Entre estas joyas nacidas a golpe de código, la saga Castlevania tiene un recorrido que, a nivel argumental, recorre siglos de oscuridad y poderes santificados con una estética gótica tanto en lo auditivo como en lo visual que engancha a toda aquella persona que ose ponerse a sus mandos. No es de extrañar, pues, que estemos esperando el 15 de octubre como agua de mayo para conocer qué nos aguarda en su nueva entrega: Castlevania: Belmont’s Curse.

Un castigo divino

Konami, Evil Empire y Motion Twin se han aliado para brindarnos un nuevo Castlevania con nueva protagonista. Esta vez, controlamos a Rose Belmont, con todo lo que significa pertenecer a dicha familia. La presión por tener que salvar de forma ineludible el mundo se refleja, a su manera, en la maldición que recae sobre ella y en las medidas que ha de adoptar para que no acabe consumiéndola.

Belmont’s Curse no solo comparte título con la saga que nos ocupa, sino que tiene relación directa con el videojuego Castlevania III: Dracula’s Curse. Además, por si fuera poco, recupera a algunos personajes de la serie de animación de Castlevania –una adaptación libre, precisamente, de ese Castlevania III–, con quienes, probablemente, hayamos creado cierto vínculo a causa de su cercanía en el tiempo y de presentarse en un formato más accesible actualmente. Todo ello hace que la historia de Rose Belmont invoque nuestra presencia de forma, también, ineludible.

Y no es para menos, sobre todo teniendo en cuenta su estilo 2D lateral con un colorido sin parangón que se completa con una distribución del mapa que recuerda a los títulos más clásicos. Puede que la demo no tenga lugar en un castillo, pero los bajos fondos de un París medieval con sabor a mazmorras hará que no echemos de menos la grandilocuencia de otros escenarios. O lo consigue, al menos, hasta el final de la demo, donde llegamos a la superficie para tener frente a nosotros la famosa Notre Dame y darnos cuenta de que esto solo acaba de empezar.

Piensa deprisa y actúa rápido

El peso de controlar a una Belmont se nota, asimismo, en el combate. La base consiste en una arma principal y una serie de habilidades que iremos consiguiendo a medida que avancemos y que se pueden usar en función del maná que nos quede. Unas habilidades que vienen dadas, principalmente, por una baraja del tarot, la herencia de la madre de Rose que compila el poder de los arcanos para usarlos a nuestro favor y que permite potenciarlos cumpliendo una serie de requisitos. Aparte, el fiel látigo familiar supone un apoyo en batalla y un elemento clave para avanzar, constituyendo un elemento más de la estrategia. 

Con un estilo de combate ágil, no siempre cantaremos victoria a la primera, por lo que resulta recomendable –sino crucial– que el machaque de botones sea rápido y óptimo, además pensar rápido para usar el entorno a nuestro favor. No obstante, si lo de complicarse la vida no es lo vuestro, Belmont’s Curse ofrece una serie de opciones de accesibilidad en forma de un modo personalizado. En él, se pueden cambiar parámetros como el daño que infligimos y el que nos infligen, la cantidad de viales curativos a nuestra disposición o la cantidad de experiencia ganada, entre otros, además de existir una opción para, literalmente, evitar la muerte.

El compromiso de un legado familiar

En los aproximadamente 30 minutos de demo, Castlevania: Belmont’s Curse se vale para mostrarnos una carta de presentación con lo que tiene que ofrecer, que no es poco. La demo nos permite vencer al primer jefe y recorrer mínimamente el mapa a partir de una habilidad que conseguimos tras la victoria –en este caso, la capacidad de usar el látigo como un gancho–.

Si estáis dispuestos a adentraros en el París de finalísimos del siglo XV, Castlevania: Belmont’s Curse nos espera en Steam, Nintendo Switch, PlayStation 5 y Xbox Series X|S el 15 de octubre, con una edición física de mano de Meridiem.

Estas impresiones han sido realizadas a partir de la demo que se encuentra disponible en la PlayStation Store.

Sin embargo, hay una vertiente del cyberpunk mucho más silenciosa y aterradora que no se combate con armas en un callejón, sino en la intimidad de la propia conciencia: el transhumanismo como condena. La gran pregunta del género nunca ha sido solo quién controla la tecnología, sino qué parte de nuestra humanidad entregamos a cambio de adaptarnos a un mundo acelerado. Cuando el silicio reemplaza al tejido biológico y la memoria se convierte en datos procesables, la frontera de lo que nos define como seres humanos empieza a desdibujarse de forma irreversible.

Es en esta grieta existencial donde Eden Genesis, de Aeternum Game Studios y Tesura Games, encuentra su fuerza narrativa. En lugar de proyectar el caos hacia la ciudad, el juego decide cerrar el plano y enfocar la distopía en el interior de Leah, su protagonista. Sus implantes cibernéticos —concebidos originalmente para potenciar la mente— se han transformado en una infección mortal que destruye sus neuronas paso a paso. La metrópolis de neón ya no es solo el paisaje que la rodea, sino una prisión interna; el virus digital no amenaza a una red informática corporativa, sino a la integridad de sus propios recuerdos.

Esa desesperada carrera contra la muerte física se traslada con maestría al propio lenguaje del videojuego. La jugabilidad de plataformas de precisión y el ritmo frenético a contrarreloj dejan de ser un mero desafío técnico para convertirse en la manifestación física del colapso neuronal de Leah. Cada salto milimétrico, cada impulso y cada caída reflejan el esfuerzo agónico de una mente que intenta limpiar sus propios archivos corruptos antes de que el último destello de su identidad sea borrado por completo.

En ese viaje virtual, Eden Genesis logra que el cyberpunk recupere su dimensión más trágica y humana: la lucha desesperada por no convertirse en una máquina más dentro del engranaje.

Mecánica y degradación: cuando el cronómetro es el latido de la mente

En la mayoría de los videojuegos de plataformas de precisión, la muerte y la repetición son simplemente reglas de diseño: cometes un error, caes al vacío, reapareces en el punto de control y vuelves a intentarlo hasta perfeccionar la secuencia. Sin embargo, en Eden Genesis, esta mecánica habitual se tiñe de una carga narrativa profunda. La enfermedad que carcome a Leah no es un simple recurso del guion expuesto en cinemáticas, sino la fuerza invisible que moldea cada segundo de control en las manos del jugador.

La degradación neuronal de la protagonista se traduce mecánicamente en una urgencia implacable. El juego adopta una estructura de speedrun donde el tiempo no es un marcador para presumir en una tabla de clasificación, sino la representación exacta de la esperanza de vida de Leah. Cada prueba virtual es una simulación de limpieza sináptica; si el jugador duda, se frena o ejecuta un movimiento con torpeza, no solo pierde segundos en el cronómetro, sino que permite que la corrupción digital gane terreno en el cerebro de la protagonista.

Esta constante búsqueda del flujo perfecto crea un paralelismo casi simbiótico entre la memoria del jugador y la memoria de Leah. Para superar las secciones más complejas del mapa, el jugador se ve obligado a recurrir a la memoria muscular: una ejecución instintiva, depurada y sin margen de duda donde la mano responde antes de que el pensamiento consciente procese el obstáculo. Irónicamente, mientras el jugador ejercita y perfecciona esa respuesta neural en el mando, Leah lucha desesperadamente en la ficción para que sus conexiones sinápticas no se desmoronen.

Las fallas de precisión, el ensayo y error frenético y la satisfacción de trazar una ruta impecable dejan de ser meras mecánicas de juego. Son el latido de un sistema nervioso en crisis, donde dominar el movimiento es la única forma de evitar que la mente de la protagonista se convierta en ruido blanco.

La distopía cyberpunk hecha juego en Eden Genesis

Eden Genesis logra alzarse como un testimonio de cómo la jugabilidad y el guion pueden fundirse en una sola voz. Al desnudarse de los artificios habituales del cyberpunk para concentrarse en la decadencia íntima de su protagonista, el juego transforma una distopía futurista en una historia sobre la memoria, la identidad y la fragilidad de nuestra propia mente.

Al final, su verdadera fuerza reside en convertir la exigencia del mando —el ritmo frenético, el ensayo y error, la memoria muscular— en el eco directo del colapso neuronal de Leah. El cronómetro deja de ser una cifra distante para volverse un latido desesperado, haciendo que cada salto preciso sea tanto una proeza del jugador como un acto de resistencia vital dentro de la ficción. En última instancia, la obra de Aeternum Game Studios nos recuerda que, incluso en un mundo eclipsado por el silicio y las luces de neón, la batalla más encarnizada y trascendental siempre se librará en nuestro interior.

Este contenido ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Tesura Games.

Pero no hace falta irse tan lejos para encontrar los terribles efectos del plástico. Los mares y océanos han actuado durante cientos de años como enormes alfombras bajo las que ocultar la suciedad. Por ello, se han convertido en el lugar de descanso final de millones de toneladas de residuos químicos, industriales y radiactivos. Un problema procedente del vertido incontrolado de plásticos y otras sustancias químicas que bajo la premisa de la «dilución infinita» han ido contaminando los mares y océanos hasta la situación actual.

Por ello, se agradece que obras como Splash Divers aborden esta problemática, enseñándonos lo importante que es encontrar medidas para reducir los residuos plásticos y favorecer la inversión en nuevos métodos más sostenibles. Y lo hace por medio de una encantadora aventura en tercera persona en la que también podremos entregarnos al encanto del mundo submarino. A este respecto, explorando con libertad, haciéndonos amigo de tortugas marinas, siguiendo el rastro de ballenas e interactuando con vivaces bancos de coloridos peces, entre otras tareas.

Entre la exploración y la fotografía de animales

Y aunque la meta de Splash Divers podría haber sido simplemente esa, la de explorar el mundo submarino, además de ayudar a aquellos que no puedan valerse por sí mismos, así como concienciar a pequeños y adultos, motivándolos a pasar a la acción para proteger el medio ambiente, no es menos cierto que a veces cae en tediosos encargos y paseos innecesarios.

A pesar de eso, todo lo que hace Splash Divers, todo en lo que se centra y por lo que puede que sacrifique ciertos detalles en el camino, es enfocar la mirada de los jugadores hacia el mensaje ecologista. Su objetivo final es lanzar una idea de concienciación que germine en la mente de quienes jueguen a esta aventura. Asimismo, la obra que protagoniza estas líneas se las ingenia para ofrecernos una especie de Pokémon Snap que funciona maravillosamente bien dentro de la propuesta de TinyMo GAMES: vemos un nuevo bichín que todavía no hemos reconocido, le apuntamos con nuestra cámara de fotos e identificamos de qué especie es. 

No hay sólo un animal de cada tipo, habitualmente, sino que la mayoría campan a sus anchas por ahí en un brillante ejercicio de recreación de la vida submarina de la zona. 

Un juego tremendamente necesario

Conseguir que nuestra interacción con el entorno sea la de ayudar y que la relación con los animales no sea la de acariciarles, cuidarles y aprovecharnos de ellos es un avance en los juegos de esta temática. Los fallos en relación a la representación del territorio están ahí y serán poco obviables para la mirada más experta en lo que a ambientes marinos se refiere, pero es muy difícil no recomendar este juego por su entrañabilidad, por su temática, por su forma de representar la relación con la naturaleza, por su jugabilidad y por otras muchas cosas que hacen del conjunto un sitio al que querer volver.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PC a través de Steam facilitada por PR Outreach.

Si bien, eso no quita que en la década de 1990 y a principios de los 2000, las comedias románticas estuviesen dominadas por guiones ligeros y parejas inolvidables. Eran historias de encuentros fortuitos, declaraciones grandilocuentes y finales felices en aeropuertos o bajo la lluvia. Sin embargo, actualmente el género busca reinventarse con realismo y diversidad. Y el amor tiene que ver mucho: las aplicaciones de citas, los dilemas interculturales y la presión social sobre las relaciones son los nuevos escenarios. Por eso mismo, ahora ya no basta con un flechazo, sino que se explora la complejidad de cómo y por qué elegimos amar.

Y juegos como Death Match Love Comedy! representan una suerte de subversión al género que nos ocupa, recorriendo varios aspectos de las relaciones amorosas que normalmente pasan desapercibidos. Tanto es así que el juego de marras no solo cuestiona los tópicos más comunes que muestran cómo estas relaciones se convierten en un campo de batalla de los sexos.

Lejos de confirmarse la existencia de diferencias irreconciliables entre las mujeres y los hombres, Kemco nos enseña, a través de mucha irreverencia, que la experiencia del amor acerca a las personas y establece entre ellas un parecido que sobrepasa las diferencias de género.

Es una bomba de tiempo

A este respecto, por medio de una novela visual en la que Kei Yagi, estudiante de primer año, está a punto de recibir una confesión de amor de no una, sino dos compañeras de clase, cuando de repente… ¡explota! Aunque este primer incidente resulta ser una ilusión, descubre que, debido a una misteriosa maldición que ha caído sobre él, la próxima vez que reciba una confesión de amor explotará de verdad y morirá.

De esta forma, y a diferencia de una comedia romántica clásica, Death Match Love Comedy! transforma los clichés del romance en un relato mucho más oscuro, introspectivo y profundamente humano, casi como un sueño del que despiertas sin recordar todos los detalles, pero sí la emoción que te dejó. 

No solo te vas dando cuenta de que el guion utiliza varias técnicas literarias para copiar el estilo de novela visual y luego manipularlo a su antojo, sino que cualquiera que se haya enfrentado a escribir algo, cualquier cosa, es fácil que entre en comunión con el autor: los consejos literarios que ofrece, las inseguridades del autor, la importancia de la planificación… Es cierto que, formalmente, tiene muchos aspectos criticables, porque recicla muchos elementos. Pero, una vez que entres en su juego, es también probable que todo esto te dé igual. Ya estarás irremediablemente enganchado.

También es un juego que rompe la cuarta pared, y que sabe hacerlo con una sutileza que más de una vez nos coge desprevenidos.

Sus giros son mucho más importantes que una simple subversión de las expectativas; su afán por plasmar el amor como si de una bomba de tiempo se tratara, mucho más crucial. Así que, desde aquí, si no lo has jugado, solo te puedo animar a que no tardes mucho más en hacerlo. No te dejes engañar por su capa de novela visual, porque, aunque pertenezca a este género, lo utiliza para sus propios fines.

¿Huyes del amor o el amor huye de ti?

Al final, Death Match Love Comedy! es un juego muy interesante, que sabe sorprender tanto con su historia como con su ejecución, mientras nos da libertad para elegir nuestro camino y, muy, muy sutilmente, guiarnos hacia uno de sus múltiples finales. La premisa y los temas que trata podrán gustar más o menos, pero creo que la ejecución es fantástica, y consigue mantenernos atrapados, haciéndonos, además, sentir partícipes de la aventura en todo momento.

Por supuesto, es un título que nos invita a rejugar ciertos pasajes y a tomar diferentes decisiones, desglosando su narrativa cada vez un poquito más y profundizado en su concepto

Este análisis ha sido realizado gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Meridiem Games.

La idea era muy simple. El equipo del programa acudía a una familia con problemas que, por tener muchos hijos o haber vivido alguna situación problemática, se enfrentaba al desafío de tener que vivir en una casa mucho más pequeña de lo que necesitaban. Con ayuda de los vecinos y algún contratista local que se sumaba al derroche de solidaridad, los integrantes de Extreme Makeover decidían darle la vuelta a la situación.

Para ello entrevistaban a las familias sobre su situación, les preguntaban cómo sería la casa de sus sueños, y los enviaban de vacaciones a Disneyland durante una semana mientras aprovechaban su tiempo fuera para demoler sus a menudo cochambrosas casas para crear una demencial mansión en ese mismo terreno. Desde pistas de baloncesto hasta toboganes que recorrían toda la casa, lo que salía de aquellas reformas era todo un espectáculo.

Y obras como House Flipper Remastered Collection, una puesta al día que promete mucho más que un simple retoque visual y algunos añadidos, se ampara en esta máxima. Su nombre directo revela que es exactamente lo que crees que es: la oportunidad de vivir tu fantasía (?) como un profesional solitario que transforma casas destrozadas en auténticas joyas, pasando de un trabajo a otro hasta que toda la suciedad quede en el olvido. No hay mucha variedad en una carrera de este tipo, y la monotonía puede llegar a ser un problema, pero el estilo de juego, fundamentalmente sencillo pero satisfactorio, ofrece una forma estupenda de relajarse a lo largo de numerosos niveles de tamaño generoso. 

No son los hermanos Scott (pero te encantará)

Sí, sólo se trata de simular el acto normalmente mundano de limpiar casas, pintar las paredes, instalar calefacción, duchas y aire acondicionado, e incluso amueblar propiedades enteras, pero House Flipper Remastered Collection se eleva por encima de lo que podría convertirse fácilmente en tedio al gamificar sutilmente la tarea y esconder las partes más molestas bajo la alfombra.

Hay algo terapéutico en House Flipper Remastered Collection. Es como una forma de ruido blanco visual, y he perdido horas y horas con este simulacro meditativo que no es más que tomarse su tiempo para limpiar lo que se te ponga delante. Elimina todas las irritaciones de la vida real del lavado a presión: cargar con una máquina voluminosa, tropezar con los cables de extensión, etc., enfocándose en el acto de limpiar a diestro y siniestro.

Cada trabajo comienza de la misma manera: una escena que se asemeja a los programas de televisión anteriormente nombrados, y tu misión es limpiar el desorden, devolverlo a su estado impecable original y llevarlo un paso más allá. Si te sientes un poco obtuso, incluso podrías llamarlo un shooter en primera persona, si los alienígenas o los militares fueran sustituidos por macetas de plástico inanimadas y delicadas espalderas de madera, claro.

Es realmente la definición de un trabajo de reforma y repetición, poco desafiante, pero que depende de una buena metodología.

Reforma integral

Para la mayoría de los estándares, House Flipper Remastered Collection no ofrece el nivel de variedad o progresión que uno esperaría, pero hay algo innegablemente catártico en toda la experiencia. ¿Va a poner en apuros a juegos como Resident Evil Requiem en la carrera por el premio al mejor juego del año? No. ¿Estoy preparado para dejar de escribir, comprar un pack de limpieza y empezar una nueva carrera como un reformista al uso? No. ¿Me he relajado mucho limpiando un edificio tras otro hasta dejarlo casi muerto? Por supuesto. Puede que tenga 35 años, pero he llegado a aceptar plenamente que esta es mi vida ahora: un hombre que reforma todo tipo de casas por diversión. Únete a mí.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave de acceso anticipado de PC a través de Steam facilitada por PR Outreach.

En esa lucha por el hiperrealismo para meternos de lleno en la historia, destaca Neva: Prologue, por ser precisamente todo lo contrario. Una obra, que al igual que el juego base, trata sobre nuestros propios sentimientos más que un mero entretenimiento. Y si no eres capaz de entrar en su juego es lógico que no te logre atrapar y lo que presencies sea un juego precioso, pero simple y que no te reta.

La clave de la expansión que protagoniza estas líneas, ya está disponible en PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series X|S y Nintendo Switch por 2,99 €., está en conseguir convertirse en toda una experiencia en el plano estético, con escenarios bellísimos que cambian a nuestro paso y consiguen la matrícula de honor casi al final del juego, con una caja que se abre (literalmente) revelando distintos paraderos de un mismo nivel.

La luz en la oscuridad

Es lógico que tras leer esto, y si no has jugado al juego original, te preguntes: «Sí, veo que es precioso y está cargado de sentimientos, ¿pero cómo se desarrolla el juego?»

Hablar de Neva: Prologue en términos jugables es complicado. No porque su jugabilidad lo sea, de hecho su esquema es tremendamente simple. Es, al fin y al cabo, una aventura de plataformas con sencillos puzles que apenas nos supondrán un reto, lo que puede espantar a aquellos que quieran afrontarlo como un reto personal. Y a esto ayuda su duración, 60 minutos que, lejos de parecer escasos es una de sus mayores virtudes.

Su jugabilidad obedece a una narrativa concreta, planteándonos un duro y precioso viaje plagado de pruebas que superar, con los gráciles movimientos de nuestra protagonista en un mundo que poco a poco va volviéndose más desafiante y vibrante. Un viaje en el que tendremos que ganarnos la confianza de Neva y guiar a ambas partes a través de los humedales marchitos y las fuerzas oscuras que los acechan.

Al final, la auténtica dificultad de Neva: Prologue reside sobre todo en aceptar nuestra afinidad con su historia. En abrirnos a ese silencio sepulcral entre la obra y el jugador, cuyo desenlace ofrece una luz y un motivo a cada salto, puzle o caída del camino, sin necesidad de que haya demasiados enemigos que entorpezcan nuestro camino. 

Porque incluso en esa simpleza puede verse parte del mensaje. Como tener que mantener el botón pulsado para enfrentarnos a la tormenta y sentir en nuestro dedo la tensión de plantar cara a la naturaleza.

Este texto ha sido realizado gracias a una clave digital de PC facilitada por Cosmocover.

La aventura es ese momento de ruptura en el cual nos damos cuenta de que no basta, como hacemos normalmente, de conformarse con reproducir automáticamente aquello que hemos aprendido. Nos embarcamos en una aventura para aprender a aceptar las dudas y los interrogantes, y además utilizarlos para estimular nuestra creatividad y ser capaces de producir nuevos comportamientos que antes no teníamos o imaginábamos.

Al final, son muchos los motivos que pueden llevar a una persona a desear perderse para explorar el mundo. El deseo de conocer otros lugares, de vivir nuevas aventuras, de mejorar sus habilidades sociales, de aprender nuevos idiomas, de salir de un entorno en el que no se siente cómoda, de relajarse, de desconectar y olvidar la rutina, de dejar atrás experiencias pasadas negativas, de conocerse mejor… Tantas combinaciones de deseos y objetivos como personas hay por ahí en movimiento.

Y obras como Atelier Ryza Secret Trilogy Deluxe Pack se amparan en esta máxima, enseñándonos a través de sus tres entregas, las cuales traen consigo nuevas historias, personajes jugables y funciones, que no tiene que dar miedo no saber qué es lo que va a pasar, no tenerlo todo bajo control. 

Es decir, nos invita a improvisar, aprender, descubrir, experimentar, crecer. De alguna forma… volver a ser espontáneos. Y lo hace a través de los ojos de Ryza, una joven aburrida de su vida en una aldea, que se embarca en una aventura con sus amigos para romper con la monotonía. En su camino, descubren la alquimia y se ven envueltos en un peligro que amenaza la isla donde viven. 

Con todos estos ingredientes sobre la mesa, nos encontramos con una historia que se centra en el crecimiento personal de los personajes y la importancia de la amistad, mostrando su crecimiento, sus conflictos internos y cómo se apoyan mutuamente en los momentos difíciles. 

La llamada a la aventura

¿Quién no conoce los cuentos de hadas? Todos hemos crecido con ellos, ya que pueden ser la más bonita fuente de educación, así como la mayor diversión. Sin ellos, la infancia no sería lo mismo y si la vida es sueño, en parte es porque existen los cuentos. Estos proporcionan ayuda psicológica, ya que personifican e ilustran conflictos infantiles internos universales, sugiriendo siempre la manera de resolverlos y los pasos del desarrollo hacia la madurez, centrándose en el desarrollo del héroe. Son los relatos que configuran la primeriza vida intelectual y socialización, esos que nos invitan a imaginar mil mundos en los que todo es posible.

Gracias a ello hemos podido conocer bosques encantados y castillos maravillosos, visitar misteriosas aldeas y surcar mares repletos de aventuras. Y Atelier Ryza Secret Trilogy Deluxe Pack nos recuerda constantemente a los cuentos de hadas, ya que incorpora elementos del impresionismo y la fantasía en sus coloridos paisajes. Sabe cómo adaptar encantadoras ilustraciones en escenas imaginarias a todo color, desde aventuras a través de bosques fantásticos, hasta encuentros cercanos con criaturas espirituales, cada una con una vibrante estética, materializando un deseo de la infancia de muchos. Está claro que la belleza y la majestuosidad visual es uno de los principales baluartes de este juego.

La síntesis, esa capacidad que nos hace grandes

Como en la vida real, ir siempre con prisa y no tener tiempo se percibe socialmente como algo positivo, ya que el hecho de estar ocupados nos transmite la sensación de que siempre estamos haciendo algo. Nos sentimos bien porque creemos que estamos aprovechamos el tiempo y minimizamos los periodos en los que no hacemos nada.

Sin embargo, Atelier Ryza Secret Trilogy Deluxe Pack es lo más parecido a una llamada a la tranquilidad, una experiencia íntima en la que tenemos la sensación de brindar un par de copas a bordo de un velero mientras el sol desaparece en el horizonte y el Chill Out se mezcla, debido a que nos ofrece el nivel de comodidad suficiente para hacer lo que más nos apetezca… si así lo queremos. 

A través de los ojos de nuestra protagonista y una vista en tercera persona, tenemos diferentes escenarios que explorar que cambian con el paso de las entregas, así como un sistema de Alquimia que nos permite crear objetos especiales con efectos inesperados. Todo ello por medio de un minijuego de casillas conectadas las unas con las otras, en las que tenemos que colocar una serie de materiales para ir desbloqueando otras celdas y así reforzar la síntesis.

Si bien, no todo se limita al plano de la alquimia y lo social, lo que otorga cierta variedad a la propuesta que nos ocupa. En la aventura que protagoniza estas líneas, también tenemos que hacernos a las armas contra toda clase de criaturas fantásticas. Concretamente, por medio de un sistema de combate por turnos activos (no hay pausas por cada decisión que tomemos) que a pesar de tener mecánicas sumamente conocidas para todos los que estén acostumbrados a los JRPG. Empero, eso no significa que este esté descuidado, en realidad, muchos enemigos suponen un buen desafío que nos obligará a replantearnos ciertas estrategias y ya sea de paso, a mejorar nuestro equipo a marchas forzadas si queremos salir airosos.

Escape de la vida cotidiana

Muchas melodías pueden presentar formas variopintas en cuanto a su armonía, mientras que otras tantas veces aprovechan otras progresiones de acordes presentes a lo largo de la misma. Con un estilo algo más refinado que ofrece melodías embaucadoras y letras emotivas y conmovedoras, Atelier Ryza Secret Trilogy Deluxe Pack echa raíces en una estructura afectiva humana.

Una estructura melódica que representa algo más que un juego de gestión de recursos y elementos RPG, pues sus vibrantes colores y diseños hacen volar la imaginación de cualquier jugador, convirtiendo esta trilogía remozada en algo diferente y sorprendentemente potente.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PlayStation facilitada por Koei Tecmo Europe.

Ha sido durante la última década cuando las opciones morales en los videojuegos han dado realmente un salto de gigante. Sin embargo, no todos los juegos son francos y transparentes sobre las consecuencias de tus elecciones. Ocultan sus intenciones y te golpean con ellas cuando menos te lo esperes, haciéndote cuestionar todas las decisiones que has tomado hasta ahora. Tal fue el caso de Frostpunk, una obra en la que tu conciencia será, en última instancia, lo que guíe tus decisiones. ¿Pesan más las necesidades de muchos que las de uno solo? ¿Hay decisiones buenas y malas en un entorno tan sumamente hostil, o sólo hay supervivencia?

Esta es una máxima que también se aplica en Frostpunk 2, que comienza donde lo dejó su anterior entrega pintando una estampa extremadamente trágica que ve cómo todo conflicto pasado es pequeño ante el avance voraz del hielo y la nieve; una humanidad en pedazos, dispersa entre el deseo de supervivencia y la desolación de hogares abandonados, creencias perdidas y un adiós continuado; una sensación de zozobra constante, de mala espina por un peligro que acecha tras cada aviso, cada evento, cada novedad escondida en la suma de los días. Es un escenario tan atípico como interesante, ya que desde el primer momento, la batalla está perdida.

La vida en un infierno helado

En Frostpunk 2 no hay derrota pequeña, ni triunfo que no pese. Demasiado ocupados en enfrentar la tormenta, ignoramos que las puertas del mismo infierno están entornadas, el temido día en que sus hornos se congelen a la vuelta de la esquina, cuando el último fuego que arda sea el de la entropía intrínseca de una humanidad capaz de consumirse a sí misma. Ese es el auténtico saldo, la verdad que revela la inconcebible helada.

Dicho de otra manera. El maniqueísmo tiende a desaparecer y da igual la decisión que vayamos a tomar, que siempre saldrá perdiendo alguna parte con la que hemos empatizado. No hay buenos ni malos, opciones correctas o erróneas, sino decisiones y sus consecuencias. Cada vez más me veo en la tesitura de pausar la partida unos breves instantes y pensar un poco lo que voy a hacer. No por miedo a las consecuencias, sino porque de verdad me importa lo que ocurra. Es otra forma de disfrutar con las opciones, no sólo con la consecuencia de tomarlas, sino deleitándose en el proceso y sopesando las opciones.

Incluso mientras el último capítulo del mundo se escribe a pasos acelerados, seguimos en el inconsciente camino a la autodestrucción, nombrando el bien común, sacrificando todo por la supervivencia de unos pocos a costa de los que se quedan por el camino. Puede que al otro lado, podamos encontrar la libertad y de este final consigamos que surja otro comienzo, pero cuando pisemos la nueva tierra habremos de afrontar que el camino por recorrer quizá no sea más que un reguero de sangre y miseria nublado por el imperecedero frío de nuestra más oscura gesta.

Lo que está claro es que parece que los videojuegos van a apuntar cada vez más en esta dirección. Al fin y al cabo, uno de los potenciales más interesantes del medio es la capacidad de contar historias con un potente elemento interactivo del que los libros, la televisión y el cine carecen. Ahora, lo único que queda es que los jugadores puedan meterse en situación y se aproximen a los juegos con la madurez suficiente como para entrar en el juego. 

Por supuesto, siempre existirá el tipo de jugador que quiere probarlo todo para ver qué pasa, y eso está genial, pero lo realmente interesante será ver hasta qué punto y de qué manera los desarrolladores conseguirán sorprendernos durante los próximos años con narrativas profundas y logren que los jugadores sean parte activa en el transcurrir de los acontecimientos de sus juegos.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de PlayStation 5 facilitada por Terminals.io

No es el caso; a pesar de que compartan género y una serie de elementos característicos, The Hundred Line es una propuesta narrativa, una montaña rusa sumamente coral. Una propuesta en la que encarnamos a Takumi Sumino, un adolescente totalmente normal que vive en el Complejo Residencial Tokio, un lugar donde cada día es como el anterior y nunca ocurre nada malo. Si bien, todo eso cambia cuando monstruos extraños atacan la ciudad y empiezan a causar estragos.

Con todo esto, nos encontramos ante una obra en la que, más allá de enfrentar a monstruos alienígenas y aguantar a Sirei, un pequeño robot en forma de fantasma, hay espacio para la reflexión sobre las personas y las sociedades, sobre cosas tan mundanas como la ansiedad de encajar en un sitio nuevo y sobre otras tan fundamentales como los nacionalismos; al final, es un ejercicio de estilo que no puede evitar recrearse en el mismo hecho de narrar, en cómo se crean los relatos, en la majestuosidad y fragilidad de algo tan literario y fascinante (y tan nuclear para la experiencia humana) como los rascacielos narrativos de los que este juego de Too Kyo Games se desenvuelve como pez en el agua.

Identidad y estilo

Así pues, y a lo largo de la aventura, el jugador debe ayudar a Takumi Sumino a sobrevivir 100 días defendiendo la escuela de monstruos. Esto no solo se logra explorando la academia, fortaleciendo lazos con otros personajes y tomando decisiones que afectarán la historia y llevarán a uno de los más de 100 posibles finales, sino también combatiendo. Después de todo, la obra que protagoniza estas líneas es algo más que una novela visual al uso, también es una propuesta de RPG táctico en el que moveremos a las distintas unidades – los protagonistas, por supuesto- en una suerte de cuadrícula, con el fin de defender de las hordas de enemigos los generadores de escudos de la academia

De nuevo, creo que el ejercicio de mesura en estas batallas es importante. No son combates especialmente complicados ni se explora en gran profundidad la historia, pero sí son interesantes y sí hay suficiente diálogo como para que no resulte un mero extra o una distracción para poder ponerse otra etiqueta y no llevar solo la de novela visual. Hay un sistema de progresión, unos puntos de experiencia, una serie de desbloqueos y mejoras que envuelven un poco la sucesión de niveles, en los que el objetivo siempre es proteger un pilar central del asedio de los monstruos, utilizando para ello las unidades antes mencionadas. 

El combate, basado en la táctica, la planificación de ataques con habilidades especiales y rangos únicos, le da un toque dinámico al susodicho, que poco a poco van siendo más exigentes y largos pero que no se suelen hacer pesados. Asimismo, los personajes se van cansando, un sistema que obliga a jugar con un plus de anticipación.

Bing, bong, ding, dong

La relación entre ambos géneros, entre estas dos formas de desarrollar la trama es, insisto, consistente, sólida y rotunda. Matemática, en definitiva. Ofrece una seguridad que permite elaborar una historia no menos compleja y profunda, pero sí mucho más literaria, que pone especial cuidado en lo artístico para hacerla, además de consecuente, hermosa. 

Con esta obra, Too Kyo Games demuestra su capacidad para desenvolverse en el diseño de mecánicas que funcionan como un tiro y en la creación de una trama que no deja cabos sin atar. Como resultado, The Hundred Line – Last Defense Academy nos habla de lo efímero de la vida y del ser, del punto en el que la compatibilidad entre el progreso de las ciencias y lo contemplativo de las letras. Lo hace juntando monstruos alienígenas y chavales del instituto, pero también uniendo una jugabilidad incontestable y una historia que no deja indiferente.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de Nintendo Switch facilitada por PressEngine.

Y juegos como Blades of Fire se amparan en esta máxima, brindando una aventura de acción en la que forjas tus propias armas y te enfrentas a feroces enemigos utilizando un singular sistema de combate. Una aventura en tercera persona en la que el jugador asume el papel de Aran de Lira, quien debe derrotar a la malvada Reina Nerea. La reina ha lanzado un hechizo que convierte el acero en piedra, y Aran, junto a su compañero Adso, emprende un viaje para forjar su propio arsenal y liberarse del hechizo que paraliza al mundo.

Con todo esto, Blades of Fire nos ofrece una propuesta que no sólo pone de manifiesto un mundo de fantasía medieval, sino también una guía artesanal de como la forja requiere un conocimiento profundo de los materiales y una destreza que solo se adquiere con años de práctica, y que quizá pueda abrumar a muchos jugadores durante los primeros compases.

Dicho de otra forma, es un proceso complejo que requiere precisión, experiencia y destreza artesanal, exigiendo una serie de pasos individuales que transforman un trozo de acero en un arma efectiva, desde la preparación del material en bruto y el templado y revenido, hasta el pulido y abrillantado.

El arte de la forja, la creación de la belleza

Entrando ya en lo que es su jugabilidad, Blades of Fire nos ofrece un combinado de elementos de varios juegos de éxito, utilizando como base los sempiternos «Soulsborne» de FromSoftware o el más lejano Blade: The Edge of Darkness, por lo que resulta casi inevitable hacer mención a estos títulos. A pesar de todo esto, os avisamos que las batallas suelen ser mucho más técnicas e incluso pausadas que la mayoría de sus congéneres.

Lanzarse al ataque sin pensar rara vez no acaba con nosotros besando el suelo, por lo que estudiar bien los patrones de ataque de nuestros enemigos (son muy claros y predecibles una vez nos los aprendemos) resulta fundamental para encontrar esos breves huecos en los que podemos aprovechar para atacar de forma segura y sin arriesgar.

Esto se hace especialmente patente en los jefes, los cuales suelen tener cuatro o cinco ataques que repiten de forma constante y que siempre indican de alguna manera, de modo que lo mejor para acabar con ellos suele ser esperar a que los realicen, evitarlos y aprovechar rápidamente para pegar un par de golpes antes de que puedan volver a reaccionar.

Por lo demás, parte del buen hacer de Blades of Fire se debe a que es un alumno aplicado que ha estudiado a los grandes nombres aportando su propio granito de arena. Y aunque parece improbable que la gente de Mercury Steam se embarque en el desarrollo de nuevas entregas, se le debería exigir un trabajo más exhaustivo en el diseño de mapas, un mejor equilibrio en la dificultad general, y sobre todo, algún tipo de innovación que realmente quede en el recuerdo más allá de esa idea central de la forja, pero ahora mismo sólo podemos calificarlo de una aventura correcta que podría haber aspirado a algo más.

Estas impresiones han sido realizadas gracias a una clave digital de Xbox Series facilitada por PressEngine.