determina estéticamente la experiencia de juego, condicionando su desarrollo. Una experiencia que recoge de manera muy clara el rostro asiático del terror, el de la impotencia de lo humano frente al manejo de luces y sombras, el tenue viento que sopla, los bultos negros, las imágenes fantasmagóricas que se reflejan en una televisión apagada y los ruidos extraños, y cuya duración tiene en cuenta multitud de factores importantes, como el tipo de jugador que seas.

Una experiencia en la que no existe una frontera entre el bien y el mal, sino que todos forman parte del mal y la verdadera frontera está entre los que pueden vivir con ello y los que no.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por EastAsiaSoft.

Probablemente, su simbología se obtuvo a partir del cielo, donde los siete planetas clásicos forman un todo: el septenario. El Sol, la Luna y los planetas visibles: Mercurio, Venus, Marte, Júpiter y Saturno. La inmensa mayoría de símbolos de siete elementos en el mundo derivan de este modelo celeste de las siete esferas. Por otro lado, el número 7 está presente en la semana compuesta por siete días y en las fases lunares que duran siete días cada una y, a través de las cuales, surge el mes. Además, siete son los colores que componen el arcoíris y otros elementos de la naturaleza.

En resumidas cuentas, el número siete es un número muy popular, se le considera especial, relacionado con la perfección, con la naturaleza e incluso con las deidades, motivo por el cual aparece frecuentemente en la mitología y en la religión. En Japón, esto no es necesario, y algo habrá tenido que ver el número de marras en el desarrollo de Mugen Souls, un JRPG de estilo anime en el que tomamos el control de varios personajes.

Un JRPG en el que acompañaremos a Chou-Chou en su misión de conquistar el universo y sus siete mundos. Como veis, el número 7 representa la totalidad del juego que protagoniza estas líneas; la conciencia, lo sagrado y la espiritualidad que se desarrolla a lo largo de la aventura.

Clasicismo, tradición y modernidad

El desarrollo de Mugen Souls es el habitual en muchos otros juegos: parte novela visual –abundante diálogo- y rol de mazmorras. Esto se traduce en una diversión directa, un sistema de combate por turnos ágil, toneladas de carisma –otra cuestión es que conecte contigo este humor puramente japonés-, aunque también es marca de la casa un apartado gráfico modesto que revierte en escenarios repetitivos, sin demasiado incentivo para la exploración. Sabiendo lo que se puede pedir a un Compile Heart e Idea Factory, la obra se disfruta sin demasiados complejos.

De la misma manera, el posicionamiento en el campo de batalla tiene sus efectos beneficiosos, así que dependiendo de la formación –y una serie de requisitos- podemos activar habilidades exclusivas. Dicho de otra manera, la libertad de movimientos tiene más sentido que antes, donde apenas servía para hacer efectivo el rango de nuestras armas –o evitar daños del rival-.

En resumidas cuentas, Mugen Souls parece simple, pero se puede complicar tanto como deseemos. Es profundo y muy personalizable, ya que podrás configurar tu grupo adaptándolo a tu estilo de juego. Además, entran multitud de variables en juego, como la posición de los compañeros para ejecutar combos y ataques especiales.

El poder de la negociación

Saber negociar es una habilidad indispensable para ser eficaces en la resolución de conflictos. Una negociación buena o mala puede llevarte a un gran éxito o un completo fracaso. Hoy en día, en una sociedad marcada por el constante cambio, los conflictos son cada vez más comunes. Esto crea la necesidad de dominar las habilidades de negociación y la aplicación de métodos de resolución de conflictos.

Mugen Souls trae toneladas de contenido, pero una cosa que lo diferencia con respecto a muchas otras propuestas son las “negociaciones”. Negociar con un enemigo depende de varios factores, pero básicamente, todo lo que tenemos que hacer es fijarnos en la personalidad de este para intuir el tipo de respuestas que debemos darle para que nos acepte. Por poner un ejemplo, si nos encontramos con un enemigo de aspecto sadomasoquista, insultarle y humillarle puede ser una buena forma de conseguir esclavizarlo.

Ni arriesga ni busca reinventar la rueda

Mugen Souls es una buena aventura de rol que nos puede enganchar algo más de unas diez horas, aunque si somos personas sumamente perfeccionistas, la duración puede aumentar de manera sensible. Es un juego relativamente accesible, aunque su sistema de combate es más complejo de lo que parece, sobre todo si no se domina el tema de las formaciones. No tiene nada que lo haga destacar muy por encima de otros juegos del género, pero casi todo lo que ofrece es bueno, y sabe hacer bien las cosas.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por Eastasiasoft.

Si bien muchas propuestas usan esta historia como telón de fondo (tanto en el cine como en la literatura y los videojuegos), cada una se cuenta de manera única, desde diferentes perspectivas y está llena de giros y vueltas. La mayoría de las veces, las personas desaparecidas se recuperan al final, pero el público parece no tener suficiente de seguir al personaje principal, ya que son testigos de cómo se encontrará exactamente a los desaparecidos. Precisamente, eso es lo que nos propone Cions of Vega, una obra en primera persona protagonizada por un hombre que busca desesperadamente a su hija desaparecida.

Una obra en la que pasaremos mucho tiempo caminando, buscando pistas dentro de las casas y otros lugares, con el fin de dar con el paradero de Leila. Si bien, hay mucho más de fondo de lo que parece a simple vista, pues también se hace mención a una secta cuyas creencias, rituales y alabanzas generan mucha curiosidad.

La importancia del camino

Avanzar y quedarnos prendidos de un escenario o maravillarnos por determinados encuentros que se puedan suceder o escenas trágicas que nos llevan a un grito mudo o suficientemente audible. Observar como un camino nos ha llevado hasta allí y la importancia que ha tenido para empatizar con un entorno, un personaje o el propio videojuego como concepto: ese probablemente sea uno de los grandes pilares en los que se sostiene una obra.

La capacidad de conexión que puede llegar a sentir el jugador con un universo que se abre a sus ojos es algo sencillamente mágico que, aunque puede ocurrir en cierta medida, rara vez se alza como un escape, una segunda casa a la que acudir cuando estamos cansados de permanecer en la realidad y pensamos que es una comedia de mala calidad. La conexión con un universo de una u otra forma se ejemplifica siempre en una conexión que requiere tiempo aunque en un primer instante nos pueda dejar con la boca abierta.

Cuando un jugador llega a un título como Cions of Vega, entiende perfectamente que el mensaje básico, el captable, aquel que queda como algo obvio, es el de avanzar de forma inexorable a lo largo de unos escenarios cuyo silencio solo se ve interrumpido por el movimiento del viento, las pisadas de nuestro protagonista y poco más. En la obra de Tonguç Bodur se descubre perfectamente una constante que sucede con muchos juegos. La ejemplificación de una obra que basa su mayor atractivo en el camino, en las experiencias sucedidas a través de este y de cómo logramos apreciar todo aquello que nos rodea.

Caminando en los límites del videojuego

Aquí, el jugador se hace uno con el escenario a medida que avanza por él y conecta con sus zonas más exuberantes (otras no tanto). Dicho de otra manera, la importancia del camino y de cómo influye en el jugador para entender todo lo que experimentamos, cómo conectamos con el título o los personajes, es esencial en Cions of Vega, que rechaza las mecánicas clásicas de otras propuestas para apostar por una narrativa intensa y unos paisajes desbordantes de personalidad.

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 4/5 facilitada por Eastasiasoft.

Y juegos como 41 Hours se amparan en esta máxima, en el amor perdido. Concretamente, por medio de un juego de acción en primera persona en el que asumimos el papel de Ethan, un científico adicto al trabajo y con experiencia en combate que busca a su esposa desaparecida hace mucho tiempo. Un juego de acción que dedica muchos de sus esfuerzos en contarnos una historia que juega con los viajes en el tiempo, un todo compuesto de estadios situado en varios tiempos y lugares.

Por desgracias, las voces son, por así decirlo, un trabajo tan, pero tan nefasto, que es increíble como estropea el resto de esfuerzos de los programadores de Texelworks. Inconcebible que un producto así disponga de un trabajo tan indigno en este sentido. Casi criminal. Si nos preguntan por el peor doblaje de la historia, no tenemos ninguna duda, ese dudoso honor corresponde Age of Pirates: Caribbean Tales, pero este 41 Hours no se queda atrás.

Interesante por las posibilidades jugables que plantea

Un puñado de genios del estudio id Software inventaron el género de disparos en primera persona hace ya 30 años; y aunque allí no queda ya ninguna de aquellas leyendas, parece que en la memoria colectiva del estudio ha quedado grabada la secuencia del ADN puro del FPS. Velocidad. Adrenalina. Ruido. Valor por encima de precaución. Desenfreno y exceso. Entender bien al enemigo. Buscar sin piedad sus puntos débiles. El resto es todo adorno, cuestiones de estilo: quizá uno agradezca otras cuestiones o prefiera tal o cual enfoque, pero ésa es la esencia de la receta.

Por desgracia, en 41 Hours la sensación que dan las armas al disparar no es demasiado satisfactoria y ni mucho se puede comparar a las vacas sagradas del género como Doom, Call of Duty y Destiny. La inteligencia artificial de los enemigos tampoco ayuda a suavizar la experiencia: a veces los tienes a un metro de ti, mientras te miran, y no te disparan. Otras, un francotirador que está a medio kilómetro dispara sin fallar un solo tiro mientras te mueves a toda velocidad.

Todo esto no quita que jugar a 41 Hours sea divertido en ciertos pasajes, gracias a las habilidades que atesora nuestro protagonista y la misteriosa mujer que lo acompaña. Después de todo, Ethan y su compañera no solo pueden hacer uso de armas convencionales. También aprenden a manipular el tiempo, hacerse invisible, usar portales de tele portación y emplear habilidades telequinéticas contra las fuerzas paramilitares que lo separan de su objetivo.

Las buenas ideas con una mala ejecución no funcionan

Dicho de otra manera, la obra que protagoniza estas líneas hace algo que ya hacen bien otras tantas propuestas del mismo estilo, un juego que es muy dinámico, que no renuncia a una historia encorsetada con sus viñetas al estilo cómic, pero que deja la libertad suficiente al jugador para que lo haga con su propio estilo.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por Eastasiasoft.

Como en los demás aspectos del país, China ya rivaliza a nivel mundial con cualquier otra potencia en lo que a videojuegos se refiere. Y aunque la cultura suele ir detrás de la industria, lo cierto es que China está exportando cada vez más y mejor su producción, consolidando una corriente de desarrolladores que se han ido adaptando a un público de alcance internacional, y donde franquicias otrora tan desconocidas como Sword and Fairy ya no se limitan al mercado que protagoniza estas líneas.

Al fin y al cabo, Sword and Fairy: Together Forever, una aventura que fusiona la mitología antigua con la estética oriental tradicional y que nos pone al frente de un entrañable grupo de personajes, es lo más parecido a una puerta mágica entre dos culturas. Dicho de otra manera, la obra desarrollada por la gente de Softstar no solo se mueve entre dos continentes tan distintos como el día y la noche, sino sobre una riqueza de culturas que abre una puerta entre oriente y occidente.

La fluidez del acero

Uno de los géneros más clásicos son los JRPG por turnos. Los juegos de rol lanzados desde el país del sol naciente son casi un género en sí mismo y nos han traído muchas alegrías en la historia de los videojuegos, con algunas obras tan importantes como Xenoblade, Final Fantasy o Persona, por nombrar algunas de las más representativas en los tiempos que corren. Aún así, es un género de nicho. De hecho, muchos JRPG luchan por alcanzar números de ventas específicos, especialmente en occidente, por lo que es de agradecer que compañías como Atlus e incluso SEGA con Yakuza: Like a Dragon propongan mecánicas únicas y diferentes que le vienen muy bien a un género que no ha dicho su última palabra.

Porque hasta la llegada de Sword and Fairy: Together Forever, la franquicia de marras siempre ha apostado por los combates por turnos en el sentido más tradicional de la palabra. Si bien, con el fin de expandirse a nivel geográfico, la desarrolladora china ha decidido tomar otro cariz con la propuesta que nos ocupa. Una propuesta que introduce mecánicas de combate dinámicas en tiempo real con total libertad de movimiento y unas animaciones de habilidades fluidas. Aun con todo, da una lección de cómo combinar acción en tiempo real con la gestión y la estrategia habitual de las batallas por turnos.

Su funcionamiento es muy sencillo de entender, dado que todo se resume en que podemos movernos libremente por los escenarios, esquivar, defendernos y encadenar ataques básicos siempre que queramos. Quizá no lo parezca, pero la selección de todas estas acciones representan los auténticos “turnos” de estos combates, distando mucho de ser un simple “machacabotones”. Pero esto no acaba aquí, ya que existe la posibilidad de alternar el control entre los diferentes personajes de nuestro grupo.

Esto es muy importante por diferentes razones, pues cada uno de los personajes es un mundo y tiene unas características muy concretas, ya sea por la forma en la que atacan o por las posibilidades que les brindan sus habilidades personales. O dicho de otra forma: escoger bien a quién manejamos y qué hace cada luchador en todo momento es una parte fundamental de nuestra estrategia durante las batallas.

Una visión del género wuxia

El wuxia, que literalmente significa caballeros de artes marciales, hace referencia a narraciones épicas situadas en el pasado y protagonizadas por héroes generalmente ficticios —pero no siempre— que viven enormes aventuras relacionadas con episodios relevantes de la historia imperial de China. Hablamos de héroes que personifican las virtudes del confucianismo y que, además de diestros en la batalla, disponen de férreos principios morales. Para explicar mejor lo que exponemos, estos héroes serían el equivalente chino de las historias de samuráis en Japón o las novelas de caballería en Europa. 

El xianxia es similar al wuxia pero con la diferencia de que este incluye elementos fantásticos y mitológicos provenientes del folclore chino. Al igual que obras como El cantar de mio Cid en el contexto hispano o La saga de Erik el Rojo en Escandinavia, estas narraciones forman un pilar fundamental de la identidad cultural de China desde hace siglos. Y al igual que las obras antes mencionadas, suponen una enorme fuente de inspiración para la realización de obras como Sword and Fairy: Together Forever.

Una que además de su desbordante imaginería visual, responde a temáticas muy concretas con mensajes que invitan a la reflexión ética o a enseñanzas morales.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital de PlayStation 4 facilitada por Eastasiasoft.

Sin embargo, nunca podremos ceñirnos completamente a nuestro plan; no, al menos, mientras vivamos rodeados de otros seres humanos. Aspectos como el amor, el trabajo y la interferencia entre diversos designios son solo algunos ejemplos de cómo terceras personas pueden modificar nuestras expectativas previas, siendo necesario recalibrar la ruta que habíamos diseñado y, por qué no, replantearnos, incluso, el origen de nuestra existencia.

Sin comerlo ni beberlo, estas son las cartas que pone encima de la mesa Quintus and the Absent Truth, el título de Wreck Tangle Games, estudio de un único desarrollador, Orion Moon, en el que dependeremos de un simpático ratoncito para reconducir la vida del protagonista, Alan, y salvar a su hija.

Entre la profunda oscuridad

Como reza el dicho, cuando se cierra una puerta, se abre una ventana. Asemejado a las distintas etapas por las que pasamos a lo largo de la vida, el presente título se estructura en una serie de capítulos en los que alternaremos el control entre Alan y Quintus, el simpático ratón de la familia. Cada uno de estos fragmentos lleva asignado un título distinto, con adjetivos sinónimos de “perdido” o estrechamente relacionados con su definición, una pista de lo que nos vamos a encontrar en el juego.

Y es que, de una forma u otra, encarnamos a un músico que ha perdido su inspiración y, en cierto modo, su razón de ser. Los medios se preguntan qué ha sido de él, su discográfica se tira de los pelos ante las más que evidentes pérdidas económicas y él mismo se pregunta qué puede haber hecho para que, además, hayan secuestrado a su hija, Lydia.

Y por si fuera poco, se suma el hecho de que ha defraudado a su esposa, fallecida al dar a luz a la pequeña, al no poder cumplir la promesa de cuidar a su hija. Pues, a pesar de convertirse en una suerte de fantasma en la memoria del protagonista, la madre de Lydia juega un rol central en Quintus and the Absent Truth, uno que, si bien de forma indirecta, actúa como juez, jurado y verdugo.

Si sabes encontrar la luz…

Con un motor de la historia habitual en los títulos de terror, Quintus and the Absent Truth se centra en el juego de luces y sombras para guiarnos a través de los diferentes escenarios usando la primera persona. El diseño que ilustra a la perfección ambientes que encontramos en la vida real deja paso a poco más que un boceto en tres dimensiones cuando apagamos la luz, acentuando un sentimiento de desorientación que nos acompañará en toda la aventura.

Esto provoca que el ritmo de avance sea lento, teniendo que inspeccionar muy bien los contextos en busca del recoveco correcto en el que se encuentra la clave para seguir hacia delante. Entre tantas idas y venidas, nos daremos de bruces con elementos que, aun estando inmersos en una atmósfera tensa la mayor parte del tiempo, romperán la quietud de unos escenarios con mucho que contar.

En contra de lo que puedan parecer los primeros compases, el título que nos ocupa sorprende de cara, sobre todo, al tercer capítulo, pasaje en el que controlamos al propio ratón. Pese a que las mecánicas sean idénticas a los momentos en los que se controla al humano, el entorno se vuelve más imponente debido a la diferencia de tamaños entre el minúsculo Quintus y las estancias a recorrer.

Las apariencias engañan

Con una escueta historia que acaba sorprendiendo en sus compases finales, Quintus and the Absent Truth es un relato de lo que fuimos y la pérdida de caracterización que se arrastra, en ocasiones, con el paso del tiempo, principalmente por acontecimientos que no se pueden prever. Pero también es la viva imagen de que siempre queda algo por lo que luchar y a lo que dedicarnos en cuerpo y alma.

Es, a su vez, un reflejo de cómo moldeamos nuestro entorno para subsistir y lo que dichas modificaciones dicen de nosotros. De este modo, Quintus and the Absent Truth nos ofrece en todo momento una narrativa visual que no tiene pérdida y que ata todos los cabos durante su desenlace, construyendo una historia que, a su manera, deja con ganas de más.

Este análisis ha sido realizado gracias a una copia digital para Nintendo Switch facilitada por Eastasiasoft.